Music Box

Pearl Jam Twenty – Le film

2011-10-08T12:56:00.002+02:00

Plus tôt dans l'année, les Foo Fighters ont sorti un film, Back and Forth, qui accompagnait la sortié de l'album Wasting Light. Présenté de manière strictement chronologique, le film racontait simplement l'évolution du groupe, de l'époque où Dave Grohl enregistrait seul ses chansons dans l'ombre de Kurt Cobain jusqu'à leur statut actuel de stars mondiales. Mais le film ne cachait rien : l'histoire des Foo est entachée de changements de personnel, souvent de manière brutale ; de même, le batteur Taylor Hawkins fut en proie à de sérieux problèmes de drogue, qui l'ont poussé à l'overdose. Back and Forth en parle systématiquement, et n'hésite pas à faire intervenir chaque personne concernée (y compris les anciens membres) et à faire passer Dave Grohl, pourtant officiellement The Nicest Guy in Rock, pour un control freak parfois détestable. Bien que le film se terminait dans la joie et la bonne humeur, avec l'enregistrement de Wasting Light dans la piscine familiale des Grohl (ou presque), le film (et le groupe) n'a définitivement pas choisi la voie évidente de l'hagiographie.

Il serait probablement excessif de parler de Pearl Jam Twenty comme une hagiographie. Mais force est de constater, après deux heures d'un film très soigneusement monté, aux images d'archives souvent hallucinantes, que le réalisateur Cameron Crowe n'a jamais cherché à trop bousculer le groupe ou les téléspectateurs. Pearl Jam Twenty est un documentaire, certes très bon, mais dont le degré critique est proche du zéro absolu.

Pearl Jam Twenty était très attendu. Mis en boîte par un réalisateur phare d'Hollywood qui a connu, sur place, la naissance de Pearl Jam, il devait raconter l'histoire d'un groupe qui a tout connu. Des débuts déjà marqués par le malheur, un succès interplanétaire très rapide et mal vécu par certains membres du groupe, des tragédies individuelles et collectives ainsi qu'une seconde décennie nettement plus introspective, jusqu'à une certaine résurgence commerciale. Tout ceci se trouve dans le film. Une bonne partie du début est consacré à Pearl Jam avant Pearl Jam, à savoir quand Stone Gossard (guitare) et Jeff Ament (basse) étaient membres d'un groupe de glam rock alternatif mené par le flamboyant Andy Wood et appelé Mother Love Bone. Après l'overdose fatale à Wood Gossard et Ament (depuis rejoints par un autre guitariste nommé Mike McCready et aidés par le batteur de Soundgarden Matt Cameron) envoient une cassette instrumentale de trois titres à un chanteur/surfeur de San Diego via Chicago, et le reste est Histoire.

Et l'Histoire, on la voit se dérouler sous nos yeux, dans un montage rapide mais pas hystérique. Beaucoup d'images inédites et légendaires : le deuxième concert de Pearl Jam (alors appelé Mookie Blaylock) avec la seconde prestation publique d'Alive (596 suivront à ce jour). Les fans connaissaient l'existence d'un concert acoustique à Zürich, en 1992 où, selon le groupe, la scène était plus petite qu'une estrade de batterie : le film prouve que cette affirmation est correcte. On voit aussi un jeune Vedder sérieusement bourré insulter MTV dans une salle plein d'exécutifs artistiques lors de la présentation du film (de Cameron Crowe) Singles, ainsi qu'une compilation des sauts de Vedder dans le public, qui restent absolument ahurissants. Mais l'image d'archive la plus extraordinaire provient de la collection personnelle de l'ex-guitariste de Hole Eric Erlandson, qui ne l'avait jamais rendue publique auparavant.

Il faut savoir qu'à l'époque, MTV diffusait de la musique, et la presse musicale avait un réel pouvoir. Et donc, on s'amusait à créer une guerre infondée entre Nirvana (les punks, les vrais) et Pearl Jam (les vendus influencés par Van Halen). Cobain et Vedder étaient donc censés se détester, même s'ils ne se connaissaient pas vraiment (et s'appréciaient plutôt pas mal). Un jour, lors des MTV Video Music Awards 1992, Eric Clapton joue Tears in Heaven, et en dessous de la scène, Kurt Cobain et Eddie Vedder dansent, dans les bras l'un de l'autre. L'histoire était connue, mais on ne l'avait jamais vue. C'est chose faite, et c'est aussi le seul document connu à ce jour où les deux porte-drapeaux du (désolé) grunge se retrouvent ensemble.

Rien que pour cela, PJ20 vaut tout l'or du monde (ou en tout cas les 14€ du ticket de cinéma et les 60 dollars de l'édition spéciale dvd/blu-ray) pour les fans du groupe, ou n'importe qui un tant soit peu intéressé par l'histoire du mouvement. Malheureusement, on ne voit que peu d'interactions avec d'autres musiciens, probablement par maque de temps (le film aurait facilement pu durer six heures, on annonce d'ailleurs quatre heures de bonus sur le DVD). A part Chris Cornell, qui intervient souvent lors de la première partie, on aperçoit en vitesse Alice in Chains, mais c'est plus ou moins tout. C'est d'ailleurs une caractéristique du film, la vitesse à laquelle tout est décrit. A peine finie la longue introduction au groupe, tout défile, à la vitesse du narrateur de la chanson MFC, extraite de Yield. Le bipolaire Vs, l'ambitieux Vitalogy se partagent quelques minutes de temps d'écran, mais beaucoup plus que l'expérimental No Code, album adoré des fans mais définitivement mal aimé du groupe. Et pendant ce temps, on se pose une question dont on n'aura jamais vraiment la réponse : mais que se passe-t-il dans la tête du groupe? Qui est Pearl Jam?

On connaît les démons du groupe, les problèmes qui ont entaché leur première décennie. La personnalité parfois écrasante d'Eddie Vedder, leur obsession criante pour le respect de la vie privée (amateurs de détails croustillants, passez votre chemin, et le - superbe - livre-compagnon ne vous dira rien de plus), les addictions de McCready, pour ne citer que quelques exemples. On en parle, un peu, en passant, mais sans jamais s'y attarder, comme Back and Forth pouvait le faire. Un exemple assez parlant : on voit Pearl Jam jouer Do the Evolution, live en studio, en 1998. McCready est en très mauvais état. Il est bouffi, a pris dix ans dans la tronche et est encore plus mal sapé que Cobain au Unplugged. Quelques secondes après, McCready version 2010, en pleine forme (il fait des marathons, maintenant, figurez-vous), parle de "sa mauvaise période", en passant, alors que sa fille, qui ne devait pas avoir beaucoup plus d'un an, joue devant lui. Que les choses soient claires, loin de moi l'envie de voir McCready en pleine crise de dépendance alcoolique, mais je ne peux m'empêcher de penser que Crowe n'a pas voulu aller au fond des choses, peut-être pour ne pas choquer un groupe composé avant tous de ses amis.

Mais le point le plus étonnant concerne sans doute les batteurs. McCready compare Pearl Jam à Spinal Tap, et n'a pas tort : avant même que le premier album ne sorte, Pearl Jam avait déjà utilisé quatre batteurs, et en utilisera encore deux par la suite, même si le premier, Matt Cameron, se retrouve être le dernier. Jack Irons est parti pour raisons de santé, on le sait, mais l'histoire du premier batteur, Dave Abbruzzese, est nettement plus confuse. Il aurait été viré parce qu'il n'avait pas la même vision de la célébrité que le reste du groupe (autrement dit, alors que Vedder voulait se retrouver le plus loin possible des médias, Abbruzzese embrassait un mode de vie de rockstar). On dit même que Vedder l'a viré parce "qu'il était plus beau que lui". La vérité, cela semble clair, ne sera sans doute jamais connue : Crowe ne lui a (probablement) pas donné la parole.

Malgré ces points d'ombre, Pearl Jam Twenty reste un documentaire passionnant, également lorsqu'il évoque la seconde décennie du groupe, au succès commercial très mitigé. Les albums Binaural, Riot Act et Pearl Jam sont rapidement passés en revue, et on pourra être très surpris que pas un seul mot n'est dédié à ce qui reste, très étrangement, le morceau de Pearl Jam qui aura eu le plus grand succès commercial, Last Kiss. De toute façon, comme évoqué ci-dessus, Crowe aurait eu six heures de film et cela aurait quand même été trop court, et on pourra gloser pendant des heures sur les bienfaits et méfaits de l'édition du film : était-ce, par exemple, utile de montrer une longue audition de Gossard et Ament devant le sénat US lors de l'affaire Ticketmaster. La scène est souvent drôle (en fait, chaque scène avec Stone est drôle, Stone devrait avoir sa propre sitcom, si possible chez lui), mais elle a sans doute privé le film d'autres images émouvantes.

Ecrire une chronique sur un tel film est un exercice relativement futile, surtout quand l'auteur connaît beaucoup plus de choses qu'il devrait sur le monde de Pearl Jam. Il est très probable qu'un spectateur qui a perdu moins de temps sur MTV, à lire des magazines d'époque, ou à traîner dans des magasins de disques douteux à dépenser l'équivalent de 50€ pour un bootleg au son tout aussi douteux ne se posera pas le même genre de questions. Et si Crowe avait effectivement développé une partie un peu plus personnelle de la vie du groupe, d'autres passages en auraient nécessairement souffert. Je pense que les heures passées en salle d'édition ont du être particulièrement cruelles, et j'espère que le dvd/blu-ray pourra combler certains trous (mais pas ceux de la vie privée, on n'en saura absolument jamais rien).Oh, et tant que j'y suis : la musique, elle est vraiment, vraiment bien.

NB : après avoir écrit la chronique, j'ai appris qu'une édition spéciale du film, qui sortira le 25 octobre en dvd/blu-ray (exclusivement via pearljam.com) comprendra quatre heures de bonus, un cut spécial ne reprenant que les performances musicales du film ainsi qu'un documentaire inédit sur la principale force de Pearl Jam, son public.

NB2 : Pearl Jam Twenty, c'est aussi un livre passionnant, mais au même ton relativement détaché que le film. On y retrouve toutefois des images somptueuses ainsi que des essais intéressants sur chaque album du groupe. Il est d'ores et déjà disponible en version originale, et sera disponible fin octobre en version française aux éditions Autour du Livre.

NB3 : Pearl Jam Twenty, c'est aussi une bande originale passionnante, que je chroniquerai bientôt...

Migration

2010-07-19T14:35:00.001+02:00

Cela fait quelques mois que je suis passé de mon ancien hébergeur de blogs, Skynetblogs à Blogspot. Je n'ai pas la moindre idée de comment je suis resté aussi longtemps avec un brol aussi dysfonctionnel que Skynetblogs, ni même pourquoi j'ai commencé là, mais bon, voilà.

Blogger, c'est très bien, jusqu'à ce que "Google" commence à me chercher des emmerdes pour je ne sais quelle raison : ces dernières semaines, mon blog a été noté trois fois comme "spam" avec menaces de retrait. Et quand je vois ce qui est arrivé à certains excellents blogs musicaux, comme The Pop Cop récemment, il fallait que je continue à avancer.

Dorénavant, mes nouvelles chroniques seront publiées sur http://www.musicboxblog.be, sous Wordpress et mon propre hébergement. J'ai pu ajouter pas mal de fonctions, et il est possible que j'en fasse plus les prochaines semaines, mais maintenant, j'ai envie de me concentrer sur le contenu. Donc, ce blog ne sera plus mis à jour ici, mais sur www.musicboxblog.be. J'en ai aussi profité pour migrer (enfin, c'est toujours en cours) mes autres blogs vers la même adresse, pour un souci de clarté.

Et vous pouvez trouver Music Box sur Facebook et Twitter. J'en profite aussi pour rappeler que vous pouvez m'envoyer vos démos via Soundcloud, j'ai pas mal de retard, mais je compte le rattraper.

Merci de me lire, cette migration est probablement la dernière.

Cypress Hill - Rise Up

2010-07-18T22:53:00.001+02:00

Il aura fallu bien longtemps pour que Cypress Hill sorte la suite de Till Death Do Us Part, notamment à cause de problèmes de contrats. Six ans et quelques tonnes de marijuana plus tard, le quatuor californien, le groupe hip-hop le plus apprécié du monde rock, revient avec un Rise Up justement censé plaire à ce public élargi qui fait la particularité de Cypress Hill, toujours très à l'aise en festival rock, voire metal.

Autant le dire directement : ça ne marche pas à chaque fois. Niveau strictly hip-hop, c'est franchement limite. Muggs, qui est quand même un des hall of famers de l'histoire du hip-hop, quand une telle chose existera, ne produit que deux morceaux sur tout l'album, et n'accompagne même pas le groupe en tournée. De plus, les deux morceaux en question (Pass That Dutch et Take My Pain avec le fidèle Everlast) sont largement les deux meilleurs cuts hip-hop de l'album, nous faisant regretter sa faible participation. Pour les crossovers, les californiens se sont lancé dans le latino, avec le très médiocre Armada Latina. Mauvaise idée, comme le trip reggae d'il y a quelques années.

Niveau rock, les invités sont de marque. D'abord, Tom Morello, pour deux morceaux dont le single Rise Up. Sympa, guitare impeccable, mais cela sonne quand même toujours comme un Rage light, mais hey, c'est pas le dernier Lil Wayne non plus. Mike Shinoda vient nous rappeler que Linkin Park nous revient en septembre, avec une ballade pourrie et un refrain sirupeux à souhait. Enfin, Daron Malakian a la très bonne idée de ne pas chanter, et d'envoyer quelques bons riffs à la SOAD. Ok, mais il manque quand même le grain de folie de Serj.

Bilan mitigé, mais d'un autre côté, Cypress Hill n'a plus vraiment besoin de révolutionner le genre, ils l'ont déjà fait. On peut toutefois se demander ce qu'il va advenir d'un groupe apparemment amputé de sa principale force créatrice, et qui sort un album plutôt porté par ses invités. Rise Up apporte en tout cas quelques morceaux supplémentaires à la légende d'un des plus grands groupes de hip-hop de tous les temps, et un des plus fédérateurs.

Slash - Slash

2010-07-13T22:28:00.000+02:00

Parfois, je me surprends à manquer de curiosité, à ne plus tenter de découvrir de nouvelles choses, de nouveaux artistes comme je pouvais le faire auparavant. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce n'est pas parce que 2010 manque de nouveaux artistes : une preuve irréfutable est cet album, le premier d'un guitariste anglais prometteur, Saul Hudson, qui a adopté l'amusant sobriquet de Slash. Trève de plaisanterie même pas drôle, Slash est effectivement son premier album solo, après quelques Guns 'N Roses, Slash's Snakepit et Velvet Revolver. Slash a choisi une approche similaire à Tony Iommi il y a quelques années : inviter un vocaliste différent pour chaque morceau, et sans doute espérer que cela marche aussi bien. Le résultat est mitigé, et l'album ressemble plus à un compile qu'à quelque chose de cohérent, mais il faut être honnête : c'était sans doute le but.

Slash sait que c'est son album. Il profite autant que possible de ne pas avoir un chanteur à l'égo surdimensionné qui lui pique la vedette. Ian Astbury (The Cult) ouvre l'album assez joliment, mais c'est l'évidente Les Paul du chevelu qui est la star ici, surtout qu'elle est carrément double-trackée. Histoire qu'on ne la loupe pas. Tant qu'on parle de trucs de studio, le morceau suivant est chanté par Ozzy. Et c'est là qu'on se rend compte que l'auto-tune a été inventé pour Ozzy. Sauf qu'il est tellement à la masse ces jours-ci qu'il a probablement fallu mettre les réglages très haut, et qu'il ne sonne plus du tout comme un être humain. D'un autre côté... Si quelqu'un a osé écouter son dernier album solo, qu'il me dise si c'est un peu plus écoutable.

La suite n'améliore pas vraiment les affaires : on a probablement dit à Slash qu'il fallait du jeune, et Astbury, Ozzy et les vioques de la suite, c'est pas top. Alors, on a fait venir Fergie. Si, la fille au visage bizarre des Black Eyed Peas. Fergie hurle. Elle doit être sous stéroïdes, ou sur je ne sais pas quoi que Lance Armstrong a pris pendant des années, mais elle fait vraiment peur. Slash, quant à lui, semble jouer avec un killswitch. Si. Je me demande s'il va troquer son légendaire chapeau pour un seau KFC. Myles Kennedy prend la relève, il est le chanteur de Alter Bridge. Grand groupe, Alter Bridge : c'est Creed, mais sans le chanteur Scott Stapp, encore un mec à l'égo surdimensionné, tiens. Kennedy est un pote de Slash : il lui offre deux morceaux ici, est son chanteur de tournée et sera probablement dans la future version de Velvet Revolver. Il chante comme Chris Cornell, en fait, mais le Chris Cornell qui savait chanter, évidemment.

Parce que l'autre Chris Cornell, celui de maintenant, il est ici aussi, à s'exploser les poumons dans une powerballad médiocre qui ressemble vaguement à un thème de James Bond. Déjà vu, déjà vu... Malheureusement, Slahs semble avoir choisi les vocalistes les plus horripilants possibles : on retrouve aussi Andrew Stockdale (Wolfmother) dans un évident numéro de mimétisme robertplantien, et Kid Rock (KID ROCK!), dont les 15 minutes de "gloire" sont passées depuis bien longtemps. Last but not least : le type de Maroon 5. Vraiment.

Alors, totalement à chier? Non, en fait, parce que bizarrement, la seconde moitié de l'album a quelques bons moments. Le final, d'abord : Rocco DeLuca (moi non plus, mais tant mieux) apporte un morceau carrément flamenco, qui change avec le ton général très rock à bières et bikers, et Iggy Pop finit en racontant évidemment n'importe quoi. Le meilleur chanteur de l'album? Terrible à dire, mais c'est Lemmy. Gros, très gros morceau rock 'n roll, on regrettera juste un peu la production trop léchée par rapport à Motörhead, mais vu le reste de l'album, on ne va pas se plaindre. Mais le meilleur morceau de l'album est peut-être Watch This, un instrumental (ben tiens) rehaussé par la présence de Duff McKagan et Dave Grohl. Aucune tentative de faire du show, juste faire du rock. Ca marche, et c'est très bon.

On pourrait encore parler des tonnes de bonus tracks sorties sur la dizaine d'éditions différentes, mais vu que le morceau le plus remarquable est une reprise de Paradise City avec Cypress Hill et Fergie, il vaut mieux pas. Slash est un album peut-être décevant, mais la nature même d'une telle superproduction devait décevoir. Tony Iommi, évoqué plus haut, avait eu le bon goût de ne pas faire appel à des superstars, mais à d'excellents vocalistes (Anselmo, Steele, Rolllins, déjà Astbury et un encore vaguement fringuant Osbourne), pour un résultat optimal. Ici, c'est un peu comme un film de Michael Bay : ça explose dans tout les sens, mais ça finit bien vite par écoeurer.

Blip.fm : Watch This, Doctor Alibi, Beautiful Dangerous

Far - At Night We Live

2010-06-06T15:06:00.002+02:00

De toutes les histoires de reformations récentes de groupes des 90s, celle de Far est une des plus étonnantes. Far, voyez-vous, est ce qu'on appelle un groupe culte : un groupe qui a influencé des tonnes d'artistes qui ont, eux, vendu des disques. Articulé autour du tandem Jonah Matranga (voix) - Shaun Lopez (guitare), le quatuor fit partie de la scène de Sacramento d'où sont notamment issus Deftones. Leur album de 1998, Water and Solutions, a failli leur offrir un succès commercial mérité, mais les dissensions internes finirent par avoir raison du groupe, qui était censé rester à jamais dans la catégorie namedrop (par Jimmy Eat World, Blink-182, et plus ou moins n'importe qui a un jour porté l'étiquette emocore).

Depuis, les quatre membres vivaient d'autres aventures, musicales ou non, jusqu'au jour où une idée de reformation éphémère vint à l'esprit de Matranga. Quelques dates anglaises ont été bookées, et le groupe s'amusa en studio avec une reprise du hit RnB graveleux de Ginuwine, Pony. Et c'est là que les prévisions dépassèrent toute espérance. Pony (présent ici en piste cachée) devint un hit majeur sur les radios rock US, le genre de hit qui a toujours manqué à Far. De fil en aiguille, au fur et à mesure d'e-mails echangés par Matranga et Lopez, une idée germa : et si le comeback était assorti d'un nouvel album, douze ans après Water and Solutions? Voici le résultat, At Night We Live.

Tant de choses ont changé depuis 1998. Le paysage musical, les moyens de communication, mais aussi les membres du groupe : Shaun Lopez est devenu un ingénieur du son/producteur reconnu, ce qui a toute son importance, tant la production de ANWL est remarquée. Mais la grande difficulté rencontrée par le groupe, c'était de faire un album qui avait un sens : un sens en 2010, mais aussi un sens par rapport au reste de la discographie de Far. Il fallait simplement faire un album de Far en 2010, la suite logique de W&S, mais douze ans après. Le résultat est étonnant, non sans faute, mais assez convaincant.

Convaincant, le premier extrait, Deafening, tente de l'être d'entrée de jeu : puissant, il est carrément un des morceaux les plus heavy de la carrière du groupe. Jonah Matranga montre que sa voix, toute en versatilité, s'est améliorée avec l'âge. C'est d'autant plus impressionnant quand on ne connaît que le Matranga des dernières années, celui des concerts solo assez folk et de l'album And. Ici, il reprend son rôle de frontman, crie, chante, hurle à volonté, et très justement. If You Cared Enough montre une autre facette du groupe, un côté un peu plus (argh) rock FM : Lopez avoua en interview avoir tenté de se la faire "Coldplay musclé". Sur papier, cela fait peur, mais sur disque, ça marche, même s'il ne faut pas être trop allergique au rock un poil plus commercial, avec des guitares lorgnant parfois vers l'abuseur irlandais de pédales de délai The Edge. Deux morceaux, deux faces d'un même groupe. Faces qui apparaitront tout au long de l'album, de l'hymne punk métatextuel Fight Song à l'assez emo Give Me A Reason, en passant par l'agressif Dear Enemy.

Mais At Night We Live, c'est aussi et surtout une atmosphère. On évoquait plus haut la seconde vie de Shaun Lopez en tant que producteur, et ce rôle est prépondérant ici. Ses guitares sont souvent truffées d'effets, la voix de Matranga est parfois modifiée, et la batterie de Chris Robyn est presque aussi sèche que *insérez votre métaphore préférée ici*. Là où Water and Solutions était très lo-fi et DIY, At Night We Live est son petit frère glossy et survitaminé. La production est souvent au service des morceaux, mais on ne peut s'empêcher de penser que Lopez aurait parfois du réfléchir à deux fois avant d'appuyer sur tous les boutons de son Pro-tools en même temps. When I Could See est un bon exemple, avec son passage final alternant moment très calme avec explosion sonore inouïe. Mais c'est Far 2010, pas 1998. Evolution, et tout ça.

Le morceau-titre est la pierre angulaire de l'album, un hommage poignant à Chi Cheng, bassiste des Deftones dans le coma depuis plus d'un an. Musicalement, le morceau rappelle le groupe de Cheng, tout en atmosphères menaçantes. Une franche réussite, même si, une fois de plus, il faut accepter les sentiments à fleur de peau de Matranga. Matranga qui voit repris sur l'album deux des ses vieux morceaux, l'intense Burns et le punky Are You Sure, en versions réarrangées et convaincantes. Enfin, l'album se termine sur l'étonnant The Ghost That Kept On Haunting, où une ligne de guitare inquiétante rencontre la volonté du narrateur d'accepter son passé et quelques séparations douloureuses. Rien à voir avec le reste de l'album, ni avec ce que Far a pu faire dans le passé, mais cela fonctionne à merveille.

At Night We Live est très intense, et est clairement le produit de deux fortes personnalités très différentes : Shaun Lopez, guitariste sous-estimé et maître de la table de mixage, et Jonah Matranga, songwriter old-school aux sentiments débordants. La tension est parfois à couper au couteau, et les cyniques pourraient se déchaîner quant au déferlement de sentiments qui submergent parfois l'auditeur, mais il faut tenir compte que le courant emocore, aussi pourri a-t-il pu devenir, provient notamment de Far, il y a de cela une quinzaine d'années. Far aura eu le bon goût de ne pas simplement sortir un bête album de comeback, qui ressemble au précédent, en moins bien parce qu'on est vieux. Non, Far a sorti un disque très varié, très personnel et qui sera accepté différemment par tout un chacun, selon ses propres sensibilités. Il faut l'écouter pour s'en faire une opinion avisée, en essayant le plus possible de mettre ses a priori en veilleuse : on n'a juste plus l'habitude d'écouter un album sincère. Far, c'est ça : un groupe sincère dont on se rendait pas compte à quel point il manquait au paysage rock contemporain. Même si le groupe se défend d'avoir un quelconque plan pour l'avenir, on ne peut qu'espérer qu'ils continuent, leur évolution (et la nôtre) est loin d'être terminée.

Blip.fm : If You Cared Enough, At Night We Live, Dear Enemy

Hole - Nobody's Daughter

2010-05-15T14:45:00.008+02:00

Dans le courant de l'année dernière, des morceaux inédits de Courtney Love se sont retrouvés sur internet. Il s'agissait d'une version quasi terminée de Nobody's Daughter, le second album solo de Courtney Love, sous forte influence Dylanienne. Les morceaux étaient étonnants, généralement simples et majoritairement acoustiques. Mais surtout, ils étaient bien meilleurs que ce que l'on aurait pu attendre. Malheureusement, Courtney, ou son label, ou son styliste, n'était pas content du tout que ces morceaux se soient retrouvés à l'air libre, et les a directement qualifiés de démos sans rapport avec la version finale de l'album. Une de ces deux affirmations est vraie. Ce n'était absolument pas des démos, mais la version commerciale de Nobody's Daughter est loin, bien de loin du niveau de ces morceaux.

De plus, pour une raison imbécile et commerciale, Love sort Nobody's Daughter sous le nom de Hole, qui fut son groupe des années 90. Pourquoi pas? Oui, sauf que Courtney est le seul membre de Hole qui reste dans le groupe : elle n'a carrément pas demandé l'avis d'Eric Erlandson, Patty Schemel, Samantha Maloney ou Melissa Auf der Maur, quelques un de ses anciens compagnons. Elle les a remplacé par des musiciens inconnus, et trouvé une nouvelle muse : Micko Larkin, 23 ans, anglais et guitariste de Larrikin Love (moi non plus).

Tout était donc réuni pour un bon gros album pourri, et une nouvelle preuve que les nineties, aussi chouettes furent-elles, gagneraient à ce qu'on leur foutent la paix. Et c'est vrai qu'une bonne part de Nobody's Daughter ne vaut pas grand chose. Nouvelle déception dès le début : le morceau-titre est totalement différent de la fuite, seul le nom reste. Comme premier morceau, il est très mal choisi : il se traîne, est trop long, trop produit (Michael Beinhorn, le Michael Bay de la production rock) et montre une Love déjà à bout de souffle, qui recherche doublement l'inspiration. Larkin a co-écrit le morceau, et est peut-être un gentil garçon, mais ne semble pas être spécialement talentueux. Il tente d'évoquer le Billy Corgan co-compositeur de Celebrity Skin pour le second morceau et premier single, Skinny Little Bitch, mais n'arrive qu'à pondre un riff assez ridicule. Mais pas autant que Love, dont les inflexions vocales sont franchement embarrassantes.

Pacific Coast Highway, une des meilleures fuites, relève largement le niveau, même si, il faut en convenir, ce n'était pas difficile. C'est aussi le premier morceau co-écrit par Billy Corgan, et même si, comme beaucoup de monde, je trouve que Corgan s'est méchamment paumé depuis, oh, dix ans, il est toujours capable d'écrire de très chouettes trucs. Même si, vu la genèse de cet album, ses compos doivent déjà avoir quelques années. Pacific Coast Highway est un peu le cousin moins séduisant de Malibu, et donne à Micko Larkin l'occasion de faire un solo de guitare. Il n'aurait pas du. Corgan co-écrit également Samantha, classique post-grunge perdu à tiroirs assez bien foutu, il faut le souligner.

Cela ne durera pas, car la seconde moitié de l'album appartient à Linda Perry. Linda Perry, ex-4 Non Blondes et responsable de quelques scies radio carrément offensives, comme le Beautiful de Christina Aguilera. Perry a commis Someone Else's Bed, probablement pour les radios "adultes" US, For Once In Your Live, où elle offre à Love la possibilité de chanter "look what I can do" avec la voix d'une vieille perverse qui relève sa jupe devant des gamins jouant au basket dans un parc jonché de capotes usagées et de seringues sanguinolentes, et, encore pire, Letter To God. Ben oui, Courtney prend de l'âge, s'interroge sur sa vie et donc, écrit à Dieu. "I never wanted to be the person you see, Can you tell me who I am", ou pire "I always wanted to die". Vu l'historique de la dame, elle aurait peut-être gagné à s'abstenir.

On se faisait tellement chier qu'on oubliait presque que Courtney pouvait encore faire un peu de rock, Loser Dust le rappelle. Mais devinez qui l'a écrit, Corgan ou Perry? Le dernier morceau de l'album est carrément co-écrit par Corgan ET Perry, il est donc facile de séparer les passages emmerdants des autres. Mais si on est arrivé à ce moment de l'album, on n'a plus vraiment grand chose à espérer, si ce n'est la fin. Pourtant, on a partiellement tort, car le morceau bonus (?) est carrément touché par la grâce : Never Go Hungry est le seul de l'album entièrement écrit par Love. Il est aussi le seul à ne pas être surjoué et surproduit : guitare acoustique et voix, c'est tout. Lorsque le morceau se conclut, on a retrouvé la Courtney Love de Doll Parts. Elle criait "I wanna be the girl with the most cake", maintenant c'est "I'll never go hungry again". Love était rageuse, puissante, énervée, exactement ce qu'elle est censée être, une force de la nature. Maintenant, elle ne l'est que très épisodiquement, préférant se ridiculiser sur scène et en dehors, écrire avec des compositeurs aussi rock 'n roll que Susan Boyle et secouer quelques cadavres qui ne demandent que le repos éternel.

A l'écoute des "démos" et de Never Go Hungry, il apparaît clairement que la direction Hole 2.0 de Nobody's Daughter était une grosse erreur. Love aurait du se replier sur elle-même et sortir la version originale de l'album, sans groupe minable et ballades FM. Mais elle ne pouvait/voulait probablement pas le faire. Il reste peut-être encore de l'espoir pour Courtney, qui reste une interprète et compositeur de talent (les accusations que Cobain aurait écrit Live Through This n'ont jamais été confirmées), mais on peut difficilement encore y croire.

Blip.fm : Samantha (Demo), Pacific Coast Highway, Nobody's Daughter (version originale)

Ash - A-Z Volume 1

2010-05-04T22:47:00.000+02:00

Ash a toujours été connu comme un "singles band", soit un groupe qui réussissait à chaque fois à sortir des singles imparables, sans tenir la distance sur album. Je ne suis pas certain que la réputation soit justifiée, mais à une époque où le format traditionnel de l'album est de plus en plus mis à mal, les Nord-Irlandais ont franchi le pas vers une campagne particulièrement originale et ambitieuse. Tous les quinze jours pendant un an, le groupe sort un nouveau morceau, en vinyl simple face et mp3. Il était possible de s'abonner au début du programme (en septembre), ou d'acheter les mp3 individuellement (les vinyls sont quasi tous sold out dès la sortie). De plus, les abonnés ont régulièrement droit à des morceaux bonus, au bon vouloir d'un groupe qui garde les pieds sur terre : le dernier morceau s'appelle Pirates Are So 2004.

On vient d'atteindre la moitié du programme, et Ash a bien réussi à faire parler de lui, remplissant des salles plus ou moins grandes et réinvestissant les ondes radio. Cependant, le format cd semble encore compter pour le groupe : A-Z Volume One compile ainsi les treize premiers singles, le morceau Return of White Rabbit qui avait lancé l'affaire ainsi que quatre bonus tracks, mais attention, pas les mêmes que celles des abonnés. Bref, si ce concept aura au moins montré quelque chose, c'est que Ash pouvait être prolifique, avec déjà une vingtaine de morceaux sortis.

Return of White Rabbit ouvre la compile, et le fait très bien : guitares angulaires, un peu d'électro, on croirait presque entendre Bloc Party. On ne s'étonnera donc pas de voir Russell Lissack renforcer le groupe à la seconde guitare lors de la tournée en cours. Un des reproches souvent faits à Ash, et à son compositeur/chanteur/guitariste Tim Wheeler, c'est qu'ils n'ont que deux types de morceaux : le punk-pop rapide et la ballade. Caricatural, mais pas spécialement faux : la grande majorité de ce qu'on trouve ici appartient à une des deux catégories, avec parfois l'une ou l'autre variante. True Love 1980 et son un clavier très (trop?) 80s et Tracers du coté ballade, The Dead Disciples (Muse vs Nirvana vs Star Wars), Ichiban ou le bonus The Creeps de l'autre.

Heureusement, Ash a parfois tenté de casser cette logique binaire : Pripyat est plutôt mid-tempo et raconte une touchante histoire de fin de civilisation, Space Shot est truffé d'effets spéciaux cheesy mais fun et Command met la basse de Mark Hamilton en évidence, un changement bienvenu. Il reste que bizarrement, la fin de la compile (avant les morceaux bonus) traîne en longueur : est-ce que la pression de fournir un single toutes les deux semaines a poussé les Nord-Irlandais à sortir un peu n'importe quoi, juste parce qu'ils le devaient? On peut déjà le savoir en écoutant la suite des singles, sur leur site officiel : ils sont tous disponibles à l'écoute au fur et à mesure.

On peut évidemment s'interroger sur le bien fondé d'une telle compilation : accoler des morceaux les uns aux autres et les vendre sur un même disque, ça ressemble quand même à un album, qui était la chose à éviter pour Ash. Soit, on ne s'embarrassera pas trop de sémantique : même si A-Z Volume One est d'un niveau inégal, ses bons moments prouvent que ses auteurs font effectivement partie de la grande tradition anglaise des groupes à singles, aussi peu variés soient-ils. On peut toutefois se demander si ces morceaux auraient vraiment pu tous être des extraits à succès d'un album : des singles populaires plutôt que décidés par le groupe. On se revoit dans six mois pour la suite et fin de l'entreprise.

Blip.fm : Pripyat, Space Shot, Return of White Rabbit

Deftones - Diamond Eyes

2010-05-01T22:11:00.004+02:00

Quatre ans entre deux albums, c'est une éternité pour certains (en quatre ans, Arctic Monkeys sort trois albums), ou rien grand chose pour d'autres (Tool, évidemment). Dans le cas des Deftones, c'est le délai le plus long jamais enregistré entre deux albums, mais pour une raison hélas assez bonne. Saturday Night Wrist est sorti fin 2006, sous d'excellentes critiques qui louaient en groupe en danger, qui avait profité des difficultés pour se sublimer. Le groupe travaillait sur son nouvel album, l'agressif Eros, quand un accident de voiture envoya le bassiste Chi Cheng dans un coma duquel il n'est toujours pas sorti. Après réflexion, Deftones a décidé de ne pas sortir Eros tant que Chi était absent, et d'écrire un nouvel album reflétant leur état d'esprit. C'est dans ce contexte très particulier qu'il faut placer Diamond Eyes, album d'une nouvelle énergie, d'une nouvelle force de vie... et meilleur Deftones en dix ans.

Aussi cliché que cela puisse paraître, Diamond Eyes est vraiment le son d'un groupe qui s'est retrouvé. Chi est donc absent, remplacé par Sergio Vega (ex-Quicksand), mais ce n'est pas la seule différence visible : le chanteur Chino Moreno a subi une modification physique assez impressionnante, perdant ses (nombreux) kilos en trop pour retrouver une forme proche des débuts, mais aussi une voix : Chino n'a simplement jamais chanté aussi bien. Même s'il était facile de les catégoriser dans le mouvement nu-metal, les 'Tones ont toujours eu quelque chose en plus, et Chino incarne en grand partie ce quelque chose. Personnalité attachante et émotive, fan de Cure et des Smiths, il semblait assez loin des considérations gothico-cocasses de Jonathan Davis ou du rap macho stupide de Fred Durst. Chino approche la dualité de la musique de son groupe à la perfection : ses cris sont toujours perçants et puissants (Royal, Rocket Skates), mais ils sont généralement entrecoupés de passages mélodiques qui voient parfois Chino crooner. Souvent, les deux facettes du personnage se suivent dans une même respiration, rappelant avec plaisir White Pony, pour moi, un de mes albums préférés de tous les temps. Le morceau-titre et introduction de l'album donne le ton, avec des guitares crunchy et un refrain hypermélodique. Le duo Royal/CMND-CTRL est aussi agressif que possible, le guitariste Stephen Carpenter semblant jouer avec des lames de rasoir, mais Chino chante et hurle comme bon lui semble, emmenant deux morceaux apparemment simples vers des niveaux étonnants d'émotion.

On pouvait se douter que l'album posséderait une charge émotionnelle forte, mais rien ne fait directement allusion à la condition de Chi. Cependant, chaque morceau est à fleur de peau, surtout à partir de Beauty School, où la voix de Chino arrive à un niveau littéralement jamais atteint, sur un riff de guitare hypnotique et lancinant. Une des meilleures choses jamais réussies par le groupe, qui place Diamond Eyes dans la catégorie chef d'oeuvre sans hésitation. La suite ne fera que confirmer, que ce soit le mouvementé Prince (où Sergio Vega montre qu'il n'est pas juste un remplaçant), l'agressif et répétitif Rocket Skates ou l'extraordinaire final. Parce que comme White Pony, Diamond Eyes est un album qui s'écoute du début à la fin sans une seconde d'ennui. Il est peut-être l'album le plus "calme" du groupe, il est aussi le plus maîtrisé : outre Beauty School, Sextape et Risk ("I will save your life") atteignent des niveaux inouïs de beauté pure tandis que This Place Is Death conclut magistralement un album passionnant, qui prend aux tripes, qui tire sur la corde de l'émotion sans jamais verser dans l'emo.

Passionnant, parce que Deftones n'a jamais essayé de faire du bruit, de faire un truc du genre "c'est pas juste, notre bassiste n'a rien demandé et il est dans le coma le monde c'est de la merdeAAAARGHHH" alors qu'ils auraient facilement pu le faire, et tout le monde aurait trouvé ça normal. Au contraire, la seconde partie de l'album serait très confuse pour l'auditeur qui se serait arrêté à Around The Fur : pas specialement de passage mosh-friendly, mais beaucoup de sentiments et d'émotion. Chino Moreno, et tout le groupe se place vraiment à part dans le paysage musical contemporain. Un des meilleures groupes metal de l'histoire vient encore de sortir un album extraordinaire. Maintenant, il faut juste attendre que Chi se porte mieux pour enfin entendre Eros, et encore beaucoup, beaucoup d'autres albums : les Deftones sont incapables d'autre chose que l'excellence.

Blip.fm : Royal, Sextape, Prince

Melissa Auf der Maur - Out of Our Minds

2010-04-25T09:22:00.012+02:00

Certaines coïncidences sont parfois si étonnantes qu'on ne saurait les inventer. Melissa Auf der Maur, on la connaît surtout comme ex-bassiste de Hole, et brièvement des Smashing Pumpkins. Son premier album était sorti en même temps que celui de Courtney Love (chanteuse de Hole, quand même) et six ans après, devinez quoi? Rebelote, en encore plus étrange. Courtney Love a décidé de reprendre le nom de son ancien groupe (Hole, donc) pour sortir son nouvel album, Nobody's Daughter, prévu de longue date. Mais elle s'est entourée de nouveaux musiciens, ne reprenant aucun autre membre de "Hole" qu'elle-même. Quant à Melissa, surprise par la décision de Love, elle était aux prises depuis 2004 avec quelques problèmes légaux, venant du fait qu'elle a décidé de s'occuper intégralement de son second album, qu'elle voulait ambitieux.

Pour la seconde fois, Love et Auf der Maur sortent un album en même temps, et pour la seconde fois, la rousse bassiste sort très (mais alors, très) facilement gagnante de la confrontation. On reparlera prochainement du gâchis de CO² qu'est Nobody's Daughter, car maintenant, on va s'intéresser à Out of Our Minds, ou OOOM en plus court. Ambitieux, il l'est effectivement : OOOM est un album, mais aussi un comic book et un moyen métrage réalisé par Tony Scott. Melissa a créé une histoire fort complexe, mêlant rites païens, ésotérisme et mythologie viking, tout en tentant de rester accessible : même si l'expérience est censée être multimédia, l'album peut s'écouter individuellement du reste. On se référera au site officiel pour plus de détails.

OOOM commence par un instrumental qui remplit exactement son rôle : la tension monte au fur et à mesure que la basse d'Auf der Maur prend de l'ampleur, et s'arrête juste au moment où le riff très altrock 90s du morceau-titre commence. Même si six ans se sont écoulés, on reste en terrain connu mais, on remarquera toutefois une plus grande attention au détail, aux différentes ambiances. Out of Our Minds donne le ton de l'histoire : il faut voyager hors de l'esprit et dans nos coeurs. On va essayer. Isis Speaks introduit une caractéristique de l'album : fidèle à sa volonté de raconter une histoire, Melissa parle avec la voix de plusieurs personnages, et modifie donc parfois la sienne. Un peu déroutant, mais on s'y fait, surtout avec un morceau si bien écrit. Elle utilisera le procédé à plusieurs reprises tout au long de l'album, notamment sur l'excellent Follow The Map, même si six ans ne parviennent pas à faire oublier que le riff est assez similaire à celui de Beast of Honor, extrait du premier album.

OOOM est aussi assez varié, même si on reste dans un univers facilement reconnaissable. Là où le premier album portait fortement la marque des invités/compositeurs (notamment Josh Homme), celui-ci est plus intime, plus personnel, peut-être aussi moins passe-partout. Auf der Maur place un second instrumental en quatrième piste et un troisième (fort étrange) un peu plus loin, n'hésite pas à varier les tempi à l'intérieur même de certains morceaux (22 Below, de ballade soft à truc lourd à la Sabbath) ni à écrire des refrains limite trop catchy (Meet Me on the Darkside). Le moment le plus étrange de l'album est un duo avec Glenn Danzig : les deux voix se marient très bien, mais malheureusement, le morceau un peu faible n'atteint jamais la transcendence de son équivalent du premier album, l'exquis Taste You avec Mark Lanegan. Après cette petite période de flottement, l'album se finit très bien, avec l'excellent The Key, qui bénéficie du talent du meilleur batteur à louer du rock contemporain (Josh Freese) et le morceau bonus Mother's Red Box, sans doute trop agressif/QOTSA pour être inclus sur l'album lui-même.

L'impression est mitigée, mais positive. Par rapport au premier album, les morceaux sont sans doute moins immédiats, moins mémorables. Mais il faut tenir en compte qu'il s'agissait plus d'une collection de morceaux souvent co-écrits qu'un album solo cohérent, ce qu'est largement Out of Our Minds. La production est aussi différente, passant de l'altergrunge dépassé à une prod plus léchée, plus précise et nettement plus fouillée. De plus, Out of Our Minds mériterait certainement d'être écouté en contexte avec les autres composantes du projet, ce qui n'a pas été le cas ici. On pourrait donc dire qu'il représente le vrai premier album de Melissa Auf der Maur, et pour cela, on espère qu'il ne faudra plus six ans pour entendre la suite. De toute façon, Courtney Love n'a jamais eu le niveau.

Blip.fm : Meet Me On The Darkside, Out Of Our Minds, Isis Speaks

Black Rebel Motorcycle Club - Beat The Devil's Tattoo

2010-03-21T22:16:00.002+01:00

Dans la catégorie "où sont-ils maintenant", voici Black Rebel Motorcycle Club. Il fut un temps, ils étaient considérés comme les sauveurs du rock, à côté d'artistes aux fortunes divers, comme les Strokes, White Stripes, Vines et Datsuns. BRMC avait autant de point commun avec les autres que Nirvana avec Pearl Jam, alliant des influences americana profonde à une recherche anthémique gallagherienne. Mais eux n'ont jamais cherché la facilité, avec ces dernières années un album alt-country et un autre, instrumental et étrange.

Avec un Beat The Devil's Tattoo au titre presque aussi cliché que leur nom de groupe, les faux bikers mélangent (un peu) leur formule pour en faire ce qui peut être leur meilleur et leur pire album. Meilleur, parce que des morceaux comme Conscience Killer leur montre dans leur meilleur jour post-Stooges, tandis que le morceau-titre rappelle leurs racines bluesy. Pire, parce que finalement, rien n'est bien nouveau, et la seconde moitié de l'album a méchamment tendance à se traîner, rappelant un peu trop souvent quelques fantômes.

BTDT est donc une sorte de synthèse de BRMC (vivent les acronymes), et donc parfois de rappel aux jours de gloire passés : je parlais de l'influence d'Oasis et du gros rock à hymnes, Bad Blood remplit la case, voix traînante comprise. War Machine lorgne plutôt vers le shoegaze, tout comme le My Bloody Valentine light Evol. C'est d'ailleurs le moment de parler de leur nouveau cogneur de fûts, ou plutôt cogneuse. Leah Shapiro remplace l'erratique Nick Jago, et force est de constater que le changement était non seulement nécessaire mais aussi judicieux. Elle n'évolue pas toujours dans un registre ultra-subtil, mais comme force de propulsion, elle est vraiment ce dont le groupe avait besoin. La manière dont elle emmène Mama Taught Me Better me rappelle même le batteur de Them Crooked Vultures. Lui.

Malheureusement, quelques lenteurs, répétitions et longueurs finissent par peser sur l'album, surtout sa seconde moitié. Le groupe a eu l'intelligence de caler un excellent morceau, Shadow's Keeper, histoire de relever le rythme, mais il est probable que l'album aurait été plus percutant avec deux ou trois morceaux de moins. Ceux qui sont indifférents à Black Rebel Motorcycle Club le resteront, ceux qui n'aiment pas aimeront encore moins. Cependant, le groupe semble être rentré dans une phase apaisée, d'auto-évaluation, et se sont mis à faire ce qu'ils font de mieux. Entre un album expérimental courageux mais inécoutable et un bonne heure de rock 'n roll, le choix devrait être facile, le mien est fait.

Blip.fm : Evol, Conscience Killer, Shadow's Keeper

The Black Box Revelation - Silver Threats

2010-03-07T17:58:00.005+01:00

Les duos, dans le rock, c'est rare quand ça passe. Mais quand c'est le cas, l'essence même du rock ressort de la simplicité organique qu'est l'association naturelle et spartiate de la guitare et de la batterie (White Stripes) ou de le basse et de la batterie (les fabuleusement éphémères Death From Above 1979). Il ne faut pas hésiter à ranger le duo de Dilbeek (Belgique néerlandophone) auprès de ces grands noms. Oh, ils n'ont évidemment pas réinventé le rock 'n roll, mais réussir à filtrer 70 ans d'histoire par une pédale fuzz, ce n'est pas toujours évident.

Silver Threats est rock 'n roll. Bordélique, intense, garage tout en restant accessible, il prouve qu'il est encore possible de sortir du rock décent en Belgique sans devoir nécessairement singer tout ce qui se passe ailleurs. Ce qui ne veut pas dire que BBR n'a pas d'influences : le style limité par essence rappellera souvent les White Stripes, mais aussi les usual suspects du genre, de Led Zeppelin, Sabbath, etc etc, le tout servi par une voix-cocktail 1/3 Mick Jagger, 1/3 Liam Gallagher et 1/3 Disto. Conscients de la limitation des instruments choisis, le duo use et abuse des effets sonores. Mais attention : pas de vulgaire protoolisation de sons étranges ici, tout est probablement jouable en utilisant pédales d'effets pourries trouvées d'occase çà et là (enfin, c'est le fantasme du rédacteur, en tout cas).

C'est en tout cas assez étonnant d'entendre ce genre de sons en 2010 et venant de Belgique : même si la Flandre a toujours eu un siècle d'avance sur la Wallonie en matière de compétences rocknrolliennes, il fallait quand même sortir un pastiche garage 60s parfait comme 5 O'Clock Turn Back The Time. Tout cela peut sembler aisé, mais il faut un réel talent pour sortir tout cela sans sembler dérivatif ou ridicule : les deux BBR en ont, du talent, c'est indéniable et confirmé par ceux qui ont eu l'occasion de voir le duo enflammer des salles de plus en plus grandes. Brûlots punkish (You Better Get In Touch With The Devil), Zeppelinneries éminement préférables au chat égorgé de Wolfmother (Do I Know You), solos de guitares tellement garage qu'ils feraient passer Jack White pour Eddie Van Halen, il n'y a pas grand chose à ne pas apprécier dans cet album, si l'on est un minimum récéptif au côté obscur de la distortion. Surtout que contrairement à ce qu'on pourrait croire de prime abord, on peut faire pas mal de sons différents avec une guitare, une batterie et une prise électrique. Et tenir un morceau de neuf minutes sans être emmerdant une seule seconde.

Naturellement, il ne faut pas attendre trop de variété : quand le groupe lève le pied (de la pédale d'overdrive, évidemment), ils sont moins percutants et convaincants, comme le mid-tempo assez superflu Sleep While Moving. Enfin, la voix marquée et maniérée ne plaira pas à tout le monde, surtout qu'elle est assez mise en avant (forcément, ils ont la place pour le faire). Cependant, l'acoustique Our Town Has Changed For Years Now est suffisamment groovy pour être apprécié, et comporte même une bonne dose de critique socio-politique en adéquation avec les influences dylanesques du morceau. Mais quand on écoute un morceau aussi bien foutu que Love Licks, on se fiche pas mal de l'époque, des influences, ou de quoi que ce soit d'autre. On est juste bien, en phase avec une musique organique et viscérale. On ne devrait avoir besoin de rien d'autre qu'un "Hell yeah, here comes my girl".

Blip.fm : High on a Wire

Massive Attack - Heligoland

2010-02-25T14:27:00.000+01:00

Parfois, certaines choses m'échappent (enfin, souvent, mais c'est un autre débat). Sept ans depuis le dernier Massive Attack? Oui, après vérification, 100 Windows est effectivement sorti en 2003. Depuis, le groupe n'est pas resté inactif, il s'est retrouvé en tournée, a réalisé la BO de Danny the Dog est s'est retrouvé compilé sur Collected. Mais on peut quand même se poser une question légitime : comment, en sept ans, un groupe peut si peu changer? Parce que le Massive Attack version 2010 n'est pas trop différent du 2003, et pour tout dire, il n'est même pas différent du 1998. Pourtant, la composition même du groupe a changé : en 1998, ils étaient encore trois (3D, Mushroom et Daddy G), cinq ans plus tard, ce dernier prit congé pour honorer son pseudo, et maintenant, Massive Attack est donc un duo.

Même atmosphères pesantes, basses lourdes, ambiance de pluie londonienne et d'apocalypse façon The Road, et tant qu'à faire, les guests se répètent aussi : Horace Andy, évidemment, mais aussi Martina Topley-Bird, l'ex-muse de Tricky, Hope Sandoval (dont la carrière doit se résumer à attendre un coup de fil de Massive ou des Chemical Brothers) et le roi Midas de la pop anglais, Damon Albarn. Au moins, on ne pourra pas leur reprocher de surfer sur une zeitgeist aussi futile que peu talentueuse. Mais on pourrait être aussi critique que possible, quant au faible renouvellement du duo amélioré de Bristol, force est de constater que ça marche.

Heligoland commence et finit très fort : Pray The Rain allie piano et batterie menaçante à la voix d'un nouveau dans la galaxie Massive, le TV on the Radio Tunde Adebimpe. Des touches electro, un fond de guitare en feedback, des percussions tribales en crescendo, on secoue le tout et on relance la sauce 2 minutes après. Répétitif, peut-être, efficace, sans doute, étouffant, certainement. Le son de Massive Attack, tout en restant reconnaissable entre mille, semble un peu plus organique, cette fois. Basse, claviers (parfois joués par Damon Albarn), guitares, tout cela semble assez naturel, et pas trop manipulé. Reste qu'après un début d'album prometteur, on arrive vite en territoire conquis et convenu : Martina Topley-Bird traîne son ennui dans Babel et Psyche, Horace Andy fait sonner Girl I Love You comme Angel mais en quand même moins bien (les trompettes de l'apocalypse sont sympas) et l'invité surprise à la voix bourbonneuse Guy Garvey (Elbow) n'arrive pas à sortir Flat of the Blade d'une certaine platitude.

Heureusement, ces vieux briscards de studio savent comment conclure un album. Etrangement, deux des trois derniers morceaux ne sont pas chantés par des invités, mais par 3D et Daddy G. Ils sont convaincants, à un point tel qu'on pourrait espérer que le groupe se décide à larguer ce petit monde et à vraiment faire un album à eux deux : leurs voix, bien qu'imparfaites, se collent d'autant mieux aux atmosphères qu'ils ont eux-même créé. Rush Minute, assez agressif, et Atlas Air, (encore) plus sombre relèvent le niveau d'un album qui atteint son paroxysme avec le morceau qui se trouve entre les deux, Saturday Come Slow. Ce dernier porte la marque de Damon Albarn, dont la présence rappelle immanquablement les touches le plus expérimentales de la carrière de Blur, notamment le fabuleux album 13.

Même si cette chronique peut sembler sévère, Heligoland est un bon album. Personne ne fait du Massive Attack comme Massive Attack, et c'est sans doute autant une qualité qu'un défaut. Parfois, on peut avoir l'impression que le duo est bloqué fin des années 90, avec le même son menaçant, et carrément les mêmes vocalistes. D'un autre côté, pourquoi changer une formule qui fonctionne, et qui fonctionne d'ailleurs nettement mieux que sur 100th Window. On conservera donc une impression mitigée, mais qui ne changera ni la qualité intrinsèque de l'album, ni le statut de Massive Attack, groupe majeur des années... 90.

Down To Earth - Prisms

2010-02-20T17:33:00.002+01:00

Lil Wayne - Rebirth

2010-01-25T21:03:00.003+01:00

Bon... On va dire, et on n'aurait pas tort, que je ne parle pas beaucoup de rap/hip-hop sur Music Box. C'est vrai. La raison principale est simple : c'est juste un manque d'intérêt. Attention : je ne veux absolument pas porter un jugement de valeur, mais le fait est que le hip-hop ne m'a jamais beaucoup intéressé, et que là, maintenant, encore moins. Ce qui ne m'empêche pas d'écouter parfois quelques un de mes artistes du genre préférés (OutKast, Wu-Tang Clan, Cypress Hill, The Roots, POS, ...), mais j'ai beaucoup de mal à m'accrocher au hip-hop actuel, et cette putain de merde (pardon) de mode d'autotune n'est pas là pour aider non plus.

Tout ça pour dire que la carrière de Lil Wayne, je la connais mal. Pour tout dire, je la connais autant que ma voisine connaît celle de Pete Doherty, à savoir, uniquement ce qu'on peut en lire à droite et à gauche, forcément négativement déformé. Lil Wayne s'est, comme environ 370 de ses collègues, autoproclamé meilleur rappeur vivant, et d'après ce que j'ai lu, il a effectivement sorti quelques (futurs) classiques. Mais c'est sa connexion avec le milieu du rock qui m'intéresse ici. Lil Wayne, en businessman averti (son label, Young Money, a fait de lui un multimillionnaire), a bien remarqué que les albums se vendent moins, et que les artistes doivent maintenant gagner plus d'argent sur la route. Or, le rap en live, ce n'est pas aussi populaire, évidemment : rares sont les vrais groupes capables de tenir le coup et d'impressionner sur scène. Sans compter que généralement, pour faire un concert, il ne faut pas être tout le temps derrière les barreaux. Donc, Wayne, qui va justement passer une année en taule pour possession d'arme à feu, s'est mis au rock avec cet album, Rebirth, dont la date de sortie avait été reportée maintes fois jusqu'à ce qu'Amazon envoie "par erreur" des copies à 500 clients. Il a donc bien fallu sortir officiellement l'affaire (avec deux bonus tracks quand même), vu que le mal était fait. Et quel mal.

Rebirth est juste totalement extraordinaire. C'est tout simplement une des plus mauvaises idées de tous les temps, à rapprocher du trip RnB de Chris Cornell. Mais au moins, Cornell sait (encore) chanter. On commence par la pochette, qui montre Wayne mollement allongé sur un canapé, probablement mort pété (l'homme est notamment accro aux sirops pour la toux, ceux avec plein de codeïne dedans), guitare sur les genoux, Converse aux pieds. On a du lui dire que ça faisait rock 'n roll. Dire qu'à ce moment, on n'a pas encore écouté la moindre note...

La première note, justement, semble tout droit sortie d'un vieux Van Halen. Ouaip. Et puis, comme on dit in english, the shit hits the fan. Wayne, excellent rappeur, donc, chante quasi tout le long de l'album, comme Kanye West sur 808s & Heartbreak. Et comme l'autre cinglé égomaniaque, ses voix sont totalement enfouies sous un autotune réglé sur 11. Les conséquences sont dramatiques, mais comme un carambolage en pleine autoroute, difficile de ne pas regarder. Wayne est sûr de son coup, tellement sûr que juste avant un bridge affreux, il annonce : "bridge". Si. Et après ça, il nous sort un solo de guitare tellement inepte qu'on peut facilement le croire quand il dit qu'il a joué lui-même.

L'album est quand même relativement varié : parfois, ce sont des guitares assez funky à la NERD, parfois on joue dans le plus heavy (Prom Queen). On n'oublie évidemment pas la power ballad à l'intro soft Metallica, le truc à la Strokes (Knockout) ou, le meilleur pour la fin, le trip nu-metal Papa Roach The Price Is Wrong. C'est vraiment très mauvais, et on ne s'étonnera pas du tout que les meilleurs morceaux sont ceux où Wayne rappe, et reste un peu plus éloigné des trucs à six cordes qui lui veulent du mal. Même si les clichés à deux balles prédominent, avec des paroles qui parlent de fric, de sous-vêtements ou d'un président noir, le tout avec évidemment des refrains chantés par la pétasse de service (ça, ça n'a pas changé de l'époque où j'écoutais du hip-hop plus souvent). On a même un cameo peu inspiré d'un autre plus grand rappeur de tous le temps, et que tout le monde a plus ou moins oublié, Eminem.

Désolé pour ceux qui croient que je n'écris cette chronique que pour me foutre de la tronche de Wayne (qui n'a pas besoin de moi pour ça, je n'ai rien à dire sur un mec qui a FEAR GOD tatoué sur ses paupières), ou pour dénigrer le hip-hop en général, ce n'est pas le cas. Mais cette plaque est un attentat contre la musique enregistrée, et pour cela, il fallait en parler.

Vampire Weekend - Contra

2010-01-17T09:44:00.004+01:00

Début 2008, Vampire Weekend sort son premier album, et secoue le petit monde du Pitchforkrock avec un ovni aux influences originales, ou en tout cas peu revendiquées. Malgré une sortie fort tôt dans l'année, l'album arrive sans peine à se hisser au sommet des listes de fin d'année, et c'est donc finalement sans trop de surprise que le quatuor new-yorkais nous envoie la suite de son oeuvre, après deux ans quasi jour pour jour.

On le sait, il n'existe pas trente-six manières de suivre un premier album, a fortiori quand il fut remarquable et remarqué. On peut faire comme le premier, mais forcément en moins bien : les exemples abondent, mais on cite souvent les Strokes comme cas d'école, même si Room On Fire n'est pas mauvais du tout. On peut aussi tenter de se réinventer, comme le Primary Colours des Horrors. Mais les groupes intelligents essaieront de tout avoir en même temps : renouveler leur son tout en gardant ce qui a fait le succès du début, leur identité. Arctic Monkeys l'aura fait (deux fois!) et Vampire Weekend est à ajouter à la liste. Car Contra, c'est ça : clairement le second album de Vampire Weekend, le seul groupe estival à sortir ses albums en janvier mais avec pas mal d'évolution sonore, notamment grâce à deux techniques souvent utilisées pour un second album, l'importance accrue de l'électronique et un ton plus posé, plus subtil.

Rostam Batmanglij, le producteur/guitariste/claviériste est la tête pensante du groupe, et c'est sous son influence que Vampire Weekend a remplacé pas mal de ses percussions organiques par des beats electro qui font tout de suite penser aux expériences de Radiohead sur Kid A. Assez froides, ces rythmes contrastent avec l'ambiance généralement estivale et optimiste qu'on associe avec le groupe, mais étonnamment, le mélange prend : Horchata, morceau d'entrée d'album, donne tout de suite le ton. La boîte à rythme ne remplace pas le métronomique Chris Thomson, mais le complète, et le fait assez bien, surtout que la mélodie au marimba est irrésistible.

De même, l'album est nettement moins immédiat que le premier, et aussi plus varié. Holiday et Cousins sont aussi rapides que n'importe quel ancien morceau, mais c'est plutôt le calme et l'atmosphère qui prédomine ici. Comme s'il ne fallait pas détourner l'attention du soin porté à la fabrication des morceaux, nettement plus subtils et produits qu'auparavant. Il faut en effet plusieurs écoutes pour percevoir des nuances qu'on aurait difficilement pu associer avec le Vampire Weekend première période. On a encore des cordes, mais elles sont juste un élément de plus dans la construction de California English, morceau basé sur les textes érudits (parfois à l'excès) d'Ezra Koenig et qui se permet même un passage à l'autotune. Mais on ne cherche pas à faire du bruit, on expose, on pousse l'auditeur à écouter soigneusement. Taxi Cab est un parfait exemple, avec une basse menaçante, un beat répétitif et différentes couches mélodiques qui se suivent et se superposent, le tout saupoudré par la voix de Koenig qui sonne plus Lou Reed que Paul Simon. Juste après, Run se la joue très synthétique, sans être impersonnel.

Pourtant, le groupe aime continuer à surprendre : aux deux tiers de l'album sont nichés les deux morceaux les plus évidents, le remuant Cousins et Giving Up The Gun, qui pourrait être le morceau qui leur ouvrira les portes du succès commercial, grâce à une production claire et une ambiance générale assez Strokes, sans la voix murmurée. Après cela, VW prend forcément la tangente, avec les six minutes de Diplomat's Son qui pourrait, quant à lui, être leur meilleur morceau, notamment grâce à la succession parfaite d'un break 8-bit suivi du même, mais exécuté au piano, le tout sous un sample hypnotique de MIA et une prestation vocale élastique. Enfin, le synthétique I Think Ur a Contra clôture calmement un album vraiment intrigant, avec une métaphore assez folle (l'opposition Sandinistes/Contras comme symbole d'une relation amoureuse tumultueuse).

Je n'étais pas conquis du tout après la première écoute, mais j'avais sans doute tort. Vampire Weekend, pour moi, était un groupe immédiat, à consommer immédiatement en cas de déprime, le temps d'esquisser un large sourire. Mais non, Vampire Weekend vaut plus, et mieux que ça. Contra est un album qui réussit quelque chose de très rare : il élargit tellement le son du groupe qu'il empêche toute comparaison avec leur début. Il n'est donc pas meilleur ou moins bon, mais par contre, le groupe, lui, est nettement meilleur qu'en 2008. Et réussira encore à se rappeler à notre souvenir dans onze mois. Impressionnant, une fois de plus.

Rammstein - Liebe Ist Für Alle Da

2009-12-31T22:00:00.003+01:00

On avait laissé Rammstein en relative mauvaise posture, proche de la séparation suite au peu spectaculaire Rosenrot (2005). C'est donc un Rammstein apparemment gonflé à bloc qui sort son sixième album, Liebe Ist Für Alle Da. Malheureusement, Rammstein est devenu un cirque. Juste un spectacle, un truc qu'on va voir pour pouvoir raconter qu'on l'a vu, un peu comme les larmes de Mylène Farmer ou l'ego de Bono. Rammstein avait donc besoin d'un nouvel album pour repartir (littéralement) enflamme salles et festivals du monde entier. On aurait juste espéré un peu plus d'effort.

Liebe Ist Für Alle Da est juste un album de Rammstein de plus, qui démontre hélas que les excellents trois premiers albums ne seront plus égalés. On a, comme toujours, les morceaux hard classiques (Rammleid, qui reprend des motifs éculés) ou encore Waidmanns Heil et les morceaux à forte influence Depeche Mode, comme Haifisch ou Pussy, dont je ne suis même plus trop certain du second degré, vu la caractère navrant de l'album. D'un cas comme dans l'autre, c'est du déjà vu, et les trompettes, cordes cinématographiques et autres effets sont simplement répétés d'anciennes occurrences.

Oh, on a quelques plans sympas, comme la rythmique de B******** (oui, ok, ça sonne comme un vieux Korn, mais les gens ont déjà oublié) ou les Edith Piafferies de Fruhling in Paris, mais on peut comprendre pourquoi Rammstein n'avait pas de meilleure idée qu'une vidéo classée X pour lancer le buzz : il n'y a rien grand chose de bien intéressant à entendre.

Vraiment dommage, car avant de sombrer dans le grand-guignol, Rammstein était un groupe tout à fait décent, avec innovations et talent. Maintenant, c'est juste feux d'artifice et faux pénis. Werchter 2010 va adorer.

Julian Casablancas - Phrazes for the Young

2009-12-31T21:50:00.004+01:00

2001. Is This It. Un groupe de bourges new-yorkais, très faciles à détester mais aussi terriblement talentueux ont secoué le rock alternatif avec un album simplement parfait. Julian Casablancas, le chanteur/compositeur avait 24 ans à l'époque, et donnait l'impression d'être le maître du monde tout en n'ayant totalement rien à foutre. Une vraie rock star. Flashforward huit ans après. Les Strokes n'ont jamais réussi à confirmer, suite à deux albums décents mais sans grand génie, et un hiatus qui se prolonge depuis 2006. Depuis, presque tous les membres du groupes sont partis créer des projets parallèles, et c'est maintenant au tour de Casablancas de sortir son album.

Disons-le directement, ce n'est pas avec cela que Casablancas va remonter dans notre estime. Phrazes for the Young ne ressemble pas à grand chose, sorte de collection de morceaux pas assez bons pour aller ailleurs, et surtout vraiment mal chantés. Sa voix n'a jamais été son point fort, mais il arrivait facilement à l'utiliser à bon escient, ici, on a pitié pour lui. Un des meilleurs morceaux (musicalement) de l'album, River of Brakelights est tellement mal chanté qu'on se demande vraiment comment c'est possible d'avoir laissé passer ça. Pour le reste, l'album est assez varié, du Strokes-mais-pas-trop Out of the Blue, premier et meilleur morceau à quelques ballades synthétiquement chiantes, en passant par le très (très) new wave 11th Dimension. Mais le mauvais côté de la new wave, celui vachement vulgaire, avec lignes de synthés dignes d'être jouées au pied des pyramides de Gizeh. Le Tourist final tente de remonter le niveau avec une guitare flamenco, mais une bête boîte à rythmes fiche tout en l'air, et encore, c'est avant que le synthé ne s'allume.

L'album ne comporte que huit morceaux, mais ils se traînent d'une manière insupportable, à l'image de la voix d'un Casablancas qui a vraiment, vraiment raté son coup. On avait tant d'espoirs...

Nirvana - Live At Reading

2009-12-31T14:48:00.004+01:00

Des concerts légendaires, il y en a eu quelques uns, des albums live aussi. La prestation de Nirvana au festival anglais de Reading, en 1992 peut maintenant prétendre à ces deux catégories. À ce moment, Nirvana était en pleine préparation d'In Utero, et la tournée européenne qui les emmena en Angleterre fut moins mouvementée que celle de l'année suivante, qui se termina par une overdose de Cobain à Rome. Résultat, ce concert, bootleggé à maintes reprises mais donc seulement officiellement sorti cette année, reprend l'intégralité de Nevermind (sauf Something In The Way), des extraits de Bleach et Incesticide, deux reprises (les classiques protogrunge The Money Will Roll Right In de Fang et D7 des Wipers) et des futurs morceaux d'In Utero, notamment Tourette's et All Apologies. Le setlist est donc totalement irréprochable, débutant avec Breed et étalant classique sur classique, des morceaux qui ont gardé, presque vingt ans après, toute leur puissance et pertinence. On peut d'ailleurs remarquer le relatif manque de cohérence du setlist, qui alterne sans s'en soucier morceaux assez hard et d'autres plutôt lents, parfois en 5 minutes (About a Girl - Tourette's - Polly). De même, Smells Like Teen Spirit est juste balancé en plein milieu, sans être mis en avant pour un sou.

Musicalement, on n'est pas censé s'attendre à ce que le groupe soit techniquement parfait, c'est bien une pure énergie punk qui les animait. Alors, oui, Cobain rate quelques notes, mais si quelqu'un retient cela de l'écoute de l'album, je le plains de toutes mes forces. Il en profite pour lancer quelques antisolos fantastiques ; même s'il est bon ton de critiquer Nirvana pour 36 raisons, c'est en fait futile et totalement stupide, Cobain était un génie, et comme tous les génies, il a effectivement volé quelques trucs à ses prédecesseurs ("Talent borrows, genius steals", disait Oscar Wilde). Novoselic et Grohl tiennent la baraque avec une section rythmique surpuissante et précise. Novoselic n'est plus vraiment actif dans le milieu musical (il est animateur social et politicien à Seattle) mais bien sûr, Dave Grohl allait devenir une icone à son tour, grâce au succès public des Foo Fighters (au départ son projet solo) et surtout son statut de batteur fantastique au sein de Queens of the Stone Age (Songs for the Deaf) et récemment Them Crooked Vultures.

Live at Reading est un témoignage fabuleux d'un groupe qui fut un des plus importants de l'histoire du rock, dont les influences se font toujours ressentir actuellement. Il souffre toutefois d'un défaut assez stupide : la durée du concert original (1h25) ne permettant pas de le caser sur un cd (et aurait été trop court pour un double), on a décidé de couper les interventions entre les morceaux, donnant l'impression (pas désagréable mais fausse) d'un concert sans pause, mais aussi créant quelques incohérences. Pire, leur tout premier single, Love Buzz, est carrément passé à la trappe. Même s'il n'existait sans doute pas de solution parfaite pour le cd, il est étonnant de constater que le concert complet n'est pas disponible en téléchargement légal, mais uniquement sur le DVD. Autrement dit, pour avoir légalement le concert complet, il faut acheter le dvd et passer un petit bout de temps (si l'on possède les compétences techniques) à extraire les pistes audio pour en faire, par exemple, des mp3. Et après, on s'étonne...

Pissed Jeans - King of Jeans

2009-12-20T14:00:00.001+01:00

Rock 'n Roll will never die, on peut dire/faire ce qu'on veut, tant qu'il restera des mecs et nanas avec un coeur gros comme un Marshall JVM et des pédales de disto, Lemmy peut (presque) mourir tranquille. Pissed Jeans fait du rock 'n roll, avec passion, rage, et beaucoup de bruit. Le genre d'album qu'il est inutile de chroniquer à la Pitchfork, avec trois tonnes de comparaisons (ici, en gros, c'était Fucked Up, Melvins, Butthole Surfers et Jesus Lizard) et d'hyperboles. Il faut juste l'entendre.

Alors, pour pousser à l'écouter, je dirai que Pissed Jeans, c'est une section rythmique digne des débuts du grunge (parfois, j'entends Tad, figurez-vous), des guitares évidemment très punk rock mais parfois nettement plus complexes avec quelques solos sérieux, et une voix qui rappelle effectivement la rage du Fucked Up Pink Eyes. Les morceaux sont parfois rapides (False Jesii Part Two), sludgy (Pleasure Race), lents/lourds (Request for Masseuse, Lip Ring) voire totalement frénétiques (Human Upskirt). Vers les deux tiers de l'album, un morceau se fait remarquer en dépassant les 2'30 habituelles : Spent en fait même plus de sept, mais n'est pas le Grand Morceau Epique pour autant : c'est plutôt un mégalithe qui peut effectivement justifier le namedropping des Melvins (ou de Sabbath, évidemment). Ensuite, on retrouve les durées habituelles, la basse fuzzy et les guitares dans tous les sens, comme sur R-Rated Movie, dont le titre n'est pas la seule chose qui fait penser à Queens of The Stone Age (early, bien sûr). Et ça fait autant de bien. Quant aux paroles, elles sont souvent humoristiques et ridiculisent la vie 9h/17h et ses tracas quotidiens, des voitures en panne à la calvitie précoce.

Intense, excitant et puissant, King of Jeans ne réinvente par le rock, il se contente de le faire vivre, ce qui est peut-être encore plus difficile.

Part Chimp - Thriller

2009-12-18T14:00:00.002+01:00

Certains groupes n'ont vraiment pas envie de jouer le jeu du show business classique. Certains utilisent des canaux de distribution alternatifs, d'autres se concentrent plutôt sur le fond. Après avoir appelé un disque Chart Pimp, les anglais de Part Chimp sortent Thriller, l'année du décès de Michael Jackson. Thriller comporte neuf morceaux aux titres évocateurs (Today 2, Today 3, FFFFF, Star Piss, etc.) et aux durées variables (de 3 à 9 minutes). Autrement dit, c'est un peu n'importe quoi, et il fallait des âmes compréhensives pour sortir cette chose, ce qui fut fait grâce au label de Mogwai, Rock Action. Parce que, évidemment, la musique n'est pas très simple non plus, et encore moins facile d'accès.

Trad entame les affaires, et comporte les différents trademarks du groupe : une voix mixée assez loin, des guitares overdrivées, un son assez crade, une batterie assommante et cette fois, une basse qui se fait très présente. Ca fait très mal, mais c'est aussi très bon : un seul riff se répète avec quelques variations, une seconde guitare qui va et vient, une intensité indéniable. FFFFF fait preuve d'une attitude punk dans la voix, alors que l'intro lourdissime enchaîne sur un Dirty Sun qui aurait pu faire plier Black Sabbath sous son poids. C'est lourd et ça cogne.

Part Chimp pourrait ne faire que dans le bruit, et ajouter quelques drones histoire de faire groupe culte inécoutable, mais leur sens propre de la mélodie reprend parfois le dessus : Sweet T voit une des guitares reprendre la ligne de chant (ou le contraire) et la lead guitare de Today 2 pourrait presque être celle de Jack White s'il empruntait la Jazzmaster de Thurston Moore. Today 2 qui se transforme en Today 3, brûlot d'une violence sonore inouïe, encore plus fort et plus puissant que ce que Mogwai pouvait faire (en parlant de Mogwai, Tomorrow Midnite est assez inspiré des Écossais), avec un feedback signalant la fin du morceau? Non, ça repart encore plus fort, pour laisser une impression énorme dans les oreilles, ou plutôt dans la bouillie qui se trouve entre elles.

Bien entendu, Part Chimp prend ensuite tout le monde à contrepied, avec l'intro Mogwaiesque (+ voix) de Super Moody. Vu le titre, on pouvait s'attendre à un sérieux changement d'humeur, et il arrive en plein milieu du titre, une nouvelle attaque de bruit aussi impressionnante que superbement contrôlée : on peut imaginer le groupe quasi immobile, annihilant l'espace sonore autour de lui d'une simple pression du pied. Les neuf minutes finales de Star Piss composent un joyeux bordel, assez différent du reste de l'album, plus cohérent. Mais à partir de trois minutes, la basse reprend le contrôle du morceau pour l'emmener très loin dans les sommets du postrocknoisesludgemachin pour les friands d'étiquettes vides de sens.

Le rock est fait pour être viscéral et crasseux : Part Chimp fait tout ça, et bien plus.

The Horrors - Primary Colours

2009-12-16T14:00:00.001+01:00

Comme 2009 s'achève à grands pas, il était temps d'enfin écouter un des albums de l'année, selon moults websites et magazines, histoire de voir si cela en vaut vraiment la peine (contrairement à Animal Collective ou Grizzly Bear, dont je peine vraiment à voir l'intérêt). The Horrors, c'était un groupe garage assez protopunk, mais maintenant, ils ont découvert Joy Division. Leur second album, Primary Colors, est donc censé nous renvoyer direct à l'époque de Tony Wilson, de l'Haçienda, de Factory. En avait-on besoin?

Non, mais cela n'empêche pas qu'on a toujours besoin d'un bon album. Primary Colors est définitivement de ceux-là. Mirror's Image commence discrètement, avec un motif lancinant répété pendant presque cinq minutes. Mais c'est le mix synthés/basse/batterie qui emmène Three Decades qui donne l'illusion : The Horrors est totalement sous influence, oui, mais sous bonne influence. Après deux morceaux relativement tranquilles, la basse fuzz et les synthés très dreamy de Who Can Say ne laissent plus aucun doute : si c'est un pastiche, il est vraiment bon. Autant se détendre, et laisser son esprit critique, pour une fois, au vestiaire. C'est aussi un peu de Jesus and Mary Chain que les Anglais rappellent ici, il semble probable que leur collection musicale n'a jamais connu l'avènement du mp3. On pourra quand même regretter la quasi-grandiloquence d'un groupe qui, clairement, ne se prend pas pour n'importe qui, surtout dans le chef du vocaliste, vite irritant. On tentera aussi bien que possible de leur pardonner, surtout si leurs guitares sont toujours aussi mybloodyvalentinesques.

En parlant de la joyeuse troupe de Kevin Shields, Do You Remember pourrait faire penser à un Only Shallow un peu moins cinglé, mais avec le même genre de motif insidieux. On se demande pourquoi, et comment, mais bizarrement, ça marche. New Ice Age apporte même un peu d'arrogance punk et de rythme dans un album qui pouvait parfois menacer de se traîner : il n'en n'est rien, The Horrors ont nettement plus de trucs dans leur manche qu'on aurait pu le croire. Ils vont même "emprunter" le Come Together de Spiritualized pour I Can't Control Myself, et rappeler Echo & The Bunnymen juste après (Primary Colours). Ce sont les huit minutes du premier single Sea Within a Sea qui clôturent l'album, et qui constituent le morceau de bravoure de l'album.

Un rythme progressif, organique, l'arrivée de claviers et/ou de guitares en feedback, la voix, d'abord lointaine : le morceau débute assez tranquillement, et ne semble pas vraiment évoluer en presque trois minutes. Pourtant, des nappes de synthés suivies d'une basse seule signalent un renversement du morceau, qui acquiert des éléments acidhouse en chemin pour partir dans un fête électro-organique qui pourrait presque rappeler MGMT dans leurs moments les plus classieux (s'il y en a). Replacé dans son contexte, à savoir le premier morceau d'un groupe qui était encore connu comme une bande de corbeaux à la Cramps, il garde son caractère impressionnant, et résume assez bien un album qui devrait être considéré comme un premier album d'un groupe étonnant, dont l'évolution est imprévisible. Album de l'année comme le dit le NME, peut-être pas (même si on peut facilement voir pourquoi le magazine anglocentré les a choisi), mais Primary Colours vaut quand même la peine de se retrouver dans les sempiternelles listes de décembre.

A Place To Bury Strangers - Exploding Head

2009-12-07T09:47:00.000+01:00

The XX - XX

2009-11-30T15:27:00.002+01:00

The XX, pourquoi personne n'avait pense à ce nom auparavant? Simple, efficace, et tellement facile à retenir qu'ils n'ont pas été plus loin pour le titre de leur premier album, un des débuts les plus étonnants de 2009. Entièrement réalisés par deux mecs et deux filles d'une vingtaine d'années, amis d'enfance (toutefois, la claviériste vient de quitter le navire), XX est surprenant par son originalité. Oh, ce ne sont pas des sons venus d'ailleurs comme le Mirrored de Battles, mais cette musique ne semble pas appartenir à 2009 non plus, sans qu'on sache, d'ailleurs, d'où et de quand elle provienne.

Clavier, guitare, basse et boîte à rythme, rien d'extraordinaire à première vue, mais ce qui rend The XX très spécial, c'est la manière dont ils s'en servent. La production (faite maison) se caractérise par une grande économie sonore, laissant la part belle aux arpèges et atmosphères, au silence et à l'ambiance. Les morceaux peuvent ainsi se dérouler lentement, insidieusement, jusqu'à ce que la voix soyeuse, légèrement éraillée de Romy Madley Croft ne provoque une autre surprise. Croft n'est pas une grande chanteuse, elle n'a pas vraiment de technique vocale, mais sa voix est simplement parfaite, et s'insère parfaitement dans les morceaux. De plus, elle est se complète par la voix du bassiste Oliver Sim qui, lui, ne sait pas chanter du tout. Et pourtant, ça marche, son détachement vocal apportant un contrepoids parfait à la sensualité extrême de Croft ("Can I make it better with the lights turned on?").

Islands, VCR, Crystalised pourraient tous être des tubes discrets, fondus dans un moule étonnant de précision, de beats chirurgicaux et de basse/guitare apportant une touche organique bienvenue. C'est dans les détails qu'on trouve les plus grands albums, et on trouve quelques exemples fabuleux. L'intro de Crystalised, étonnante de variété et de précision, qui semble s'arrêter pour laisser la place aux deux voix, avant de repartir, d'offrir un refrain très catchy et de se terminer par une variation de vitesse parfaitement maîtrisée ("go slow"). Heart Skipped A Beat voit les deux vocalistes se répondre "sometimes I still need you", alors que sur Infinity, ils s'échangent un déchirant "Give it up - I can't give it up". Et que dire du beat d'Islands, digne des meilleurs productions RnB du début de la décade, quand Timbaland était intéressant, et que Kayne West n'existait pas.

Alors, oui, le tempo des morceaux est peut-être similaire, et les voix peuvent rebuter. De même, deux ou trois morceaux sont un peu en deça du reste. Le minimalisme est aussi assez étonnant, mais il est difficile de ne pas être admiratif devant un album peu inspiré par ce qui s'écoute de nos jours, et surtout entièrement réalisé par quatre anglais d'une vingtaine d'années, qui ont quelques belles années devant eux, s'ils arrivent à gérer la pression qui a déjà eu raison d'un de leurs membres. Quoi qu'il arrive, XX restera un excellent album, surprenant et fabuleusement rafraîchissant.

Them Crooked Vultures - Them Crooked Vultures

2009-11-21T22:12:00.006+01:00

Quelle immense déception. J'ai écouté cet album dès que j'ai pu, et pourtant... Des milliards de personnes souffrent encore de la faim dans le monde, les Israéliens et Palestiniens ne s'aiment toujours pas beaucoup, l'armée US continue à s'entretuer et Creed existe toujours. Them Crooked Vultures a donc échoué dans sa quête de changer le monde pour toujours.

Non, mais sans rire, je sais que la critique est aisée, et que pas mal de gens ont la grande ambition de voir le reste du monde se planter, mais j'ai beaucoup de mal à comprendre les critiques négatives adressées à Them Crooked Vultures qui est un groupe composé de Josh Homme (Kyuss, Queens of the Stone Age), Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) et John Paul Jones (Led Zeppelin). Vu les antécédents des trois membres (rejoints en concert par Alain Johannes), il était évident que les attentes seraient grandes. Mais il faut être un tantinet réaliste, it's only rock 'n roll and you should like it.

On a dit que la musique de Them Crooked Vultures ressemblait à Queens of the Stone Age. Vu qu'il est chanteur et guitariste, il est probable que Josh Homme soit le compositeur principal du groupe, et effectivement, pas mal de riffs peuvent faire penser à son "autre" groupe. Mais de toute façon, si c'est le cas, cet album comprend les meilleurs morceaux de Josh Homme depuis Songs for the Deaf, album-clé des années 2000 sur lequel apparaissait déjà un certain Dave Grohl.

Dave Grohl, on le sait, est un personnage qui peut rendre dubitatif. Son job principal en tant que leader des Foo Fighters n'aura jamais été vraiment satisfaisant, le succès du groupe étant inversement proportionnel à son intérêt. Par contre, dès qu'il se place derrière une batterie, on ne peut être qu'impressionné par sa rythmique et son expression : Dave Grohl (qui, après le Live in Reading de Nirvana et le Greatest Hits des Foo Fighters, sort trois albums en deux semaines) peut être un chanteur, un guitariste et un compositeur tout à fait décent, il est surtout un excellent batteur, et l'alchimie qui le lie à John Paul Jones est très impressionnante. Il suffisait de le voir lors des premiers concerts du groupe (j'ai assisté à leur troisième, au Pukkelpop) pour lire la joie sur son visage et le sourire d'une oreille à l'autre à l'idée de jouer avec son idole.

Et la musique, dans tout ça? Avec un tel pedigree, les trois vautours tordus auraient pu sortir un excellent album hard rock, fait de riffs perçants, de beats puissants et de basse ronflante. Ils l'ont fait, mais seulement en partie : l'album est clairement une récréation, 66 minutes pendant lesquelles les trois membres ont fait tout ce qu'ils voulaient. Alors que ce genre de trip égocentrique est généralement une très mauvaise idée, ici, ça marche quasi à chaque fois. No One Loves Me (And Neither Do I) commence l'album bizarrement et discrètement mais la voix étonnamment aiguë d'Homme laisse place à un riff tout droit sorti des doigts de Jimmy Page, évidemment. Ca fait très mal, et le duo Grohl-Jones ne font déjà plus qu'un.

Les premiers morceaux de l'album sont relativement classiques, emmenés par des riffs énormes, notamment celui (ou ceux) de Dead End Friends. Combien de musiciens vendraient leur carrière pour ce que Homme est capable de faire les yeux bandés, en dormant. Josh Homme est le personnage le plus important de cette décade de rock, avec Jack White. Mais au fur et à mesure que l'album (et les morceaux) avancent, le tout devient plus complexe. Personne ne fait d'égotrip en envoyant un interminable solo de basse/batterie, mais au contraire, l'expérience et le talent des musiciens permettent de faire évoluer les mélodies dans des recoins insoupçonnés. Elephants le montre parfaitement, avec plus d'idées en 7 minutes que dans la plupart des albums de la décennie presque écoulée.

C'est d'ailleurs dans ce foisonnement d'idées qu'on pourrait - pourrait - trouver des reproches à l'album. Parfois, on a l'impression d'écouter trois gars qui font plus ou moins ce qu'ils veulent, et des morceaux peuvent donner l'impression d'aller nulle part. Question de point de vue, tout dépend de ce que l'on recherche quand on l'écoute, ce n'est pas Weezer, non plus. Homme, par exemple, varie nettement plus sa voix que d'habitude, chantant parfois très haut (le phénoménal Scumbag Blues) ou tellement bas qu'on jurerait entendre Mark Lanegan (Bandoliers, qui l'est tout autant). De même, alors que Homme et Grohl se cantonnent à leurs instruments de prédilection, Jones utilise plus ou moins tout ce qui passe devant lui, mandoline, claviers (Scumbag Blues, encore), slide, voire une sorte de keytar étrange alliant slide et kaoss pad. L'élément de folie du groupe est un mec de 63 ans.

Le groupe se fait donc plaisir, et heureusement, nous fait plaisir aussi. Bandoliers, un des tout grands moments de l'album, commence par un riff tellement évident qu'on croit l'avoir déjà entendu mille fois, avant que Jones ne domine le morceau avec une instrumentation vaguement Europe de l'Est, et carrément bizarre. C'est seulement maintenant que Them Crooked Vultures devient carrément étrange. Reptiles et sa slide guitar, mais surtout Interlude With Ludes, qui semble n'avoir aucun autre but que de faire un peu n'importe quoi. Pour une raison indescriptible, ça marche. Enfin, le quatuor final mérite toute notre attention.

Warsaw or the First Breath After You Give Up est un mégalithe de huit minutes à la rythmique imparable, marqué par un crescendo fantastique de Grohl et Jones, accompagné par la guitare de Homme, montrant que, malgré l'étiquette évident de supergroupe, TCV est vraiment un groupe (qui pense d'ailleurs déjà au second album) qui fonctionne comme tel. Ses membres sont juste plus expérimentés et talentueux que la moyenne, et surtout, ils n'ont pas d'objectif commercial pour un album qui, de toute façon, se vendra bien grâce à leur réputation. Le coquin Caligulove (Caligulove!) emmène encore plus l'album du côté de la folie, avec un solo de synthé assez dingue de JPJ. Gunman ne fait qu'enfoncer le clou, étant un morceau carrément dance, avec la voix de Homme trempée de reverb, et Grohl qui se prend pour une boîte à rythme technoïde. enfin, Spinning In Daffodils conclut l'album de manière intense et époustouflante de maîtrise.

66 minutes, c'est long, pas toujours justifié, mais il serait vraiment mal venu de se plaindre, tant l'album est excellent de bout en bout. Non, ce n'est pas un album révolutionnaire. Mais tant mieux : le rock n'est déjà pas en excellent état, alors, si la révolution devait venir d'un groupe dont les membres ont 36, 43 et 63 ans, on serait vraiment dans la merde. Them Crooked Vultures est fun, et ne veut pas inventer le futur. Ils se contentent d'en faire partie.

Weezer - Raditude

2009-11-13T18:22:00.006+01:00

J'emprunte la formule à Drowned In Sound : Weezer est le pire groupe à avoir enregistré deux excellents albums. Leur premier album (sans titre, pochette bleue) et Pinkerton sont deux des tout meilleurs albums des années 90, le premier par son alliage parfaite entre pop song et ce qu'on appelait rock alternatif, et le second par ses complexités et la personnalité torturée du leader Rivers Cuomo. La suite? Deux albums par moments brillants (le sans-titre vert, Maladroit) et deux infâmies (Make Believe, le sans-titre rouge). On avait du mal à espérer quoi que ce soit d'un Weezer qui n' a plus fait grand chose de bon depuis longtemps, et effectivement, on a bien ce dont on pensait. Voire pire.

Pourtant, le début passe pas trop mal. Comme premier extrait, If You're Wondering If I Want You To (I Want You To) ne passe pas trop mal, disons qu'il passe mieux que ses horribles prédécesseurs Beverly Hills et Pork and Beans. The Girl Got Hot et I'm Your Daddy continue la nouvelle traditions des morceaux assez gras, mais bon, vu les attentes très basses, on s'y fait pas trop mal. Mais ce n'était que partie remise.

Cuomo, dans Pork And Beans, parlait de son envie de travailler avec Timbaland. Il ne l'a pas fait (pas plus mal, finalement) mais s'est reposé sur Jermaine Dupri, avec qui il a composé ce qui ne saurait pas ne pas être le pire morceau de Weezer, Can't Stop Partying. Autotune, refrain débile, rap raté de Lil Wayne : j'ai entendu hier un morceau de David Guetta qui n'était pas pire. Cuomo a effectivement (ab)usé de co-compositeurs : outre Dupri sur deux morceaux, il a aussi écrit avec le producteur Jacknife Lee, Butch Walker ou deux All American Rejects. En fait, seuls trois morceaux sur dix n'ont pas eu d'apport extérieur, un ayant d'ailleurs été écrit par Pat Wilson, batteur depuis le début devenu guitariste (l'omniprésent Josh Freese prenant sa place derrière les futs). Pire : Love Is The Answer, un des morceaux de Cuomo, a d'abord été enregistré par Sugar Ray (SUGAR RAY!) avant de se retrouver ici. On se demande d'ailleurs ce qu'il y fait, avec son ambiance et voix stupidement bollywoodiennes.

Le reste de l'album n'arrange rien, et les festivités se terminent par une ballade bien naze. Enfin, ne se terminent pas forcément : comme d'habitude, Weezer a joué la carte de l'édition spéciale, ajoutant quatre morceaux tout aussi oubliables. Comme cet album, le troisième album nullissime consécutif de Weezer. Vraiment triste.

Foo Fighters - Greatest Hits

2009-11-08T09:25:00.002+01:00

Dave Grohl pestait récemment contre l'obligation contractuelle de sortir un best of. Non seulement il pensait que c'était bien trop tôt, mais il regrette également ne pas avoir été consulté sur un tracklist qu'il juge faible. Force est de constater qu'il a pleinement raison, tant ce Greatest Hits est une insulte à ce que représente les Foo Fighters, et je ne suis même pas spécialement fan.

Le groupe existe depuis 1995, ou du moins de nom, vu que le premier album était un projet solo de Dave Grohl, alors ex-batteur de Nirvana. Quatorze ans après, six albums, une notoriété qui les a conduit à remplir le stade de Wembley... et un Greatest Hits de 12 morceaux connus? Oui, c'est carrément ridicule. L'album comprend, en gros, les douze morceaux les plus célèbres du groupe, un extrait du live Skin & Bones, une version acoustique (stellaire) d'Everlong et deux inédits médiocres, probablement raclés d'un fond de tiroir. Heureusement, on a du très bon, notamment les immenses Everlong et Monkey Wrench, mais on perd tout un pan du groupe, surtout le côté plutôt agressif/punky, ici, on se concentre sur les midtempos vaguement énervés, comme Times Like These ou l'aseptisé Long Road To Ruin. Le maladroit employé qui a compilé cette chose a aussi raté l'occasion d'inclure l'excellent (mais encore trop "violent") The One sur un album.

Maintenant, que l'on ne s'y trompe pas : les Foo Fighters, aussi sympathiques puissent-ils être, ne seront jamais un grand groupe. Mais ils méritaient, et méritent toujours autre chose que ceci, une stupide opportunité mal fagotée de se faire du fric rapidement. Heureusement qu'on peut toujours faire confiance à Dave Grohl : le prochain album sur lequel il joue arrive dans quelques jours, et est sans doute le plus attendu de l'année...

Jemina Pearl - Break It Up

2009-11-04T21:56:00.002+01:00

Bon, j'ai plein d'albums à chroniquer d'ici la fin de l'année, et j'ai la drôle d'idée de choisir celui-ci... Mais j'ai mes raisons. J'étais vraiment fan de Be Your Own Pet et de leur fabuleuse frontwoman Jemina Pearl, qui avait plus d'attitude punk que tout Orange County début des années 90. Leur "carrière" ne pouvait pas durer, et logiquement, Jemina se la joue solo, sur Ecstatic Peace, le label de Thurston Moore.

Comme on pouvait le craindre, c'est nettement, moins bien. Pearl chante mieux, mais oublie d'écrire des morceaux mémorables et surtout n'a plus aucune attitude. Alors, comme elle n'a pas les morceaux entraînants d'Avril Lavigne (pour cibler bas), elle se trouve complètement paumée, entre pop star pas assez pop et punkette trop clean. Tous les morceaux se ressemblent dans leur tempo, et même les guitares de Moore ne sauvent pas grand chose (Band on the Run, peut-être). Loin, bien loin de la folie impossible à prévoir de Be Your Own Pet. Le morceau le plus "hard" (le dernier!) serait le plus lent de BYOP, et même Iggy Pop ne sauve pas le navire. Paroles de teenager en détresse (sans aucun humour, cette fois), tempo à la Strokes (sans mélodie), etc etc, on s'ennuie vite et beaucoup. Bon, ce n'est pas non plus catastrophique, et la simple existence de Weezer fait que Break It Up ne saurait pas être le pire album de l'année. Mais il reste quand même, malgré le peu d'attentes, décevant. Heureusement, la discographie complète de Be Your Own Pet dure 1h30, et restera toujours disponible. De même, l'autre offshoot de BYOP, Turbo Fruits, est assez sympa.

PS : en relisant l'article, j'écoute Get Awkward, le dernier BYOP. Jemina, tu n'as aucune excuse pour pondre un album si mou.

Idlewild - Post Electric Blues

2009-10-31T12:01:00.002+01:00

A chaque nouvel album d'Idlewild, la même rengaine. On attend, espère, une sorte de retour, non pas spécialement aux tout débuts punkoïdes, mais au moins à quelque chose d'aussi bon que le fantastique 100 Broken Windows, un des meilleurs albums UK de la décennie. Mais bien sûr, cela n'arrive jamais. Pour deux probables raisons : d'abord, parce que le groupe n'a pas la moindre envie de retourner dans le passé, et préfère explorer d'autres voies. Ensuite, malheureusement, parce que les nouveaux morceaux sont simplement moins pertinents. Et donc, à chaque fois, c'est la même chose. On écoute, sans être vraiment déçu : ce n'est jamais mauvais. Mais on se demande pourquoi on se remettrait à écouter l'album plus que les trois-quatre écoutes juste après sa sortie.

Ce qui est parfois dommage : Younger Than America voit une fois de plus Roddy Woomble adopter son ton de Michael Stipe des Highlands, cette fois aidé par un violon subtil et la voix de Heidi Talbot alors que Readers and Writers ajoute une trompette et un glockenspiel pour en faire un morceau au rythme étonnant. Un peu de nouveauté, mais rien de vraiment phénoménal. City Hall reste dans le registre alt-rock (trop) habituel, alors que quelques morceaux révèlent le côté plus folk du groupe.

Hélas, le milieu de l'album est franchement dispensable, ce qui réduit Post Electric Blues à quelques morceaux sympathiques, mais qui n'essaient même pas d'atteindre la brillance passée. Une fois de plus. Un album à écouter quelques fois, et puis à oublier. 100 Broken Windows, Hope is Important et même The Remote Part restent, quant à eux, indispensables.

R.E.M. - Live at the Olympia

2009-10-28T11:57:00.003+01:00

Alors que R.E.M. travaillait sur leur dernier album, , ils ont eu l'excellente idée de passer cinq jours à l'Olympia de Dublin, pour tester les nouveaux morceaux. Ce double album (2h30) reprend l'intégralité (dans un ordre relativement aléatoire) des morceaux joués lors des cinq dates, et est un énorme cadeau aux fans qui suivent le groupe de 1982 à nos jours. Il est fort différent des concerts "classiques" du groupe : quasi aucun hit, aucun single. A part (et encore!) Drive ou Electrolite, on peut parier que ceux qui ne connaissent R.E.M. que via les singles, vidéos et best of n'auront aucune idée de ce qui se passe ici. Le groupe a joué 39 morceaux différents en 5 dates, morceaux qui se répartissent sur toute leur carrière avec notamment quatre des cinq extraits de leur premier EP, Chronic Town. Entendre ces morceaux en live est une expérience unique et intéressante : certainement pour le fan, qui n'a que rarement eu l'occasion de la vivre, mais aussi pour ceux qui connaissent moins R.E.M. : comme c'est souvent le cas chez les grands groupes, les morceaux connus (très connus) sont rarement les meilleurs.

En ce qui concerne les nouveaux morceaux, presque tout Accelerate a été joué, et les commentaires de Michael Stipe indiquent qu'ils étaient toujours en plein travail : Man-Sized Wreath est introduit comme un morceau "qui ne sera pas sur l'album" (il le sera) alors que On The Fly, un des préférés de Stipe, ne le sera pas. On the Fly est d'ailleurs un des deux inédits de l'album, l'autre étant le sympathique Staring Down The Barrel of the Middle Distance.

Long et parfois obscur, Live at the Olympia est une excellent album live, et surtout un concept fantastique qui donne vraiment, vraiment envie d'être fan du groupe. Quelle bouffée d'air frais par rapport à ces groupes à la setlist quasi inchangée et aux tournées mégalostupides.

Memoria - A Tribute to the Alternative 90s

2009-10-25T08:22:00.001+01:00

HORSE the Band - Desperate Living

2009-10-18T14:22:00.000+02:00

The Raveonettes - In And Out Of Control

2009-10-08T14:49:00.003+02:00

Avec My Bloody Valentine qui revient en force et de nouveaux groupes comme A Place To Bury Strangers pour renouveler la flamme, le shoegaze ne se porte pas trop mal, pour un mouvement mort. Lust Lust Lust, le précédent album des Raveonettes était plus fuzzy qu'une usine de Big Muff, mais arrivait à y allier une recherche mélodique quasi surannée. Il était aussi surpuissant et sans concession, à un point tel qu'il était impossible pour le duo Danois de continuer dans cette veine. Alors, ils ont allégé la musique, repris les habitudes des albums précédents, et poli la production : l'aiguille est maintenant plutôt dans la zone pop.

Pop with a twist, évidemment. Parfois des gros beats un peu bourrins (Bang, Suicide) mais souvent une jolie recherche mélodique, qui va de pair avec la voix de Sharin Foo. Bien sûr, le bruit et le feedback ne sont jamais bien loin (Gone Forever), mais ils ne sont plus la caractéristique principale de leur son. Last Dance renoue même avec les tubes à la Attack of The Ghost Riders. Mais que dire des paroles... Je ne l'ai remarqué que vers la fin : In and Out of Control est une sorte d'album-concept sur la violence, notamment la violence conjugale. Quand on s'y attache, c'est vraiment bizarre, surtout que les thèmes sont en contrepoids total avec la musique éthérée et aérienne. Il est par exemple quasi impossible de ne pas avoir en tête le refrain-titre de ... Boys Who Rape (Should All Be Destroyed). Franchement embarassant. Autre exemple, Oh I Buried You Today fait penser à la pop des 50s, à Nancy Sinatra (et son Bang Bang) mais est empreint d'un malaise prégnant.

On perd d'ailleurs assez facilement le fil de cet album, qui ressemble plus à une collections de morceaux pas très soignés, alors que le but (producteur + studio alors que Lust Lust Lust était autoproduit at home) était sans doute différent. On retiendra toute fois le fantastique Heart of Stone, même si son riff lorgne un peu trop vers le Lateralus de Tool et Break Up Girls, seul morceau où Sune Rose Wagner se lâche enfin un peu sur les pédales. Sinon, In and Out of Control reste un bon album, mais trop impersonnel, et bien trop loin du précédent. Il fallait peut-être cela pour repartir de l'avant, reculer pour mieux sauter. On le verra dans deux ans.

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue

2009-09-29T14:33:00.001+02:00

Autant commencer directement : non, je ne suis pas satisfait que, contrairement à leurs promesses, le groupe s'appelle toujours Alice in Chains. La voix de Layne Staley faisait partie intégrale du son Alice in Chains, c'était peut-être même sa principale particularité. Enlever Layne (enfin, façon de parler) et le remplacer par un autre chanteur, aussi bon soit-il, devrait nécessiter un changement de nom. Queen n'a pas été foutu de le faire, le résultat a été catastrophique. Mais même sous un autre nom, il aurait été catastrophique. Finalement, c'est juste un nom. Et les contre-arguments ne manquent pas d'intérêt. Le cerveau d'Alice in Chains, c'est et cela a toujours été Jerry Cantrell. Il a presque tout composé (paroles et musique) et chantait parfois plus que de raison quand Staley était incapable de le faire. De toute façon, qu'on le veuille ou non, c'est fait. Black Gives Way To Blue sera classé sous "Alice In Chains", quatorze ans après Alice In Chains, et sept après la mort de Layne Staley. Et passer à côté serait une grosse erreur. Parce que l'album est bon, et dépasse toute espérance.

C'est simple, il suffit d'une seconde de All Secrets Known pour se rendre compte d'une évidence : Alice is back, et le son de Cantrell n'a pas pris une ride, même si personne n'a plus fait ce genre de musique depuis... quatorze ans. C'est lourd, très lourd, et lent, avec un riff dévastateur et un autre, monumental après 2"25. Clairement plus dans la continuité d'Alice in Chains que Dirt, l'album est presque stoner, se rapprochant des Sabbath les plus terrifiants. Sludgy as fuck. Cantrell chante, de sa voix inimitable (et assez proche de Staley, mais ce n'est pas nouveau) "a new beginning, time to start living", et il a tout à fait raison. Evidemment, on aura tendance à analyser chaque texte à la lumière de la destinée de Staley, mais on aurait probablement tort : Check My Brain parle de la vie de Cantrell, lorsqu'il est passé de Seattle à LA, et les morceaux écrits par le nouveau chanteur n'ont sans doute rien à voir avec son glorieux prédecesseur.

Parlons-en, du nouveau chanteur. William DuVall, de Comes With The Fall, qui ne ressemble ni physiquement ni vocalement à Staley. Cantrell a touché dans le mille, car il est totalement impossible de le critiquer pour cela : il apporte littéralement une nouvelle voix à Alice in Chains. On l'aimera ou pas, mais elle est là. Mais il ne chante pas tant que ça : Cantrell se charge de la majorité des morceaux, réduisant parfois DuVall aux harmonies que Cantrell avait auparavant l'habitude de faire, et qui constituent un autre grand élément du son AiC. Mais quand DuVall prend le lead, on est assez impressionné par sa voix, unique et parfois inspirée de quelqu'un qui avait déjà chanté avec AiC post-Staley : Maynard James Keenan. On pourrait faire pire, comme comparaison. L'excellent Last of My Kind le démontre assez bien.

Bien sûr, on est clairement en train de bouffer une madeleine. Je n'ai pas la moindre idée comment l'album serait perçu par quelqu'un qui n'a pas vécu cette époque. Mais je suis comme je suis, et je n'ai jamais eu la prétention (et la stupidité) d'être objectif en ces pages. Plus personne ne sonne/chante/joue de la guitare comme ça, maintenant. Mais on a déjà vu énormément de tentatives avortées de recapture de gloires passées : ce n'est pas le cas ici, BGWTB n'a pas a rougir de la concurrence des autres albums du groupe, ou de la période. Son gros défaut, mais aussi sa grande qualité, c'est de sortir en 2009. L'exemple le plus évident sont les ballades : on est en plein dans le (légendaire) Unplugged de 1996. Mais quand les morceaux (Your Decision, When The Sun Rose Again) sont si bons, peut-on vraiment se plaindre? Ou juste plonger tête la première?

Black Gives Way To Blue n'est pas sans défaut. Le tempo reste constant sur toute la longueur (20 minutes de plus que Backspacer, pour le même nombre de morceaux), et quand les compos deviennent moins percutantes, quand l'effet de surprise s'envole, on peut être un peu déçu par Lesson Learned, Take Me Out, Private Hell. Mais les sept minutes apocalyptiques de A Looking In View ou le break metal de Acid Bubble relèvent facilement le niveau. On pouvait le prévoir, mais c'est sur une chanson optimiste et introspective (avec Elton John au piano!) que se termine l'album. "Black gives way to blue (...) I remember you". Même si je n'aime pas interpréter, cela me semble clair.

Alice in Chains est de retour, et de quelle manière. Ils possèdent un catalogue fantastique, et maintenant sortent un album de classe identique, qui montre qu'ils sont là pour durer. Pearl Jam ne sont plus les seuls survivants du big four, et même si Alice n'a pas évolué comme le groupe d'Eddie Vedder, ils sont toujours aussi bons, et ça, c'est vraiment incroyable. Pendant ce temps, Chris Cornell...

Pearl Jam - Backspacer

2009-09-22T12:11:00.002+02:00

Drôle d'animal que ce Backspacer. Neuvième album de Pearl Jam, il surprend avant même d'être écouté. Dix minutes plus court que leur précédent album le plus court (36 minutes, 11 morceaux), il est aussi leur plus accessible. Le premier single, The Fixer, a surpris par sa simplicité et ses paroles positives, ce qui est assez rare chez le parolier Eddie Vedder (un journaliste du NME avait un jour dit que se plaindre que Vedder est morose, c'est comme reprocher à Johnny Cash qu'il s'habillait de noir). Bush viré, Obama (The Fixer - le Réparateur?) installé, le groupe peut enfin se détendre, et au lieu de faire du Pearl Jam (comme leur précédent album), être le Pearl Jam de 2009.

Malheureusement, cela ne marche qu'à moitié. Backspacer (en référence à la touche du clavier qui permet de revenir en arrière, sans doute pour mieux avancer après) commence vite et fort : quatre morceaux rock, punky, enlevés en 11 minutes. On commence par Gonna See My Friend et son riff très rock 'n roll, l'opener le plus rock depuis Go (Vs, 1993), puis Got Some, plus ancré dans la bonne partie des 80s. McCready et Gossard y envoient des guitares un peu partout alors que Vedder est aussi frénétique que possible. On l'a déjà dit, mais on peut le répéter : la section rythmique Ament/Cameron est une des meilleures du rock actuel, surtout que Cameron s'est enfin installé confortablement dans un fauteuil qu'il occupe maintenant depuis dix ans. The Fixer continue la série, single mineur mais morceau quand même sympathique. Johnny Guitar étonne par son phrasé bizarre et une histoire fort légère. On doit s'y faire, PJ 09 est assez ensoleillé. Ce qui n'excuse pas les très vilains fade out des deux derniers morceaux.

Just Breathe nous ramène à la BO de Into The Wild, composée et interprétée par Vedder. Elle a permis de lui faire gagner un Grammy, d'entreprendre trois petites tournées solo et de carrément faire une OPA sur cet album : la moitié des compos (et toutes les paroles) sont signées par Eddie. Pour Just Breathe, cela passe, parce que le morceau est splendide et touchant, malgré des paroles parfois maladroites. Mais Speed of Sound et Unthought Known, deux morceaux débutés solo par Vedder durant sa dernière tournée, on se demande carrément ce qu'elles foutent là. Le dernier pourrait, avec son clavier craie sur tableau noir, être un morceau de Coldplay. Si. Si vous saviez comme j'ai mal, juste d'écrire ça. Speed of Sound, quant à lui, est heureusement sauvé par un refrain poignant. Vedder reste un artiste extraordinaire, mais je pense qu'il aurait du aller faire un vrai album solo plutôt que d'imposer ses vues au groupe, dont les autres membres ont fourni les deux meilleurs morceaux de Backspacer : Jeff Ament a écrit Got Some et McCready a notamment Force of Nature, qui bénéficie en outre d'un superbe texte de Vedder. Le groupe est de toute façon suffisamment bon, et la passion de Vedder toujours intacte pour truffer les morceaux de passages brillants, sans compter que certains prennent parfois une dimension inattendue, après plusieurs écoutes.

La seconde partie de l'album sera quand même sauvée par Supersonic, brûlot punky composé par Gossard (qui a aussi offert le trop classique Amongst The Waves) qui se transforme en impro bluesy avant de repartir en pleine vitesse, le fantastique Force of Nature déjà mentionné et enfin The End, terrible morceau qui ne colle pas, mais alors là pas du tout avec l'ambiance générale de l'album. The End, autre morceau 100% Vedder, ne compte même pas d'autre membre du groupe. Mais Eddie, sa voix, sa guitare, un quatuor à cordes et des instruments à vent. L'orchestration est touchante, et la voix légèrement craquante de Vedder convient parfaitement à cette triste histoire de père de famille, que je préfère ne pas interpréter. Le morceau se termine net, abruptement, dans ce qui est peut-être le seul moment de grâce de Backspacer.

Backspacer est une expérience intéressante, un album court et délibérément incohérent. Malheureusement, il est aussi plombé par une production fort peu subtile de Brendan O'Brien, qu'on a déjà connu bien plus inspiré. A croire que ses récents travaux avec Incubus et AC/DC lui ont fait oublier le concept même de subtilité. Ses claviers sont souvent lourds, et les gimmicks qu'il place un peu partout fatiguent vite. Mais, comme c'est l'album positif de Pearl Jam, voyons les choses du bon côté. Comme le groupe ne s'est jamais répété (et après neuf albums, chapeau quand même), il semble assuré que lorsqu'ils remettront l'ouvrage sur le métier, ce sera avec cette expérience mitigée en plus. Et gageons qu'ils sauront encore nous surprendre. Reste à espérer qu'ils arriveront aussi à convaincre.

Blur - All The People : Blur Live At Hyde Park, July 3rd 2009

2009-09-19T21:45:00.005+02:00

C'est déjà fini. Après une dizaine de concerts et pas mal de buzz, les membres du groupe ont tous confirmé qu'il n'y avait pas de plan pour d'autres concerts, et encore moins pour un nouvel album. La porte ne semble pas être scellée, mais la réunion d'un des plus importants groupes des années 90 n'aura pas duré bien longtemps. Les deux concerts de Hyde Park ont été le point de départ de la réunion : les concerts précédant ces deux dates (Glastonbury, T in the Park, quelques dates de chauffe et le seul concert hors-UK, à Lyon) ont été ajoutés après le double sold out rapide. Le groupe sort maintenant un double album pour chaque date, aux setlists hélas exactement semblables. J'ai choisi de parler de celui du 3 juillet, sans raison particulière.

Blur a souvent été très étrange, si pas capricieux, en concert. Prenons les trois dernières tournées (sans compter celle de Think Tank, où Simon Tong remplaçait Graham Coxon) : celle de Blur était roots, punk, sans concession. Puis, la tournée 13 les voyait jouer l'intégralité de l'album (y compris en festival!) puis quelques hits en rappel. Enfin, ils ont eu l'idée originale de jouer tous leurs singles dans l'ordre pour accompagner le premier "best of", en jouant les morceaux "détestés" (Country House, Charmless Man) avec une grosse dose de second degré.

On pouvait dès lors se demander ce qu'ils allaient faire ici, devant une foule immense. Finalement, ils ont opté pour le greatest hits, avec une attention particulière à la période pop, souvent délaissée lors des dernières années du groupe. C'est très étonnant de voir Damon Albarn (et sa dizaine de kilos en plus, soit dit en passant) chanter Country House avec une telle ferveur, mais pourquoi pas : ces concerts sont une célébration, et pas une étrange expérience.

D'ailleurs, les festivités commencent par leur premier single, She's So High, immédiatement suivi d'un Girls And Boys qui ne laisse aucun doute la-dessus : c'est la fête, demain, tout sera fini. Les premiers morceaux piochent allégrement dans la période Britpop, mais c'est évidemment un peu plus tard que le concert prend une autre dimension. Graham Coxon, jusque là impeccable, lance l'anti-riff de Beetlebum. De fête, le concert se transforme en triomphe presque intime, en célébration d'un groupe qui a allié brillance créatrice et succès populaire comme peu d'artistes ont réussi auparavant. Beetlebum est immédiatement suivi par une fabuleuse version de Out of Time, extrait de Think Tank. Coxon y apporte une seconde guitare qui complémente très bien l'acoustique d'Albarn, créant ainsi une jolie surprise, et un des meilleurs moments de la soirée. Suivent enfin trois extraits de 13, stellaires. Un très puissant Trimm Trabb, puis Coffee And TV qui montre que depuis l'époque 13, Coxon a pris de la bouteille (oops, mauvais et accidentel jeu de mot) en tant que chanteur, et enfin Tender, qui clôture brillamment cette partie du concert, en faisant monter les larmes dans une bonne partie du public. Blur a été une machine à hits, mais l'enchaîment de Blur et de 13 reste pour moi leur meilleur moment.

Mais comme je le disais plus haut, l'heure est à la célébration, et les morceaux plus sombres de cette période restent minoritaires. C'est donc avec Country House que le concert reprend, voyant Blur accompagné de trompettes, etc etc. Pas ma tasse de thé, et je trouve bizarre que le groupe joue ce maudit morceau comme si de rien n'était. On le remarquera après, c'est carrément dix morceaux de la période Modern Life Is Rubbish / Parklife / The Great Escape qui vont se succéder, avec notamment un Parklife avec Phil Daniels et un frénétique Sunday Sunday avant que trois morceaux introvertis clôturent le concert : End of A Century, To The End et évidemment This Is A Low. Subtil, émouvant, techniquement parfait : Blur a vraiment écrit quelques unes des plus belles pages des années 90.

Les rappels mélangeront les époques, avec notamment le single hors album Popscene, l'excellent extrait de Blur Death of a Party et les crowdpleasers Advert et Song 2, augmenté d'une superbe intro à la batterie. Enfin, The Universal clôture le concert, et le court mais impressionnant retour de Blur. Qu'il arrive n'importe quoi, on ne pourra pas dire qu'ils auront raté leur retour, ni qu'ils auront trait la vache à lait jusqu'à la dernière goutte. Finalement, il vaut peut-être mieux que tout cela reste comme ça.

Muse - The Resistance

2009-09-12T19:06:00.000+02:00

Battre le fer tant qu'il est chaud, c'est ce que fait Muse depuis dix ans. Tournées incessantes, passages répétés en festival, cinq singles par album, et donc cinq albums studio (+ les dvd live) en dix ans. Grâce à tout cela, Muse est devenu probablement le plus gros groupe UK, et un des plus grands du monde (le monde, évidemment, ne comprend pas la grande île au large de l'Atlantique). Malheureusement, et c'est souvent le cas (voir récemment Kings of Leon), le succès populaire va de pair avec une méchante chute de qualité et de créativité. Black Holes and Revelations, l'album de la consécration, était probablement le moins bon, et les moments sympas (le surprenant comeback single Supermassive Black Hole) étaient dominés par le grand n'importe quoi (Knights of Cydonia) ou pire, le vraiment horrible (Starlight).

On ne pouvait donc pas s'attendre à grand chose de ce Resistance, surtout que les titres et le concept ne poussaient pas vraiment à l'optimisme, la parano politique du guitariste-miauleur Matthew Bellamy étant vite lassante. Les deux morceaux avant-coureurs n'ont pas aidé : United States of Eurasia commence comme une bête ballade, avant de "s'inspirer", une fois de plus, de Queen, alors que Uprising fait encore plus fort, plagiant facilement une dizaine de morceaux connus, une habitude chez Muse. Mais bon, si on est de bonne humeur, on peut aller chercher quelques éléments sympas, comme le refrain étonnant et très catchy du morceau-titre, l'intro musclée de Unnatural Selection (la suite est moins fun) ou l'assez carré MK Ultra.

Malheureusement, The Resistance est surtout le véhicule de l'ego de Bellamy, guitariste hors pair qui néglige ses guitares pour se focaliser ici sur le piano et le pompeux. Undisclosed Desires est totalement infâme, sorte de saloperie RnB rejetée par Boyz II Men en 1995 alors que I Belong To You (avec son piano cabaret parisien) se termine par un Bellamy qui ne trouve rien de mieux que de chanter un bout du Samson et Dalila de Camille Saint-Saëns, en français. Ce qui donne, en gros, "riiiiipooooonza ma tendwessseeeeuuu". C'est mignon. L'album se termine avec la fameuse symphonie dont Bellamy parle depuis des années, et qu'il a eu la funeste idée de terminer. Enfin, soyons honnêtes : ce n'est pas mauvais, l'orchestre assure, mais on ne voit pas trop l'intérêt de ces dix minutes qui ne vont nulle part, et qui sont loin d'être le morceau épique promis.

Difficile de haïr The Resistance, qui est plus plat que le précédent. Au moins, il était très facile de détester Starlight ou Invincible, ici, on écoute une fois, on soupire et on passe son chemin. Vraiment dommage pour un groupe qui était prometteur, qui a sorti un très bon album, mais qui se perd en chemin depuis maintenant trop longtemps.

Thrice - Beggars

2009-09-08T12:59:00.002+02:00

Arctic Monkeys - Humbug

2009-09-01T14:53:00.006+02:00

Les circonstances font qu'on ne peut pas passer à côté : le nouvel album de ceux qui sont peut-être le plus grand groupe anglais depuis Oasis sort en même temps que la séparation (?) de ces derniers. Passage de témoin? Non, parce que les années nous ont fait comprendre qu'Oasis s'est très vite essouflé. Le temps n'est pas encore là pour nous aider à juger les Singes de Sheffield, mais au même moment de leur carrière (le troisième album), ils éclipsent très facilement les frères mancuniens. Pour revenir 10 ans (12, même) en arrière, et terminer cette comparaison, le troisième album d'Oasis (Be Here Now) était extraordinairement attendu. La déception fut proportionnelle à l'attente. Il fallait clairement quelque chose pour qu'Arctic Monkeys passe outre ce piège, et sorte un troisième album qui cimente leur légende. C'est fait.

Humbug est un album exceptionnel à bien des égards. Là où un groupe à gros succès aurait pu simplement continuer à faire la même chose, plus ou moins bien (Oasis, mais plus près de nous Muse, Kaiser Chiefs, par exemple), mais ils ont sorti un album difficile, complexe, pas tellement commercial, mais absolument passionnant. On repense aux paroles du prophétique "Who The Fuck Are Arctic Monkeys", sorti entre leurs deux premiers albums : "don't care if it's marketing suicide, we won't crack or compromise". Marketing suicide, peut-être pas : Humbug est trop bon pour ça, mais l'absence de compromis est là, et se remarque d'entrée.

Les deux premiers morceaux des deux albums précédents étaient rapides d'entrée, et se caractérisaient par la vitesse d'exécution du chanteur Alex Turner. Ici, rien de tout ça, au contraire : Turner a appris que le silence pouvait être très pertinent. "If you can summon the strength - pause réflexive - tow me". C'est une des conclusions qu'on tirera dans quelques paragraphes : Turner a terriblement évolué, comme chanteur mais aussi comme lyriciste. My Propeller, par exemple, est l'expression de la nouvelle passion de Turner pour les moteurs d'avion. Á moins que ce soit une longue métaphore sexuelle? Le morceau peut faire penser au projet parallèle (et excellent) de Turner, The Last Shadow Puppets, car il prouve une grande maturité d'écriture. C'est aussi un des trois morceaux produits par le fidèle James Ford, car le gros de l'album, on le sait, a été géré par un certain Joshua Homme.

Josh Homme. Figure légendaire du rock US, on ne doit plus vraiment le présenter, mais bon : guitariste des légendaires stoners Kyuss, puis frontman de Queens of the Stone Age (dont Songs for the Deaf, 2002, est peut-être le meilleur album rock des années 2000) et tout récemment membre de Them Crooked Vultures, "supergroupe" réunissant Dave Grohl et John Paul Jones, il a proposé aux Monkeys de venir essayer son studio en plein Mojave Desert. Le résultat dépasse tout attente, et même s'il est difficile de dire précisément ce que Homme a apporté au groupe, on peut ressentir à certains endroits un feeling QOTSA. Je ne serais d'ailleurs pas étonné d'apprendre que Homme y a placé quelques guitares, en plus de ses backing vocals inratables.

Crying Lightning, étonnant premier single, a donc été produit par Homme (avec son ingénieur du son attitré, le fantastique Alain Johannes, dont l'importance ne doit pas être sous-estimée), et montre un son étendu, une dynamique basse-batterie époustouflante et une histoire pleine de détails, comme Turner sait si bien les écrire. Dangerous Animals, qui suit, est peut-être un peu moins immédiat (même si l'album est clairement de ceux qui s'améliorent au fil des écoutes) à cause d'un refrain trop mécanique, mais montre à quel point le guitariste Jamie Cook a augmenté ses possibilités, et exprime une créativité hors pair. Arctic Monkeys, c'est un vrai groupe, avec quatre excellents musiciens. Qui l'eut cru?

Humbug est dense, nettement moins frénétique que Favourite Worst Nightmare, mais comporte quand même quelques morceaux lents à tomber par terre. Secret Door, le premier, commence calmement, avec la voix de Turner éloignée, sur un fond de guitares psyché, avant de devenir un hymne énorme, sensible et sensé, qui rappelle en même temps Ennio Morricone et Morrissey, Kyuss et ... Oasis. Même si Turner utilise des mots compliqués avec trois syllabes. Quelques pistes plus loin, Cornerstone est moins anthémique (néologisme du jour) mais très émouvant. On suit le narrateur, qui passe de pub en pub en espérant retrouver son amour, et demandant à chaque fille qu'il croise s'il peut l'appeler du prénom de sa douce... La pathétique résolution de l'histoire la rend encore plus poignante. Juste une très belle chanson, intercalée entre plusieurs morceaux plus secs, Potion Approaching et Fire And The Thud

Il est probable que Mr Homme a fait plus que chuchoter le refrain, tant le morceau pourrait presque sortir d'un des deux derniers QOTSA. Mais malgré son clin d'oeil à Very Ape (Nirvana), il est loin d'être un plagiat ou morceau peu inspiré. Alors qu'il semble se répéter, il effectue un virage à 180 degrés, avec un bridge fait de "ooh-oohs" inquiétants, et d'une basse ronflante. Le "potion approaching... shield your eyes" de Turner est carrément inquiétant, et ensuite, le morceau repart à pleine vitesse, jusqu'à un coda improbable. Nous sommes alors à la moitié de l'album, et la sensation est double : non seulement, on est surpris, limite perdu, mais terriblement impressionné. Ce qui ne changera pas.

Fire And The Thud, quant à lui débute dans la même veine Morriconesque subtile, mais se change vite (après un solo très Homme) en un monstre à deux têtes avec Alison Mosshart qui apporte sa légendaire intensité et tension sexuelle. Il est encore est toujours question de tension, et de densité dans les trois dernières pistes de l'album. Dance Little Liar exprime une fois de plus la nouvelle subtilité du groupe, et se termine avec un jeu de guitare absolument époustouflant. Turner continue dans son registre calme, presque éthéré, et cela fonctionne très bien avec le feeling psychédélique qui confirme le relatif cliché de l'enregistrement dans le désert, avec Homme et ses plantes...

Pretty Visitors est de loin le morceau le plus rapide de l'album, mais ce n'est pas I Bet You Look Good on the Dancefloor pour autant, surtout si on tient en compte un break très très lourd (genre Sabbath, lourd comme ça). Témoignage ultime de l'excellence du batteur Matt Helders, Pretty Visitors voit aussi Turner s'essayer à des paroles plus obtuses, mais tellement catchy ("what came first, the chicken or the dickhead?"). Le dernier morceau de l'album était aussi très attendu, car il fallait suivre 505 ou A Certain Romance. Fatalement, les Monkeys ont fait le contraire de ce qu'on pouvait attendre, avec un morceau fantomatique, aux accents de fête foraine qui tourne assez mal. Lysergique, éthérée, ce genre de cliché fonctionne assez bien, pour un morceau réflexif, qui clôture un album court (autre leçon apprise : moins de morceaux = moins de chance de baisse de niveau), invraisemblablement fantastique et totalement inattendu.

On se verrait presque espérer que le groupe se sépare maintenant. Parce que franchement, que faire, maintenant? Rien que penser qu'il y a cinq ans, le groupe était inconnu est vertigineux. Leur progression est aussi improbable qu'impressionnante, mais comment vont-ils suivre Humbug, comment vont-ils faire là où tout le monde, ou presque, a échoué? C'est cette peur, ce danger constant, cette stressante impossbilité de prédire l'étape suivante qui rend le rock 'n roll viscéral et attirant. Arctic Monkeys est un des seuls groupes encore capables de faire surgir cette étincelle qu'on pouvait croire éteinte depuis longtemps. Humbug prouve le contraire, et Arctic Monkeys continuera probablement à le prouver. Finalement, qu'on laisse les mauvais groupes se séparer : on a trop besoin des bons.

Dredg - The Pariah, The Parrot And The Delusion

2009-08-10T09:00:00.002+02:00

Dredg est un groupe quasi mythique de l'underground indie US, à savoir un groupe forcément excellent, culte pour ceux qui ont eu la chance de le découvrir, mais totalement inconnu du reste du monde. The Pariah, The Parrot And The Delusion est leur quatrième album, et même s'il n'est pas toujours facile d'accès, il pourrait plaire à beaucoup de monde. L'album semble être basé autour d'une nouvelle de Salman Rushdie, et est effectivement assez conceptuel : il comprend assez peu de pauses, la musique continuant d'une piste à l'autre, sans brusque coupure. De même, les morceaux "classiques" sont suivis d'instrumentaux de type impro, et d'interludes plus expérimentales. Le tout fait un ensemble cohérent, et qui comprend son lot de fulgurances.

La musique de Dredg est assez difficile à décrire, simplement parce qu'elle est très variée. Au sein d'un même morceau, on peut éntendre des éléments électro à côté d'instruments plus habituels, qui créent des moments de calme alternant avec d'autres plus vigoureux (il ne faut pas exagérer non plus). Le tout servi par la voix pas spécialement remarquable, mais agréable de Gavin Hayes, qu'on pourrait comparer à Colin Meloy des Decemberists, mais plutôt pour la caractère littéraire de sa diction et des paroles. Le thème d'Ireland, par exemple, pourrait tout à fait convenir aux Decemberists. Les atmosphères sont aussi différentes, passant de l'intimiste au quasi-Muse. Ce qui est parfois assez déroutant, mais cela fait partie du charme de l'album. Même chose pour les interludes, qui sont parfait très frustrantes à cause de leur brièveté (R U OK?, par exemple).

tout cela est très bien, mais parfois, les albums concept ont la mauvaise idée d'omettre quelque chose d'assez important : des bonnes chansons. Et même si finalement, on en a assez peu (une dizaine, sur 18 morceaux), on en a sans problème : Light Switch, qui commence par un riff bluesy avant de devenir assez mouvementé, le cinématographique Gathering Pebbles, l'excellent The Information et son refrain radio-friendly-mais-cool-quand-même ou encore Mourning This Morning et des cordes très funk vintage.

C'est évidemment en tant qu'album cohérent que The Pariah, The Parrot And The Delusion fonctionne le mieux, et offre une expérience musicale agréable, loin des concepts inécoutables de certains groupes, mais aussi loin de la facilité insultante d'autres. Encore un groupe injustement méconnu, Dredg mérite votre attention.

The Dead Weather - Horehound

2009-08-06T23:21:00.004+02:00

Jack White ne se repose jamais. Après The White Stripes et The Raconteurs, voilà qu'il forme un troisième groupe, The Dead Weather. Et pas avec n'importe qui : l'accompagnent Dean Fertita (Queens of the Stone Age, guitare et claviers), Jack Lawrence (Greenhornes et Raconteurs, basse) et Alison Mosshart (alias VV dans The Kills, voix et guitare). Mais alors? Oui, Jack White est à la batterie la plupart du temps, pourquoi pas.

On peut facilement imaginer ce que le groupe jouera rien qu'en voyant sa composition : du rock n roll bien blues, et c'est exactement ce qu'on a. Les guitares sont poisseuses et la batterie sèche, on voit que Jack a bien regardé sa "soeur". Mosshart, quant à elle, est déchaînée, entraînant son groupe avec une énergie organique intense. Tout cela semble donc formidable. Mais? Oui, comme souvent, il y a un mais.

Les morceaux. Pas qu'il soient mauvais, loin de là : 60 Feet Tall, Hang You From The Heavens, Treat Me Like a Mother ou encore l'impressionnant final blues Will There Be Enough Water sont très bons dans leur genre, mais non seulement ils supportent mal les écoutes successives, mais en plus, il rendent les autres morceaux vraiment pas terribles, comme Cut Like A Buffalo, nouvelle expérience bizarre de White, sauf que cette fois (reggae? vraiment, Jack?), ça ne passe pas. Le problème est peut-être que The Dead Weather ne fonctionne pas vraiment comme un groupe : seuls trois morceaux sont écrits par le groupe entier. Finalement, c'est Mosshart qui sauve le coup, tant par sa présence que par ses compositions : le meilleur moment de l'album est sans doute sa bataille vocale avec Jack White sur Rocking Horse. Et en parlant de cheval, la reprise dérangée de New Pony (Dylan) n'est pas mal non plus.

Difficile donc de bien apprécier un album pas vraiment convaincant, d'un groupe qui ne semble pas (encore?) bien cimenté. Jack White semble hésiter entre relatif anonymat (batterie, compos des autres membres) et leadership (voix, batterie mixée en avant), et plombe un peu le concept même Dead Weather. L'avenir nous dira, entre White Stripes et Raconteurs, la place que Dead Weather gardera chez White, mais on a quand même envie de plus et de mieux. Horehound reste toutefois un album plus que décent, mais (très stupide proverbe à venir) qui aime bien châtie bien.

Brokencyde - I'm Not a Fan But The Kids Like It

2009-08-02T15:03:00.003+02:00

Street Sweeper Social Club - Street Sweeper Social Club

2009-07-28T17:43:00.002+02:00

Malgré le succès de leur tournée de reformation, Rage Against The Machine ne semble pas pressé de remettre ça, et encore moins d'enregistrer un nouvel album. Ce qui n'est sans doute pas un mal. Les deux membres "principaux" de Rage peuvent se concentrer sur leurs autres projets : One Day As A Lion pour Zack de la Rocha; The Nightwatchman & Street Sweeper Social Club pour Tom Morello. Nightwatchman n'ayant pas vraiment provoqué l'hystérie collective, Morello revient à quelque chose d'un peu plus classique : un groupe de funk/metal avec un rappeur, cette fois Boots Riley.

Forcément, un tel projet appelle les comparaisons. Et même si quelques riffs et solos de Morello peuvent rappeler son passé, on est vraiment face à un nouveau groupe : Rage n'aurait jamais enregistré les "whoohohohoooo" de 100 Little Curses, par exemple. De même, le flow de Riley est plus fluide et moins engagé que celui de Zack, mais il reste très compétent pour le job. C'est juste qu'on n'a rien de très inspiré. Il faut aller trouver profondément des petites pépites comme le très dansant (si!) Promenade ou l'intro plus Morello que ça tu meurs de Megablast, mais on ne peut pas s'empêcher de penser que Morello gâche un peu son talent, alternant entre le rock classique et le funk/metal à la you-know-who. Boots Riley, quant à lui, est un MC talentueux, mais qui a parfois du mal à garder l'attention, et peut devenir assez ennuyeux.

SSSC n'est pas le pire projet dans lequel Morello s'est retrouvé (grand merci à Chris Cornell pour ça), mais n'est pas le meilleur non plus. On dirait qu'ils ont du mal a trouver leur place, face à un tel passé. Pourtant, si Morello veut tourner la page, il devra bien y penser un jour. En attendant, SSSC reste un album sympa, estival, mais qui sera vite oublié.

Dinosaur Jr. - Farm

2009-07-25T00:07:00.004+02:00

Quand j'ai correctement écouté pour la première fois le nouvel album de Dinosaur Jr. (en vinyl!), j'ai commencé par une petite angoisse : et si c'était mauvais? Et si Beyond n'était qu'une exception? Parce qu'il faut bien le souligner : les groupes qui se reforment, quand ils arrivent à pondre un nouvel album (Pixies, je vous regarde), ce n'est généralement pas terrible. Par contre, Beyond (2007), premier album du lineup classique de Dinosaur Jr. depuis 1988 arrivait sans problème au sommet de leur discographie, avec Bug et You're Living All Over Me, effaçant ainsi 20 ans d'égarements de J Mascis.

Version courte : pas besoin de s'inquièter, Farm est fantastique. Vraiment fantastique. Il est, de plus, assez différent de Beyond tout en restant totalement inimitable. Inimitable, parce que tout est là, une fois de plus : la batterie puissante de Murph, la basse rageuse de Lou Barlow, et forcément le duo indifférenciable guitare/voix de J Mascis. L'album est classique d'un bout à l'autre, dès le remier morceau, Pieces. Tout y est, et on n'arrive pas à faire mieux que ça. Farm est parfois puissant et lourd, souvent calme, mais toujours très inspiré.

Farm, encore plus que d'habitude, est un album de guitare. Celle de J Mascis, un des meilleurs guitaristes de tous les temps, simplement. Pas seulement un des plus doués techniquement, mais surtout, surtout, il l'est grâce à la manière dont il arrive à s'exprimer à travers elle. Au risque de paraître cliché, c'est l'âme et le coeur de l'artiste qui transpirent de chaque accord, de chaque note, de chaque solo. Peu de monde, dans l'histoire du rock, y est parvenu à ce point. Les solos de J Mascis (et il y en a partout, parfois avec sa voix dessus, parfois dépassant les quatre minutes) sont autant de poèmes récités par un homme qui n'a jamais apprécié sa voix. Mais il a tort : aussi techniquement limitée puisse-t-elle être, sa voix est un parfait complément au romantisme extrême de ses compositions, ajoutant une note aigre-douce parfois déchirante.

Il suffit d'écouter Ocean In The Way : arrivé au refrain, il n'a rien d'autre à dire qu'un "mamamamamama" qui est juste parfait, au bon endroit, au bon moment. Et tant qu'à faire, il le fait suivre d'un double solo de guitare simultané fabuleux. Farm, parfois, semble surnaturel. J'ai du mal à comprendre comment il est possible d'écrire des morceaux aussi beaux, simplement beaux, que Plans, ou See You. Mais il semble que Mascis peut le faire, car Farm est un album moins agressif, moins rentre-dedans : There's No Here commence assez fort, mais se calme après, tout comme un Said The People entraîné par un Murph au sommet de sa forme. Over It est l'ovni de l'album, single au gimmick assez marrant, mais il a l'avantage de détendre un peu une atmosphère éthérée, lyrique. Lou Barlow a écrit deux morceaux, dont l'excellent Your Weather et Imagination Blind, bizarrement claqué en toute fin d'album. Le meilleur restant pour la fin, avec I Don't Wanna Go There. Neuf minutes, dont quatre de solo, et pas une seconde ne semble superflue. Dommage qu'il ne clôture donc pas l'album.

Je pourrais parler de chaque morceau en termes extrêmement élogieux, mais une fois de plus, la musique doit parler d'elle-même. Farm étant un des meilleurs albums du vingt-et-unième siècle, il serait criminel de passer à côté. Et le son sortant de J Mascis est un de mes sons préférés sur terre.

Danger Mouse & Sparklehorse - Dark Night Of The Soul

2009-07-12T08:00:00.004+02:00

Brian Burton, alias Danger Mouse, s'est fait connaître en 2004 avec le Grey Album, mashup non autorisé mixant le Black Album de Jay-Z avec l'éponyme des Beatles. Le résultat, étonnant, fut massivement téléchargé, et il n'en fallait pas plus pour que Danger Mouse se fasse engager par Damon Albarn pour produire Demon Days et The Good The Bad & The Queen, tout en participant à d'autres projets, comme le commercialement réussi Gnarls Barkley.

Cette fois, la collaboration est encore plus impressionnante : non seulement il engage Sparklehorse comme backing band et une myriade de noms respectés comme voix invitées, mais l'album s'accompagne de photos prises pour l'occasion par David Lynch, rien que ça. Mais, forcément, c'était trop beau : EMI a une fois de plus pété un plomb, et refuse de sortir l'album tant qu'une sombre affaire de contrat n'est pas résolu. Coutumier de ce genre de situation, DM ne s'est pas dégonflé, et là où devait se trouver le cd dans le livre de photos se trouve... un cd vierge. Le message est on ne peut plus clair, allez faire un tour sur mon Tumblr pour plus de détails. Et l'album?

Comme on pouvait s'en douter, c'est une drôle de bête. Chaque morceau a son identité propre généralement apportée par son vocaliste, mais Danger Mouse tord et trafique les sons, parfois jusqu'à l'excès, pouvant transformer la plus tranquille folk song en créature de Frankenstein bipolaire. Pourtant, l'album commence assez sagement, avec d'abord un Wayne Coyne (Flaming Lips) fort discret et Gruff Rhys (Super Furry Animals) en mode ballade psyché seventies, rien de très inhabituel, donc. Mais la production subtile et précise de Danger Mouse donne un caractère fort à chacun des morceaux : ainsi, l'orgue Hammond de Jaykub, chanté de manière inimitable par Jason Lytle lui confère une chaleur presque intemporelle.

Les morceaux correspondent plus aux vocalistes que le contraire : Julian Casablancas (qui devrait d'ailleurs recommencer à bosser avec son petit groupe sympa) est toujours aussi cool sans aucun effort, mais le final voit sa voix totalement manipulée par Danger Mouse. Même chose pour le morceau évidemment plus rock (grosses guitares et tout) de Black Francis, alors que cette vieille branche (ou plutôt vieux tronc) d'Iggy Pop nous sort un truc carrément punk. A chaque fois, le même schéma : un territoire assez prévisible, mais DM nous emmène à chaque fois hors des sentiers balisés. L'album compte quand même quelques moments moins fort, dont deux morceaux chantés un peu n'importe comment par un David Lynch qui ne peut pas être excellent dans tout. De même, malgré ses efforts, personne n'arrivera à rendre Suzanne Vega intéressante. Heureusement, le duo entre Mark Linkous (Sparklehorse) et Nina Persson est un autre moment fort avec un morceau simplement mélodique, alors que James Mercer (The Shins) donne totalement son sens au titre "Insane Lullaby". On doit encore citer le deuxième morceau de Lytle, aux claviers de fête foraine fantômatique, et on se rend compte que chaque piste, ou presque, est passionnante.

Dark Night of the Soul est une expérience, et comme toutes les expériences, elle comprend sa dose de risques et d'éventuels échecs. Danger Mouse, le cerveau derrière tout cela, n'a pas choisi la voie de la facilité, et on l'en remercie. Vu que l'album est facilement disponible, on ne peut qu'honorer sa demande, et se le procurer le plus vite possible.

Incubus - Monuments And Melodies

2009-07-09T14:48:00.003+02:00

Je n'aime pas les best of pour plein de raisons, notamment parce que je préfère écouter les albums entièrement, ou du moins en contexte. Ils peuvent quand même être appréciables, comme la récente compile de Blur le prouve. Ici, not so much. On le sait, Incubus a progressivement changé de style, délaissant leur funk/rap/light metal de leurs débuts vers une consensualisation tout de même parfois appréciable. Ce phénomène, connu sous de non de redhotchilipepperisation est assez fréquent, et ne dure généralement pas longtemps, le groupe finissant par imploser ou, plus souvent, tomber dans l'oubli le plus total. Avant donc qu'on les oublie, Incubus sort un double best of totalement à côté de la plaque.

Ok, Incubus méprise leurs deux premiers albums, mais S.C.I.E.N.C.E. est assez souvent considéré comme étant leur meilleur : ne pas inclure un seul morceau est une stupidité sans nom. Et les albums suivants souffrent aussi : pas de Just a Phase, ni de Circles, ni de Sick Sad Little World, par exemple. Par contre, on doit se taper les jérémiades pseudo-sentimentales de Brandon Boyd, qui devient de plus en plus insupportable avec l'âge. "Love hurts, and sometimes it's the good hurt." Ouais, c'est ça. Heureusement (?) les "hits" ne sont qu'une partie de ce que la compilation offre, voyons voir si elle apporte quand même quelque chose de plus.

D'abord, le premier cd est encadré par deux inédits en fait assez décents, et un peu moins safe que d'habitude. Ensuite, le second cd est composé de faces B et d'inédits de qualité inégale, mais Look Alive, Pantomime, While All The Vultures Feed auraient pu se retrouver sur le premier disque. Là aussi, on se demande où se trouve Make a Move, Follow ou encore Crowded Elevator. Le cd se clôture par une version sympathique de Let's Go Crazy (Prince), même si on ne voit pas trop l'intérêt de réécouter la compilation. Et c'est là qu'Incubus (enfin, Sony) était censé avoir une idée de génie : l'achat de la compilation donne droit à un code, qui permet de débloquer "The Vault", soit plus de 500 mp3/vidéos. Sympa? Oui, en principe. Sauf que dans les 500 morceaux en question, on retrouve déjà tous les albums/singles/vidéos officielles, réduisant les vraies raretés à peau de chagrin. Mais finalement, quand on voit la qualité moyenne du catalogue d'un groupe assez insignifiant, on n'a pas vraiment de raison de vouloir entendre des raretés. Mais j'aime bien la pochette.

Future Of The Left - Travels With Myself And Another

2009-07-06T08:15:00.003+02:00

Vous savez ce que j'aime? Le risque et l'incertitude. Écouter un album dont j'attends beaucoup, pour me rendre compte après un petit temps que mes attentes sont satisfaites, voire dépassées. Ce qui arrive assez peu souvent, il faut le reconnaître. Mais en ce qui concerne Andy "Falco" Falkous, c'est régulier. Mclusky était incapable de se planter, et quand le groupe s'est séparé et que Falco a créé Future of the Left, le risque était grand. Curses fut un fantastique album. Ensuite venait le moment du second, avec le danger classique du "sophomore slump". Une fois de plus, Falco a défié toute attente, avec un album excellent, alliant les compositions plus poppy (enfin, tout est très relatif) de FOTL avec l'attitude que Mclusky a toujours eu.

L'album commence avec quelques secondes de calme, mais l'assaut sonique n'allait pas tarder à commencer, avec la guitare brute de Falco, la basse vrombissante de Kelson Mathias (ex-Jarcrew, tant qu'on est dans le namedropping) alliée à la rythmique puissante de Jack Egglestone (ex Mclusky aussi). FOTL a ajouté une utilisation régulière du tellement peu punk clavier, mais il s'insère cette fois mieux dans les compos, comme si le groupe avait appris à l'intégrer entièrement. On est alors partis pour trente-trois minutes intenses, puissantes mais toujours précises : Falco a toujours insisté sur l'écriture de vraies chansons, comme en témoigne un des autres points forts du groupe, les paroles ironiques/amusantes/franchement barrées. Throwing Bricks At Trains raconte exactement ce que le titre annonce, un raid de deux types qui voudraient commencer une révolution. En lançant des pierres du haut d'un pont.

Ce que FOTL a de plus que Mclusky, c'est une étonnante recherche mélodique, qui pourrait un jour, dans un univers parallèle, leur valoir un hit. I Am Civil Service est le morceau qui s'y rapproche le plus, avec un refrain très catchy, mais avec des paroles comme "If I eat what I fuck, and I fuck what I eat, am I worthy?", c'est pas encore pour tout de suite. Juste après, Land Of My Formers est assez dingue, avec la voix de Falco s'élevant dans un nuage de bruit.

La seconde moitié de l'album est peut-être un chouïa en retrait, mais l'attaque personnelle contre les tenanciers des salles de concerts Barfly (That Damned Fly) est hilarante. Le dernier morceau (le seul dépassant les quatre minutes) est un monument à lui tout seul, synthétisant le groupe, avec paroles grinçantes ("Morgan Freeman would roll in his grave") et dynamique quiet/loud schizo.

C'est donc une confirmation impressionnante : Future of the Left est un groupe en tant que tel, et n'a déjà plus vraiment besoin des incessantes comparaisons avec le passé glorieux des différentes membres. Mais ce qui est encore plus rassurant, c'est que même si FOTL devait exploser, on sait que Falco reviendra, encore meilleur. Et ça, c'est un sentiment inestimable.

Isaïah - Ils consomment, tuent et prient mais ne pensent pas

2009-07-03T21:51:00.002+02:00

Spinnerette - Spinnerette

2009-06-26T14:15:00.001+02:00

Un rapide recadrage : Brody Dalle, la chanteuse de Spinnerette, est l'ex-chanteuse des très punk Distillers, et l'ex-madame Tim "Rancid" Armstrong. Maintenant, elle est mariée à Josh Homme (Queens of the Stone Age), et donc, fait du QOTSA. Juste? Pas loin, en fait.

Spinnerette est censé être un nouveau groupe, mais aux membres très expérimentés : à Dalle s'ajoutent un autre ex-Distillers, Tony Bevilacqua (guitare) mais aussi Alain Johannes (QOTSA, Eleven) à la basse, et cette vieille branche trop rare de Jack Irons (Red Hot, Pearl Jam) derrière les fûts. Pas d'amateurisme, donc.

Ghetto Love, premier morceau, sonne effectivement plus QOTSA que nature, mais l'album est étonnament varié, avec comme point commun la voix de Brody, totalement inmanquable et inimitable. Elle peut irriter, certes, mais n'empêche, c'est elle qui porte Spinnerette sur ses épaules, d'ailleurs, vu que le groupe varie selon les tournées, on peut dire qu'elle est Spinnerette.

Et donc, l'album se passe tranquillement, sans coup d'éclat majeur mais sans baisse de régime. Et c'est là son principal défaut : on a rien vraiment à dire, c'est bien, mais sans plus, quoi. Brody s'essaie un peu aux beats dance (Baptism By Fire) et essaie de chanter (le joli Distorting The Code), mais tombe parfois dans le lourdaud (Sex Bomb, même si je n'oserais jamais dire ça à Josh). Pas mauvais, mais pas franchement intéressant non plus. Dommage.

Blur - Midlife : A Beginner's Guide to Blur

2009-06-19T14:21:00.001+02:00

Lors de la première vie de Blur, avant le récent et sensationnel retour de Graham Coxon, un Best Of était sorti, en 2000. Il avait été sévèrement critiqué, voire ridiculisé, car il ne comprenait que les gros succès du groupe, étant ainsi plus proche d'un Greatest Hits, et omettant ainsi énormément d'excellents morceaux d'album. Midlife (évidemment une opportunité d'encaisser du pognon sur le dos de leur tournée estivale, mais c'est comme ça que le business fonctionne, maintenant) corrige le tir, en modifiant drastiquement la liste des chansons.

Non seulement Midlife ajoute une quinzaine de morceaux, mais il en retire aussi sept, ce qui peut sembler étonnant. Néanmoins, malgré leur succès commercial, Country House et Charmless Man ne constituent pas vraiment des morceaux de choix, contrairement à To The End ou No Distance Left To Run, mais il fallait faire des choix. De même, pas d'inédits. On aurait sans doute pu racler les fonds de tiroirs, mais non, on a ici simplement 25 extraits déjà connus (et quelques versions alternatives). Enfin, les modifications ont sans doute aussi un but commercial, le pauvre gars qui avait déjà The Best Of a quelques bonnes raisons d'acquérir celui-ci. Même s'il est probable qu'il a depuis chopé d'une manière ou d'une autre la discographie du meilleur groupe anglais des années 90. L'album valant totalement la peine qu'on s'arrête à chaque morceau, voici donc le premier track-by-track de l'histoire de Music Box.

Beetlebum entame les affaires, avec un riff étonnant, même après 30 000 écoutes. Graham Coxon, je l'ai déjà dit maintes fois, est un guitariste absolument exceptionnel, et le prouve d'entrée, avec donc ce riff mais aussi un anti-solo époustouflant. Il est ici juxtaposé au premier gros succès du groupe, Girls and Boys, qui n'est finalement qu'un fantastique tube ironique qui explicite très bien un des thèmes dominants de Blur (même si cela concerne surtout leurs quatre premiers albums), une observation de la société qui n'a sans doute d'équivalent que chez Morrissey. For Tomorrow tombe d'ailleurs exactement dans le thème, on regrettera juste qu'il est présent dans une version alternative un peu traînaillante.

Retour au Royaume de Saint Coxon, avec Coffee + TV, single qu'il chante lui-même. C'est non seulement un moment important dans sa carrière (ses albums solo le prouvaient, et le prouveront encore ensuite) mais aussi le morceau le plus catchy et accessible de 13. Est-ce la peine de dire que son solo de guitare, qui rappelle J Mascis et Thurston Moore, est impeccable? Le final a maintenant un goût particulier : "We can start all over again". Ensuite, Out of Time est justement un des deux morceaux sans Coxon, extrait de Think Tank. Coxon avait quitté (avec fracas) le groupe pendant l'enregistrement de celui-ci, avant de revenir au bercail cette année. Influencé par les expériences africaines de Damon Albarn, Out of Time a totalement sa place sur l'album.

Un des grands intérêts de Midlife, c'est d'inclure des extraits d'albums, et pas seulement des singles. Premier exemple, Blue Jeans, un des meilleurs extraits de Modern Life Is Rubbish, dont le refrain est exactement parfait. Désolé de remettre de l'huile sur ce vieux truc, mais le jour où un Gallagher fera ça... Song 2. Gimmick, mais tellement efficace. Bon exemple du jeu de basse d'Alex James, parce qu'aussi étrangement que cela puisse paraître, le boom du refrain vient principalement de la "lead bass". Pas leur plus grand morceau mais peut-être leur plus connu, surtout aux USA. Ben oui, 2 minutes d'attention,et tout ça, ça marchait super bien aux matches de hockey. L'album est vraiment bien compilé, car après Song 2 arrive Bugman, aux paroles tout aussi obliques et à la disto puissante, cette fois sur la guitare. Excellente illustration de l'expérimentation de 13, je ne m'attendais pas à le trouver ici, surtout qu'après trois minutes, le morceau part dans tous les sens sans jamais revenir à la mélodie de départ.

Autre surprise, He Thought of Cars. The Great Escape, malgré son succès, est le mal aimé dans la disco de Blur. Trop cohérent (!), trop proche de Parklife (leur précédent, et premier gros succès), et sans doute pas assez mémorable. La compile réussit pourtant à extraire trois morceaux excellents, dont celui-ci, parfait représentant du ton tragico-mélancolique de l'album. Gros choc sur le morceau suivant. Death of a Party montrait le début de la phase expérience de Blur, qui allait connaître son paroxysme avec 13. Le morceau est non seulement compris ici (autre surprise) mais dans une version différente, encore plus étrange et supérieure à la version sur Blur. Fantastique morceau, et jusqu'ici, Midlife fait un sans faute.

L'ambiance change de nouveau avec la mégaballade The Universal, qui rappelle à jamais son clip ambiance Orange Mécanique. Une des plus délicates oeuvres jamais mises en musique, The Universal donne envie de rire et de pleurer en même temps, ce qui, vu le thème, est exactement ce qui était voulu. It really, really could happen. And it did happen, si l'on continue la relecture des paroles. Toujours sans transition, on passe à un extrait (le premier, et un des deux) de Leisure, le premier album. Sing, qui se trouve aussi sur la BO du très 90s Trainspotting montre la face shoegaze des débuts d'un groupe qui se cherchait. Pas exactement convaincant, mais il fallait l'inclure, au moins pour le refrain déjà très albarnesque. Enfin, le premier cd se termine avec l'emblématique This Is A Low, candidat classique au titre de meilleur chanson de Blur ou des 90s en général. Des paroles romantiques sur une Angleterre qui ne subissait pas encore Pete Doherty, et surtout, un solo de guitare totalement légendaire. Ainsi se clôture la première moitié de Midlife, probablement le disque le plus exceptionnel qu'il m'ait été donné d'entendre. Tout simplement.

La seconde partie est moins percutante, c'est vrai. Mais elle ne comprend évidemment pas de mauvais morceaux, même si on commence à regretter l'une ou l'autre absence...

Tender. Premier extrait de 13, et single totalement bizarre pour le Blur de l'époque, même si Blur aurait du nous mettre sur la voie. Choeurs gospel, backing vocals à fleur de peau de Coxon, c'est une superbe intro pour 13, et aussi pour ce disque. She's So High est le tout premier single du groupe, et dès les premiers accords, on pouvait déjà déceler que quelque chose de spécial allait se passer. C'est aussi le dernier extrait de Leisure, puisque There's No Other Way n'a pas été repris. Ensuite arrive un nouvel extrait de Modern Life Is Rubbish, Chemical World. Même si le morceau est assez bien considéré, je ne l'ai jamais trop apprécié. Mais c'est vraiment une question de détails. Un autre extrait de Think Tank (le second sans Coxon, donc) suit, et c'est le très sympathique Good Song. Excellent morceau, mais on sent que depuis Tender, le niveau a peut-être un peu diminué. Mais Albarn n'a sans doute jamais chanté aussi bien ("you seem very beautiful to me..."). Coxon ou pas, Think Tank, quand il est bon, est vraiment bon. Parklife, pour moi, n'a jamais été autre chose qu'un morceau gimmick, une suralbionisation Britpop racontée par Phil Daniels. Il devait être sur l'album, clairement, mais ce n'est pas leur morceau le plus glorieux.

Les apparitions successives d'Advert (Modern Life Is Rubbish) et Popscene (standalone single entre les deux premiers albums) attirent l'attention sur ce qui est un (petit) défaut de Midlife : il ne donne pas assez d'exemples de morceaux punk/rapides/funs dont Blur truffait ses albums. Les exemples ne manquaient pourtant pas : Bank Holiday, Chinese Bombs, Movin' On, B.L.U.R.E.M.I., ... Peut-être pas les meilleurs morceaux du groupe, mais un de plus aurait été bienvenu (et n'aurait pas occupé beaucoup de place). Mais mention spéciale pour avoir pensé à inclure le sautillant Popscene, dont c'est la première apparition sur un cd facilement accessible. Stereotypes conclut de belle manière la trilogie The Great Escape avec un morceau sympa, grâce au riff crunchy de Coxon.

On arrive petit à petit à la fin de l'album, et les quatre derniers morceaux sont tous des album tracks, aucun single. Etonnant, mais Midlife prend quelques risques, et c'est très bien comme ça. Trimm Trabb est un des morceaux les plus accessibles de 13, et gagne facilement sa place. Empruntant son nom à des vieilles shoes Adidas, il était parfois préfacé par Albarn chantonnant l'acronyme bien connu "All Day I Dream About Sex". Un des meilleurs extraits de ce qui est sans doute mon album préféré de Blur. Riff entêtant qui se développe lentement, sans avoir peur de faire du bruit. Bad Head est une autre surprise, extrait peu connu mais méritant de Parklife, alors que c'est Strange News From Another Star qui termine de représenter Blur. Très étonnant, mais justifiable. Enfin, Battery In Your Leg, seul Think Tank sur lequel a joué Coxon termine de magnifique manière l'album, tout en prouvant à quel point il est inimitable. Au début, je me demandais pourquoi No Distance Left To Run ne le faisait pas, mais BIYL est plus intéressant, et surtout nettement moins sinistre : comme le titre de la compilation le laisse entendre, les jeux ne sont pas finis pour Blur, on se devait donc de terminer par une note optimiste.

Vous l'aurez compris, Midlife est une merveille totale, et j'aurais vraiment envie d'être la personne qui découvre Blur via cet album, le beginner du sous-titre, qui va ensuite écouter chaque album, et trouver son ou ses préférés. En écoutant Midlife, malgré ses petits défauts (dont un second disque un peu en deçà), on a envie de considérer Blur comme le meilleur groupe anglais des années 90. Et je pense qu'on aurait même raison.

Gallows - Grey Britain

2009-06-17T14:51:00.001+02:00

Sonic Youth - The Eternal

2009-06-14T16:47:00.001+02:00

Que peut-on encore prouver quand on est un groupe légendaire, qui a influencé des générations d'indierockers (ils sont d'ailleurs maintenant chez Matador), et qu'on sort son seizième album (sans compter les EP et albums expérimentaux)? Rien, si ce n'est démontrer qu'on a raison de continuer, et qu'on ne fait pas partie de ces groupes qui auraient du se séparer depuis des années. Sonic Youth n'en fait pas partie, et une fois de plus, The Eternal est un album de grande qualité, avec tous les éléments habituels des derniers SY : accessibles, pas trop expérimentaux mais toujours inimitables. The Eternal suit donc les pas de Sonic Nurse et Rather Ripped, en mixant passages mélodiques avec instrumentation spatiale, chant de Kim Gordon avec celui de Thurston Moore (avec un peu de Lee Ranaldo). En fait, c'est peut-être leur album le plus accessible : Sacred Trickster dure moins de trois minutes, pendant lesquelles tout est dit. Antenna est très joli, Calming The Snake un peu plus punk en attitude alors que Thunderclap For Bobby Pyn est presque pop. C'est alors qu'on pense à Be Your Own Pet, déjà regretté groupe de Nashville emmené par une chanteuse blonde un peu cinglée et au penchant pour le bruit peu consensuel. BYOP, qui était signé sur Ecstatic Peace, le label de Thurston Moore. BYOP, qui est maintenant définitivement un grand groupe, parce que être comparé à Sonic Youth, c'est une chose, mais le contraire est déjà nettement plus surprenant. C'est pourtant à eux qu'on pense partiellement en entendant Sacred Trickster, Thunderclap ou No Way. Mais évidemment, Ranaldo et Moore sont des dieux vivants de la guitare, et leur jeu stupéfiant dégouline de chaque morceau. Comme chaque album du Youth (ou de Dinosaur Jr, par exemple), The Eternal est un long orgasme pour quiconque apprécie les sons de la guitare électrique, et qui se saigneraient les veines pour s'offrir les toutes nouvelles Fender Jazzmaster Signature Series de Moore et Ranaldo. Alors, c'est vrai, après seize albums, Sonic Youth ne se réinvente pas, et ne semble toujours pas vouloir (être capable de?) écrire une vraie chanson. Ils ne sont plus vraiment nécessaire dans le paysage contemporain, mais ils ont la grande décence de refuser d'être mauvais. Ce qui est important à souligner.

Faith No More - The Very Best Definitive Ultimate Greatest Hits Collection

2009-06-09T23:59:00.001+02:00

Cette année, nouveauté : en plus des traditionnelles compiles de Noël, on doit aussi se taper celles des groupes récemment reformés qui tournent cet été. Les deux gros noms sont Blur, avec le double Midlife, qui sort la semaine prochaine et qui est nettement, nettement supérieur au Best Of et Faith No More, qui nous sort ici une sixième compile en 10 ans, d'où le titre auto-ironique.

Même si Blur (on reviendra sur la compile, bien sûr) a souvent été considéré comme un groupe de singles, nombre de leurs meilleurs morceaux se trouvaient cachés entre deux hits. Faith No More n'a pas vraiment eu de hits majeurs, de plus, leurs albums étant généralement tellement éclatés et carrément bizarres que sortir des extraits d'un tout semble incongru. C'est sans doute pour cela que malgré les efforts (six compiles, donc), aucune n'est vraiment satisfaisante.

Celle-ci n'est pas la pire, comprenant dix-huit (excellents, évidemment) morceaux dans un ordre vaguement chronologique. On se demande bien où se trouve The Gentle Art of Making Enemies, mais bizarrement, il manquait déjà à l'appel de la triple anthologie The Works. On conseillera donc au néophyte d'essayer cette compile ou les deux autres décentes (Who Cares A Lot? ou This Is It, les deux restantes étant absolument à éviter), et ensuite d'aller vers les albums studio, seuls témoins valables du caractère exceptionnel de Faith No More.

Petite déception, par contre, pour le second cd, de "raretés". En effet, la majeure partie de celui-ci est constitué de faces B et morceau live qui se trouvaient déjà sur le second cd de Who Cares a Lot. Les deux seules nouveautés sont Sweet Emotion et New Improved Song, jusqu'ici inédite sur sortie commerciale. Il n'empêche, ces morceaux restent tous excellents (mention spéciale à Absolute Zero) et Das Schutzenfest est toujours aussi fantastiquement ridicule.

Une compilation obligatoire, vu le retour du groupe, mais si elle peut servir à aiguiller le plus de monde possible vers les albums, alors, tant mieux : Faith No More le mérite amplement.

Placebo - Battle For The Sun

2009-06-06T17:58:00.003+02:00

C'est qu'il s'accroche,le ptit Brian. Après trois albums en demi-teinte (pour être gentil), il n'a toujours pas décidé de raccrocher. Mieux (?), il a viré le batteur pour prendre une sorte de Travis Barker blond, et s'est apparemment payé quelques implants capillaires. Et il est heureux, Brian. Battle for the Sun est leur album "heureux", c'est en tout cas ce qu'il raconte dans chaque interview. Cela semble terriblement stéréotypé, mais voilà encore quelqu'un qui était nettement meilleur quand il ne l'était pas, heureux. Battle for the Sun continue la lente pente descendante commencée avec Black Market Music sans être spécialement pire que les deux précédents (ou peut-être bien que si, je ne m'en souviens plus).

Quoi de nouveau? Moins de guitares acérées, plus de synthés qui sonnent parfois sympathiquement comme une vieille Nintendo. Des refrains "infectieux" (ce qui est censé être bien, mais personne n'a envie de se choper la grippe molkienne), comme celui, en espagnol, d'Ashtray Heart et parfois un peu d'originalité, comme le sombre rythme de Battle for the Sun, qui fait penser (un tout petit peu, au début) à Pure Morning. A part ça, tout est oublié après une écoute, et c'est bien dommage. Mais qui a encore envie d'entendre Molko ruminer dans son nez des mauvaises rimes à la killer/lover/brother?

On sauvera peut-être du lot le single For What It's Worth, single assez décent et le dancepunk 2002 Breath Underwater. Mais sinon, le groupe est bien loin de celui qui a produit Without You I'm Nothing, où la voix, déjà énervante, de Molko était sauvée par des compos excellentes et une énergie stupéfiante. Maintenant, c'est juste un vieux groupe de cons ramollis.

NOFX - Coaster

2009-06-02T23:06:00.001+02:00

Green Day - 21st Century Breakdown

2009-05-28T13:46:00.001+02:00

Le défi du jour : parler du nouvel album de Green Day sans avoir l'air d'un vieux con. Parce que, voyez-vous, je me rappelle de l'époque où Basket Case passait sur MTV (et donc, de l'époque où MTV diffusait de la musique). En conséquence, je suis plutôt un amateur de la première période, vu que Green Day est un des rares groupes a avoir réussi à avoir deux groupes de fans de tranches d'âges différentes, grâce au carton d'American Idiot, il y a cinq ans. J'avais d'ailleurs été enthousiasmé par ce retour percutant, alliant relevance politique à un renouvellement musical, même si l'album devenait fatigant au fil des écoutes. Maintenant adoubé dans le clan fermé des immmmenses groupes de stade (avec U2 et Coldplay, sans doute les seuls groupes mainstream pouvant rivaliser), Green Day pouvait se permettre aussi de sortir une grosse merde et la vendre par millions. Et voilà, c'est fait.

Grosse merde, non, c'est quand même exagéré. Mais 21st Century Breakdown est très, très faible. Divisé en trois actes, l'album ressemble en effet à une comédie musicale, centré sur les personnages de Gloria et Christian (sic). Donc, la majorité des morceaux commencent calmement, piano, guitare acoustique, mais après, bam, pause dramatique et on a droit à un peu de bruit. Oh, rien de bien terrible non plus, juste assez pour faire sauter des ados sur leur matelas. Comme en 95, ok, mais en nettement moins bien. Le premier acte est comme ça, intro longues et ennuyeuses et le single Know Your Enemy, qui a au moins le mérite d'être assez catchy. Il suffit d'écouter Before The Lobotomy pour réaliser : "dreamiiiiing, I was only dreamiiiing". West Side Story power. La seconde moitié est tellement percutante qu'on n'y retient rien, juste plus de ballades que d'habitude. La troisième comprend quand même deux chouettes morceaux : Horseshoes And Handgrenades, totalement pompé sur The Hives (tout l'album, y compris la pochette, est méchamment sous influence) et American Eulogy, double morceau sans aucun doute le meilleur du lot. 21 Guns est super marrant, ceci dit, avec BJ qui essaie de chanter dans les aigus. Une grosse et bête ballade finit un album trop long, trop lourd, peu mémorable et qui dont il est fort difficile de trouver qu'il n'est pas le moins bon album du groupe. Mais ça va se vendre...

Manic Street Preachers - Journal for Plague Lovers

2009-05-26T04:00:00.002+02:00

L'histoire des Manic Street Preachers est une des plus troublées du rock contemporain (on y reviendra dans quelques jours/semaines, d'ailleurs), la disparition de Richey Edwards en 1995 étant l'étape la plus tragique. Presque quinze ans et cinq albums plus tard, les trois membres restants ont choisi de sortir un album construit autour de ses paroles et enregistrés par le producteur préféré d'Edwards, Steve Albini.

Très vite, un parallèle est fait entre cet album et The Holy Bible, chef d'oeuvre du groupe (et un des albums les plus fascinants de tous les temps) aux paroles très personnelles écrites par Edwards, et à l'ambiance phénoménalement étouffante (et une autre peinture de Jenny Saville en pochette). ll n'en est rien. On trouvera juste quelques points communs, dont (forcément) un usage similaire d'une certaine imagerie, ou quelques lignes de basse. Mais Journal for Plague Lovers est un album différent, ce qui ne l'empêche pas d'être sans problème le meilleur album des Manics depuis plus de dix ans.

Peeled Apples, pour troubler les pistes, commence par un élement très Holy Bible : le sample d'un film, en l'occurence l'extraordinaire The Machinist, avec un Christian Bale dont on dit que le personnage ressemblait fort à Edwards, qui était atteint d'anorexie sévère. Ensuite, une basse pouvant faire penser à Archives of Pain ou Of Walking Abortion, mais ce sera tout : les paroles d'Edwards (ici et ailleurs) sont moins sombres, parfois d'ailleurs teintées d'humour, et musicalement, l'album est plus aéré. Reste qu'il faut quasi toujours avoir les paroles devant les yeux : comme avant, James Dean Bradfield et Sean Moore ont du écrire la musique autour de textes indépendants. Mais même à ce point de vue là, on est loin de Yes ou ifwhiteamericawouldtellthetruthforonedayit'sworldwouldfallapart. Il a quand même fallu du temps pour que je comprenne que le morceau ne commençait pas par "The Morrissey, the less ice cream", hélas. On retrouvera plus loin des références à Noam Chomsky (écrites il y a 15 ans et plus, rappelez-vous) et une phrase typiquement Edwardsienne : "The Levi jeans will always be stronger than the uzi". Bon, et Peeled Apples ressemble aussi à Temptation de Heaven 17. Mais pas à Satriani.

En parlant d'humour et de textes, que dire de Jackie Collins Existential Question Time, et sa question introductive ("If a married man fucks a Catholic and his wife dies without knowing, does it make him unfaithful?"), suivie d'un refrain très infectieux :"Oh Mommy what's a sex pistol?". La guitare de Bradfield fait merveille, et les comparaisons initiales avec Holy Bible sont maintenant dissipées : on peut simplement écouter l'album pour ce qu'il est. Le trio d'intro se termine avec Me & Stephen Hawking, et un couplet sur du lait transgénique contenant des protéines humaines. Ok, mais le morceau est top, malgré un refrain un peu anti-climactique. On avait presque oublié à quel point ce groupe peut être bon. Autre point positif de l'album : la moitié des morceaux fait moins de trois minutes, et ne se perd donc pas en chemin.

La première moitié de l'album reste dans la même veine, alliant fulgurances textuelles avec des morceaux bien foutus et surtout pleins de vie : pour la première fois depuis longtemps, on n'a plus l'impression d'entendre trois vieux types, certes talentueux, mais qui sortent des albums comme on visse des portes de bagnoles chez Opel. Ou plutôt Vauxhall. Cet album à une âme.

Pour revenir à Steve Albini, il a exactement fait ce qu'on attend de lui : un enregistrement très sec, très live, mais pas spécialement proche de In Utero, comme Edwards le voulait : les Manics ne sont simplement pas Nirvana, pour un bien et pour un mal. Ce qui n'empêche pas She Bathed Herself in a Bath of Bleach d'avoir une sorte d'esprit Nirvana, tout en disto crapuleuse à la Rape Me, et en batterie claquante, Sean Moore étant une fois de plus l'arme plus vraiment secrète du groupe. Facing Page : Top Left introduit une harpe, qui rappelle évidemment la ballade (écrite par Edwards) d'Everything Must Go, Small Black Flowers That Grow In The Sky. Elle est tout aussi jolie, et bénéficie d'une refrain à la consonnance fabuleuse : "This beauty here dipping neophobia", allez y, chantez pour voir.

La seconde moitié de l'album est sans doute moins puissante : Marlon JD parle de Brando (mais personne ne sait ce que JD veut dire), et est écrite par le bassiste et habituel lyriciste, Nicky Wire. Wire s'améliore clairement en tant que compositeur, mais le morceau n'a pas trop le niveau des précédents, sans doute à cause d'une prestation vocale en demi-teinte (ou plutôt d'un effet vocal douteux) et d'une boîte à rythme incongrue. Mais chouette guitare, une fois de plus. Doors Slowly Closing et All Is Vanity sont les deux derniers grands morceaux de l'album, le premier avec une ligne mélodique rare mais superbe, une ambiance générale assez lourde et un extrait adéquat de Virgin Suicides ; alors que All Is Vanity donne dans la reverb, riff mécanique et énorme refrain. Finalement, ces deux morceaux ne sont pas si loin de Holy Bible, il faut le reconnaître.

La fin de l'album est un peu bâclée, avec les dispensables Pretention/Repulsion (et son refrain étrange, "BORN.A.GRAPHIC VS PORNOGRAPHIC") et Virginia State Epileptic Colony (early REM). La grande curiosité est pour la toute fin : William's Last Words sonne nécessairement comme une note de suicide ("I'm really tired, I'd like to go to sleep and wake up happy"), mais ce n'est apparemment pas le cas. On réservera la réponse jusqu'au jour où Richey Edwards reviendra parmi nous comme si de rien n'était... Nicky Wire chante ce dernier morceau, mais comme tout le monde sait qu'il ne sait pas chanter du tout, il évoque un autre non-chanteur, Lou Reed et s'en sort plutôt bien. Une chouette ballade avec juste ce qu'il faut d'émotion.

Comme souvent, les Manics ont ajouté un morceau caché. Cette fois, il est totalement indispensable, car Bag Lady est peut-être le meilleur morceau de l'album, avec un riff glacialement effrayant. Pourquoi n'est-il pas sur l'album? Parce que là, aucun doute, on est clairement en plein Holy Bible. Attention : il n'est pas disponible sur la version spéciale limitée ni sur le vinyl (ce qui est assez scandaleux d'ailleurs).

Les comparaisons inévitables n'étant que rarement justifiées, Journal for Plague Lovers doit vraiment être considéré comme un album à part, et pas comme une suite de quoi que ce soit. Les Manics ont traversé un long désert (et comme je le disais en intro, on en reparlera) avec des albums en demi-teinte, mais déjà, Send Away The Tigers (2007) était source d'espoir. Maintenant, on a retrouvé un groupe motivé, il ne reste plus qu'espérer que même sans les textes et l'inspiration de Richey Edwards, ils arriveront à continuer à progresser, et à sortir un prochain album studio (le dixième!) qui vaudra aussi le déplacement. C'est tout le mal qu'on souhait à un groupe qui n'a jamais cessé d'être passionnant.

Ben Harper & Relentless7 - White Lies For Dark Times

2009-05-22T23:34:00.001+02:00

Ben Harper, c'est une sorte de passe-partout. Festivals rock, world music, plus ou moins indé/commercial/enfumé, il convient partout. Et c'est justement là le problème, le Benny, il commençait sérieusement à s'embourgeoiser, à force de faire plus ou moins la même chose aux mêmes endroits. Alors, il a viré ses Innocent Criminals (enfin, gentiment, parce que s'il se prenait une baffe de son ex-bassiste, il partait rejoindre Bob Marley direct) pour former un nouveau groupe, apparemment plus carré. C'est bien, non?

Non. Ouais, White Lies For Dark Times est effectivement plus énervé que Lifeline (qui était un album acoustique, de toute façon, au demeurant très sympathique. Mou, mais sympa. Ca vous rappelle quelqu'un?), mais malheureusement, les bonnes intentions sont vite diluées dans un mélange insipide de funk, soul et rock. Pourtant, cela commence pas mal du tout, avec les excellents Up To You Now (un cadeau-surprise à celui/celle qui me dit sur quoi l'intro est pompée, plus moyen de m'en souvenir) et Shimmer And Shine, qui prouvent au moins que Harper sait toujours s'entourer d'une section rythmique impeccable. Dommage que le tempo reste trop souvent le même.

Mais comme on pouvait le craindre, la médiocrité (bien exécutée, mais bon) prend vite le pas sur l'intérêt inhérent d'un artiste qui n'a pas réussi à se renouveler, comme il le désirait. Mais est-ce qu'il le désirait?

Graham Coxon - The Spinning Top

2009-05-18T21:16:00.001+02:00

Cela semble étrange, mais Graham Coxon a maintenant sorti plus d'albums solo (sept) que d'albums avec Blur. De plus, malgré la réunion de son groupe légendaire, The Spinning Top ne ressemble pas à Blur, mais alors pas du tout. Et il ne ressemble pas vraiment non plus à ce que Coxon a pu faire précédemment.

Il est en effet fort différent des autres : il est assez long (68 minutes), comprend pas mal d'invités (batterie, piano, une kyrielle d'instruments indiens), est vaguement conceptuel et surtout, Graham y joue majoritairement une guitare acoustique, usant et abusant de techniques propres comme le finger picking. Dès le début, on comprend qu'on est radicalement en présence de quelque chose de spécial : Look Into The Light se réfère directement à Nick Drake (qui n'est pas une nouvelle influence de Coxon, il en parlait déjà dans son premier album), alors que This House est une chanson simplement magnifique. Avec un changement d'accord splendide, le tout porté par une voix qui, magré les nouvelles expériences commerciales des deux derniers albums, reste expressément peu/mal assurée. Juste après, In The Morning est un tour de force : 8"30 de folk acoustique a priori simple (disons que ce n'est pas Devandra Banhart) mais réussie, surtout grâce aux passages indiens, parfaitement intégrés. On se demande déjà comment l'album pourrait faire mieux après un morceau pareil, le plus ambitieux de la carrière de Coxon, solo ou pas.

Coxon ressort sa guitare électrique à certains moments, mais sans jamais rappeler ses anciens travaux solo ou bluresques, comme si The Spinning Top était, plus qu'un nouveau départ, un album... à part. If You Want Me fait penser à Escape Song par sa dualité acoustique/électrique, mais sans chercher à faire du bruit. Une petite cloche accentue une mélodie superbe, qui montre à quel point Coxon a progressé en tant que songwriter : si Blur venait a écrire de nouveaux morceaux, ils auraient ni plus ni moins deux songwriters exceptionnels. De plus, Coxon quitte la relative simplicité qui caractérisait ses albums solo (les trois premiers ayant été réalisés par lui-même, à 100%) : outre l'instrumentation indienne, on retrouve un peu de flute, des backing vocals féminines, et des arrangements complexes. Ce qui fait de The Spinning Top un album intrigant, varié et très intéressant.

Les quinze morceaux valent tous leur petit paragraphe. Le simple et entêtant Perfect Love, l'ambitieux Brave The Storm, l'impitoyable Dead Bees (un peu de Queens of the Stone Age? merci!), le dynamique Sorrow's Army (et la technique parfaite de Coxon), le bruyant Caspian Sea ou encore Humble Man, plus catchy que Coffee and TV. L'album se termine sur un autre trio de morceaux parfaits, reprenant un peu de tout dans le catalogue Coxonien, mais surtout des backing vocals ressemblant étonnamment à ... Damon Albarn. Affaire non élucidée, mais The Spinning Top nous fait tirer des conclusions.

1) Coxon est encore meilleur qu'avant, grâce à ses nouvelles techniques et son ambition renouvelée
2) Il s'est écarté de la relative facilité des deux derniers albums, pour quelque chose de moins aisé mais plus intéressant
3) Que Blur revienne pour de bon ou pas, quelle importance : les meilleurs Coxon valent les meilleurs Blur
4) Top 5 de 2009, facile.

Art Brut - Art Brut Vs. Satan

2009-05-15T14:29:00.001+02:00

J'avais franchement oublié Art Brut, et c'est le fait que Black Francis a produit leur dernier album qui m'a poussé à l'écouter. Je n'ai pas eu tort : Art Brut Vs Satan, c'est 40 minutes assez chouettes, qui rappellent plus leur bon début que le second album déjà plus oubliable. Même si Francis fait un bon job, en faisant ressortir la simplicité minimaliste basse (surtout)/batterie/guitare postpunkish du groupe, c'est une fois de plus les paroles d'Eddie Argos qui constituent le plus de l'album.

Dans DC Comics & Chocolate Milkshake, il étale quelques unes de ses ambitions "Some things will always be great, even though I'm 28". Je n'ai qu'un an de plus qu'Argos, et je sors assez rassuré de l'écoute de cet album. Plus loin, il se souvient de ses premiers échecs amoureux, de sa grande timidité ("deep breath, stay calm, sweaty palms"), et des discussions de l'époque ("you like the Beatles, I like the Stones"). Slap Dash for No Cash parle de son amour de la lo fi ("why do you want to sound like U2? it's not a very cool thing to do"), et ailleurs, son obsession High Fidelitesque se répète. Dans The Replacements, qu'il regrette d'avoir découvert si tard, il met en avant la question ultime : qu'acheter entre les anciens albums, en seconde main (moins cher) ou les ressorties (avec les morceaux bonus). Malheureusement, Argos ne parvient pas à atteindre une conclusion, nous laissant seul dans le choix cornélien... Argos reprend aussi sa vieille habitude de donner des titres connus à certains morceaux (Twist And Shout, The Passenger) sans qu'ils y ressemblent pour un sou. Enfin, Mysterious Bruises raconte l'étrange soirée, où avoir pris un zyrtec, deux advil et un verre, le narrateur se retrouve couvert de bleus...

Tout cela ne veut pas dire que musicalement, Art Brut ne vaut rien, loin de là : Summer Job, par exemple est exceptionnellement catchy, et l'album se tient du début à la fin. Mais le problème avec un album dont les paroles sont l'attrait, c'est qu'on est pas sûr de l'écouter souvent. Il reste qu'Art Brut fait un peu figure de survivant dans le mouvement art-punk d'il y a quelques années, vu que les autres prétendants s'en sont allé vers d'autres horizons musicaux. Et Art Brut Vs Satan, pour ce qu'il est, est bien chouette.

Ghinzu - Mirror Mirror

2009-05-07T14:01:00.001+02:00

Commençons par un coming-out (que je n'ai jamais caché) : je suis belge. Et donc, je suis légalement obligé d'adorer Ghinzu. Pas possible autrement : chaque magazine, chaque journal parle d'eux comme "le plus grand groupe de l'histoire du rock Belge" (authentique, une fois). Donc, avoir le malheur de les critiquer, c'est un peu comme être américain et ne pas trop être fan des guerres pétrolières. Ben moi, figurez-vous, Ghinzu m'emmerde.

Ce n'est même pas spécialement leur background bourgeois (j'aime bien les Strokes) ni la tête à claque du chanteur (même remarque) ni même son pseudo imbécile ("John Stargasm", déjà plus vendeur que David Israël, non?). Ce n'est pas non plus le fait que leur service presse est excellent, écrivant à l'avance les articles publiés par les grands quotidiens belges (l'article dans Le Soir était ridicule). Ce n'est même pas non plus leur accent anglais naze (Girls In Hawaii, heureusement, fera toujours pire) ou leurs paroles qui feraient se tordre de rire un scénariste de porno ("Let me in, let me out / Swallow me slowly / I'm down in your throat / I can hear singing / I can hear you screaming your joy? PLEASE, je m'en vais écouter Be Aggressive de Faith No More). Est-ce peut-être le fait que chaque morceau de l'album est aussi sous influence que le gosse caché de Pete Doherty et Amy Winehouse? Qu'ils ont tellement écouté Soulwax qu'ils ont oublié que Soulwax a été un chouette groupe rock? Que malgré tous les efforts fournis, Stargasm n'est pas Casablancas (Take It Easy, même les titre est plus Strokes que les Strokes). Que la pochette est assez honteusement pompée sur Battles?

Non, même pas, rien de tout ça. C'est juste que Mirror Mirror ne me fait rien. Ce n'est pas désagréable, correctement joué (même si on fait de ces miracles, à notre époque...), évidemment très pute, mais c'est leur marque de fabrique, aussi. C'est un disque merveilleusement calculé, parfaitement formaté pour chaque occasion. DJ set dans une soirée chic, festivals bourrins en Flandre et ailleurs, nos fantastiques radios belges, le vieux con qui croit qu'il connaît un truc hype, l'enchaîneur de disques à un mariage, ça marche à chaque fois, taux de pénétration (faut se mettre au niveau) proche des 100%.

Mais la vie est trop courte, et 2009 fort riche en sorties nettement plus intéressantes pour perdre son temps avec cet album. Même si le trip Dalida est marrant.

Dananananaykroyd - Hey Everyone!

2009-04-26T14:12:00.001+02:00

À intervalles réguliers, arrive un groupe qui nous fait replonger 5/15/30 ans en arrière (biffez la mention inutile suivant votre age). Pas spécialement en relation avec le genre de musique de l'époque, mais juste parce que le groupe est fun. Ca ne dure généralement pas longtemps : le groupe fun devient très vite trop sérieux (Idlewild) ou implose (Be Your Own Pet). Donc, profitons ici et maintenant de ce concentré d'énergie aussi futile qu'orgasmique : Danananaykroyd.

Douze morceaux, 45 minutes, un bordel total et généralisé, des morceaux qui partent dans tout les sens, et apparemment un live show à la hauteur, Dana (plus simple) est une fameuse curiosité. Ils ne se refusent rien, quand ils poussent la disto à fond, c'est vraiment à fond, genre Sonic Youth/Dinosaur Jr. À FOND. L'album ne comprend pas vraiment de temps mort, mais le début est terriblement impressionnant, l'intro instrumentale titre, suivie de Watch This (comment caser deux chanteurs atteints de logorrhée aigüe) et du morceau qui les ai fait connaître, The Greater Than Symbol And The Hash (>#, donc).

Ce morceau explique bien ce que Dana représente : une certaine mélodie, des paroles over-the-top, une instrumentation assez, disons, improvisée avant, après 1"20, de partir dans UN PUTAIN DU MUR DU SON DE MALADE. Ces gens sont dingues. Ca joue fort, ça joue vite, et c'est très très bon. Puis, forcément, ça ralentit, et ça devient carrément doom, une basse profonde, un feedback assourdissant et un type qui hurle on ne sait pas quoi. Il faut aimer le désordre et les mannes d'influences disparates, mais si c'est le cas, alors...

Black Wax, c'est un peu leur côté pop. Problème : personne ne sait vraiment chanter, et comme l'instrumentation chaotique laisse ici la place à une structure classique, c'est déjà moins réussi. On imagine qu'ils voulaient un morceau accessible, et le voilà. Maintenant, chassez le naturel, etc etc, après 2"30 ça castagne sérieux, mais ça reste trop contenu par rapport au reste. Le calme relatif n'est forcément là que pour préparer le maelstrom cinglé qu'est Totally Bone, dont l'intro est sans doute jouée aussi vite qu'humainement possible. Le reste est à l'avenant, alliant parties rapides, parties violentes et parties rapides et violentes. Non, vraiment, ça ne s'arrête quasi pas, prenant ses influences dans le punk, le hardcore, le grunge et surtout le postcoren'importequoietons'enfout. Donc, je laisse tomber, et je repasse l'album une fois de plus.

Essayer de décrire ce qui se passe dans cet album est inutile (surtout en l'écoutant en même temps), Hey Everyone est l'album le plus rock n roll de l'année, au sens propre du terme. Et en live, ça doit, je pense, être plus fun qu'Oasis. Fuckin' kids.

Noel Gallagher - The Dreams We Have As Children

2009-04-23T13:19:00.001+02:00

Avant la déchéance d'Oasis, deux choses étaient coulées dans le béton : 1) Noel Gallagher était le seul compositeur du groupe et 2) les faces B de single étaient souvent les meilleurs morceaux. C'est à cette époque où nous emmène cet album live, uniquement disponible sous forme digitale (pour sa version complète) et qui reprend un concert de 2007 au Royal Albert Hall de Londres, où Noel était accompagné de son guitariste Gem Archer ainsi que d'un batteur.

Pour ceux qui n'ont pas suivi le Oasis pré-2000, voire les nouveaux fans (???), la setlist est intrigante. Un seul morceau date d'après 2000, on n'y retrouve au total que trois singles (dont une réinterprétation radicale) mais sept faces B et trois nouvelles reprises. Bref, un set list pour fans des débuts, particulièrement choyés. Le fait que ce sont de loin les meilleurs morceaux d'Oasis, et qu'en fait, il n'y manque pas grand chose est encore plus intéressant.

Noel commence donc par trois excellentes faces B ((It's Good) To Be Free, Talk Tonight et Fade Away, qui ressemble toujours autant au Freedom de George Michael), suivi d'un Cast No Shadow bien sombre, avec cordes, et d'une nouvelle Bside, Half The World Away, repris en choeur par toute la salle. Quel autre artiste pourrait en dire autant? De manière assez amusante, The Importance of Being Idle (seul morceau récent) fait méchamment retomber l'ambiance, mais l'invité qui suit va inverser la tendance : Paul Weller, fidèle mentor de Gallagher, avec qui il reprendra All You Need Is Love et son propre Butterfly Collector. Rien de bien étonnant, mais c'est toujours chouette à entendre, à avoir tous ces morceaux au même endroit. Don't Go Away et Listen Up sont réarrangés, de manière plus sombre, pour ressembler à un Masterplan étonnamment absent. Sad Song, bizarrement, est nettement moins sombre que la version orginale.

Déjà tout à fait honorable, le show va prendre de la hauteur avec le toujours émouvant Slide Away, la version "Ryan Adams" de Wonderwall et bien sûr, l'inévitable mega hit de Noel, Don't Look Back In Anger. Seul faux pas du concert, sa reprise des Smiths, There Is A Light That Never Goes Out. Noel n'est pas Morrissey, l'intention était bonne, mais l'exécution déjà moins. Enfin, Married with Children complète le set comme il terminait Definitely Maybe, toujours aussi doucement stupide.

Cet album live est une bonne initiative (surtout que les bénéfices vont au Teenage Cancer Trust), et à le mérite de constituer une sorte de best of des non-hits d'Oasis, chantés par un type qui ne chante pas trop mal et qui est surtout nettement moins irritant. Sympa, donc.

Peter Doherty - Grace/Wastelands

2009-04-17T13:51:00.002+02:00

Que dire sur Pete(r) Doherty que les tabloids n'ont pas encore dit? Évidemment, énormément de choses. D'abord, que les Libertines étaient le dernier groupe anglais auxquels on pouvait croire, s'identifier. Oh, il y en aura sûrement d'autres, mais de ce genre, on en a quelques uns par siècle. Ensuite, que Doherty, malgré les frasques, est un poète et un compositeur de talent, même s'il ne sera jamais un grand chanteur. Enfin, que son premier album solo, Grace/Wastelands, comprend sans aucun doute ses meilleurs morceaux depuis le premier Libertines.

Babyshambles, il faut bien le reconnaître, c'était pas terrible du tout. Un premier album calamiteux, un second juste meilleur. On ne ressortira de cette période que le magnifique Albion, mais le morceau était aussi vieux que What a Waster. Doherty devait donc s'en sortir, au risque de - littéralement - disparaître. Et il a trouvé une aide précieuse, auprès de quelqu'un à qui on ne le fait plus : Graham Coxon.

Coxon, aussi Londonien que Doherty, est passé par l'immense succès, l'adulation, et les abus de substances (plutôt alcool pour lui). Il pouvait donc aider Doherty, qu'il a vite qualifié de "scumbag magnet", à sortir du trou, tant musicalement qu'humainement. On ne saura jamais ce que Graham Coxon - l'être humain - a fait pour Peter, mais par contre, il a prêté ses talents de guitariste à onze morceaux sur douze. Et il a bien fait.

Doherty, comme dit plus haut, ne sera jamais un grand chanteur, il se complait d'ailleurs encore parfois dans cet espèce de murmure de sdf alcoolo dans un couloir de gare. Dommage, parce que quand on écoute ce qu'il dit, on se rend compte qu'il ne reste plus beaucoup d'auteurs de talent. Vous connaissez encore beaucoup de monde qui écrit des rimes enchâssées comme "my rival the sun / who ripens the plum", vous? Contrairement à ce qu'on pourrait croire, les guitares de Coxon sont quasi toutes acoustiques (comme son prochain - et excellent - album solo, on en reparlera), ce qui accentue l'aspect "chanson".

La majeure partie des morceaux sont assez simples d'accès, des chansons acoustico-romantiques, mais bien écrites et parfois vraiment touchantes : Salome, I Am The Rain comptent parmi les meilleurs morceaux écrits par Doherty. Mais il tente de surprendre, avec un Last of The English Roses formaté pour ressembler fort bizarrement à Gorillaz, ce qui ne marche pas trop bien. De même, l'obsession maladive de Doherty avec le classicisme british le pousse parfois à faire un peu n'importe quoi, comme le music hall douteux de Sweet By and By. Mais ces influences arrivent à pénétrer l'essence même d'autres morceaux, comme Arcady ou un poème de guerre appliqué en 2009, 1939 Returning.

Ce qui surprend surtout, c'est la solidité de l'album. On avait l'habitude d'avoir 3-4 morceaux valables par album de Babyshambles, ici tout se tient presque, on a même de très bons morceaux pour finir, dont Sheepskin Tearaway (encore un vieux morceau) avec Dot Allison, ou Broken Love Song, coécrit avec Wolfman (remember For Lovers?). Coxon se laisse parfois aller dans des paysages sonores parfois Sonic Youthiens (Palace of Bone, New Love Grows On Tree), mais l'ensemble reste étonnamment discret et d'autant plus impressionnant.

Il faut toutefois garder une certaine objectivité, ce n'est pas l'album du siècle non plus. Mais si Doherty continue à se ressaisir, à se montrer en concert (on ne parle plus de ses retards et annulations, maintenant qu'il n'y en a plus...) et à bien choisir ceux qui l'entourent, alors, il reste de l'espoir. Surtout que les Libertines vont probablement se reformer l'an prochain...

Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!

2009-04-13T14:19:00.001+02:00

Voici un parfait exemple d'évolution musicale. Apparu dans le paysage rock en même temps que les Strokes et compagnie, les YYY ont systématiquement pris la tangente et sorti des albums diamétralement différents. It's Blitz!, le troisième, sera sans doute connu comme l'album "dance". Non, ce n'est pas une mauvais chose.

Le single d'intro Zero est un punch parfait, fait de la voix sexy de Karen O, de guitares disco et de synthés festifs. Franchement bon, et de bon augure pour la suite. Heads Will Roll et Softshock continuent cette tendance disco-dancey, mais sans jamais tomber dans le facile ou le vulgaire, grâce aux talents des musiciens, car on est loin d'un album électro : la batterie de Brian Chase est énorme de précision (Skeletons, Shame And Fortune) et Nick Zinner est toujours capable d'envoyer des tons de guitares spectaculaires (Dull Life).

Karen O est plus discrète que d'habitude, passant sans problème d'un registre à l'autre, de la déesse post-punk que l'on connaît à ... Debbie Harry. On arrive difficilement à s'ennuyer au cours des 41 minutes qui composent l'album, grâce à la variété des morceaux et des rythmes. Runaway, "ballade", fait évidemment penser à Maps, avec Karen en mode superémotif, mais c'est l'exception dans un album expansif, qui se termine pourtant de manière posée.

Difficile de cerner les Yeah Yeah Yeahs, mais une chose est sûre : ils font exactement ce qu'ils ont envie de faire à l'heure actuelle. It's Blitz! est vraiment excellent, fonctionnant aussi bien sur les pistes de danse que dans un casque, dans le noir. Contrairement à nombre de ses condisciples de la new rock revolution (copyright NME), ils évoluent très bien, et deviennent carrément meilleurs.

Oh, et dans un monde radio dominé par Timbaland et Kanye West, Dragon Queen devrait être un hit immense. Le fait qu'il ne le sera pas est encore plus rafraichissant.

The Prodigy - Invaders Must Die

2009-04-04T14:49:00.001+02:00

Le temps passe, et je continue à suivre des groupes qui m'intéressaient quand j'étais ado. Prodigy est l'un de ceux-là, j'ai vécu leurs premiers succès avec le bourrin mais sympa Music for the Jilted Generation et leur méga domination mondiale (enfin, européenne) avec Fat of the Land. Puis, je n'ai plus jeté qu'une oreille à ce qu'ils font, de manière plutôt nostalgique. Je trouvais Always Outnumbered, Never Outgunned assez moyen en 2004, cet Invaders Must Die est fort différent, notamment grâce au retour des vocalistes Maxim et Keith Flint, exclus du précédent.

De manière assez positive, ils ont (ou plutôt il a, vu que Liam Howlett reste seul maître à bord) réussi à renouveler leur son, il est vrai fort daté (allez y, écoutez Firestarter maintenant. Oui, c'était mieux avant). Plus de claviers rave, moins d'attitude subpunk, l'album peut se laisser apprécier, s'il n'avait pas la subtilité de Wayne Rooney une nuit de weekend. Omen, le premier single est assez dingue, mais les voix reggae de Thunder irritent vite. Keith Flint fait un comeback rageur avec Colours et surtout Take Me to the Hospital ("along came a spiderrrrr") alors que la voix féminine de Warrior's Dance est plus Jilted que Jilted.

Les influences punk refont leur apparition sur Run With The Wolves, qui nous gratifie d'une performance de Dave Grohl très Songs For The Deaf. Très agressif et efficace. Malheureusement, la suite est nettemenrt moins heureuse, Worlds On Fire fait penser à un mauvais tube eurodance alors que le final Stand Up rappelle les pires chansons à boire d'Oasis (All Around The World en pire, même pas drôle).

Malgré quelques bons moments, Invaders Must Die ne se laissera pas réécouter souvent. The Prodigy est un autre groupe qui appartient aux années 90 et qui n'a plus vraiment sa place aujourd'hui. Par chance, ils arrivent encore à sortir de la médiocrité, même s'ils n'ont absolument plus aucune relevance. Better to burn out than fade away, etc etc...

Therapy? - Crooked Timber

2009-03-30T20:43:00.003+02:00

Il y a très peu de groupes qui font une carrière sans faute. On finit toujours par se ramollir (au mieux), par tenter de se réinventer (Radiohead étant l'exception confirmant la triste règle) ou pire, par devenir totalement inutile et embarrassant (chaussures compensées + grosses lunettes, guitariste à bonnet? Eux.). Le douzième album de Therapy? est un de leurs tous meilleurs, tout en étant, comme souvent, différent de ce qu'ils ont fait auparavant.

Therapy? est un de mes groupes préférés, que je suis depuis pas mal d'années, et qui ne m'ont jamais vraiment déçu. Cependant, les deux derniers albums (Never Apologize Never Explain et One Cure Fits All), tout en étant largement décents, n'apportaient que peu au canon des irlandais. Trois ans après, il fallait sans doute se réinventer, et c'est ce que le groupe a fait, notamment en invitant Andy Gill à la production. Gill, influence majeure de pas mal de monde s'inspirant de son groupe Gang Of Four, a réussi à insuffler une nouvelle dynamique à Therapy? Le groupe sonne très soudé, avec une mention très spéciale à la basse de Michael McKeegan. C'est simple : la basse est l'instrument majeur d'un album à la rythmique aussi impeccable que dévastatrice.

On le remarque d'entrée de jeu avec The Head That Tried To Strangle Itself, ou la dynamique (oui, je me répète) du power trio est poussée à son maximum. Therapy? n'a jamais semblé aussi tight depuis le départ de Martin McCarrick. Il faut donc souligner la place du batteur Neil Cooper : non seulement il rappelle parfois Fyfe Ewing, le légendaire premier cogneur de fûts du groupe, mais il complète McKeegan à la perfection. Reste le dernier membre, Andy Cairns, dont la guitare est donc fatalement parfois en retrait. Ce qui ne l'empêche pas d'envoyer des riffs dantesques et une guitare rythmique idéale. Enfin, Cairns profite du caractère novateur des structures des nouveaux morceaux pour tenter quelques nouvelles choses avec sa voix. Certains diront qu'il chante enfin, je dirai simplement qu'il évolue...

Après le morceau d'intro, suivent carrément deux des meilleurs morceaux jamais enregistrés par T?. Enjoy The Struggle possède une rythmique totalement inouïe alors que Clowns Galore rappelle carrément leurs débuts, et Teethgrinder. Peut-être même en mieux, c'est dire. Cairns est rageur, expédie des solos courts limite industriels, et T?, au risque de me répéter, n'a plus sonné comme ça depuis quelques années. Mais Crooked Timber est assez varié, malgré l'approche bassique (oui, j'ai fait mieux) de l'album : Exiles est étrangement atmosphérique, comme si T? se retrouve signé par Factory Records il y a 25 ans, alors que Crooked Timber commence par une intro au glockenspiel ultramélodique, avant que la basse de McKeegan ne balaye littéralement tout ce qui passe.

On se s'ennuie pas : I Told You I Was Ill pastiche leur tout premier album en ce qui concerne le son de la batterie, pendant que Cairns joue son crooner sur un accord des Ramones. Wow quoi. Somnanbulist et Blacken The Page ramènent un peu le groupe vers leurs influences punk (mais c'est pas Shameless non plus). En fait, c'est tellement varié que s'il n'y avait pas la voix de Cairns, on se demanderait pendant tout l'album de qui il s'agit, surtout avec le morceau suivant. Magic Mountain est 1) un instrumental de dix minutes 2) le truc le plus étrange jamais sorti par T? 3) un morceau qui ne leur ressemble pas 4) un morceau qui ne ressemble à personne d'autre. Parfois un peu répétitif, mais l'intention était là. Enfin, Bad Excuse for Daylight amène un peu de mélodie sur une couche grasse de basse, et clôture un album qui demande qu'on le réécoute immédiatement.

Mon album préféré de 2009 jusque maintenant. Et en plus, il sort en vinyl.

Chris Cornell - Scream

2009-03-24T16:53:00.002+01:00

Chris Cornell, 44 ans. A sorti quelques bons albums avec Temple of the Dog et Soundgarden. Certains morceaux d'Audioslave étaient décents. Son premier album solo, Euphoria Morning, n'était pas mal du tout, le suivant déjà moins. Pour des raisons qui ne regardent que lui, il a décidé de collaborer avec le producteur hip-hop Timbaland pour Scream.

Entendons-nous bien : j'apprécie certains trucs que Timbaland a fait, notamment avec Missy Elliott. Et je ne suis pas non plus un megafan de Soundgarden, sans doute le groupe des big 4 grunge que j'écoute le moins.

Cet album, Scream, est monumentalement mauvais. Timberland a sans doute gardé les beats pour une meilleure occasion, et Cornell n'a plus écrit un morceau décent en quinze ans (d'ailleurs, il y a six ou sept compositeurs. Mais, il y a un mais, je me trompe peut-être totalement, pour une raison simple : pour la première fois depuis que j'écris des conneries sur des disques, je n'ai pas pu écouter l'album entièrement. Mea culpa, mais ce n'était juste physiquement pas possible. Et même s'il y a d'autres choses à dire sur l'album (la pochette, Justin Timberlake, les enchaînements, John Mayer, rien que du solide), il n'en vaut vraiment pas la peine.

PS : le refrain du premier morceau? "That bitch ain't a part of me, oh no, that bitch ain't a part of me".

Morrissey - Years Of Refusal

2009-03-21T21:38:00.002+01:00

Tout le monde se reforme. Ceux qui se tapaient sur la gueule hier sont de nouveau les meilleurs amis du monde, grâce à l'efficace médiation des dollars. Raison de plus pour encenser encore un peu plus ceux qui, envers et contre tout, refusent de gâcher leur légende. Exemple numéro un : The Smiths. Malgré les demandes incessantes et les chèques aux montants probablement indécents, ils n'ont toujours pas décidé de se reformer, même (surtout?) pour un seul concert de charité. Une telle intégrité est tellement rare qu'il fallait le souligner. Intégrité. Un mot intéressant pour définir Stephen Patrick Morrissey, dont Years of Refusal (et sa pochette typiquement invraisemblable) est le dixième album solo, et le troisième depuis son comeback marquant de 2004. Morrissey ne s'est jamais vendu, que ce soit pour la reformation des Smiths, donc, mais aussi à d'autres points de vue : il continue à faire ce qu'il veut, à sortir les albums dont il a envie un peu n'importe quand et pour n'importe qui (ce qui lui a valu quelques soucis avec son label) et - surtout - à tirer sur tout ce qui bouge dans ses paroles.

On se souvient de son engagement en faveur des droits des animaux (un album des Smiths s'appelle Meat Is Murder, et Morrissey refuse la traditionnelle présence de stands à burgers dans et autour des salles où il se produit) et, en général, de sa grande gueule. Morrissey, sur Years of Refusal, ne s'arrête pas une seconde, ridiculisant ses détracteurs tout en y ajoutant une sérieuse dose d'auto-ironie. Mais cette fois, il ne faut pas nécessairement se focaliser sur les paroles pour apprécier l'album, tant Morrissey a réussi à se renouveler, avec son album le plus rock depuis toujours, en fait.

Produit par feu Jerry Fill (Green Day et l'intégralité du punk californien), Years of Refusal est souvent musclé (Something Is Squeezing My Skull, Black Cloud, le carrément grunge All You Need Is Me), parfois limite indus (le rythme de Mama Lay Softly On The Riverbed) mais reste un album de Morrissey, avec ses syllabes bien séparées pour qu'on ne rate rien des bons mots du maître. Morceaux choisis : "I know by now you think I should have straightened myself out / Thank you good day" (Skull), "It's not your birthday anymore / did you really think we meant / all those syrupy, sentimental things / that we said?" (It's Not Your Birthday Anymore, violemment pompeux) ou diverses variations sur Morrissey lui-même (All You Need Is Me, I'm Ok By Myself, One Day Goodbye Will Be Farewell et surtout le poignant You Were Good In Your Time).

On l'aura compris, Morrissey ne fait - une fois de plus - pas dans la dentelle, et fournit le bâton avec lequel on adorerait le frapper. Mais que cela ne tienne, on pardonne facilement les quelques défauts de Years of Refusal (production un peu trop bourrine, recyclage de deux morceaux déjà présents sur le best of) parce qu'on aura toujours besoin de Morrissey, et que Years Of Refusal est un de ses meilleurs albums solo.

Grand Duchy - Petits Fours

2009-03-16T15:08:00.000+01:00

Charles Thompson est un homme aux projets multiples. Sous le pseudonyme de Black Francis, il est vocaliste d'une groupe qui a eu un certain impact, Pixies, alors que sous celui de Frank Black, il traîne une carrière solo, disons, pas exactement concluante. Les dernières années ont été plus confuses que la transition d'un alias à l'autre : d'abord, il a ressorti Black Francis de la naphtaline pour le convaincant Bluefinger, et voilà qu'il sort un projet avec sa femme Violet Clark sous l'étrange nom de Grand Duchy. Alors, Grand Duchy, FB ou BF? Charles Thompson, simplement.

Petits Fours (oui, je sais) est court et varié. Come Over To My House est un morceau simplement rock mais très efficace, mixant infuences 60s, claviers sci-fi de Clark et une basse qui semble jouée par Kim Deal (ce qui prouve que, même si je l'aime bien, Kim, elle ne servait quand même pas à grand chose). De plus, la Voix est de retour, celle, agressive et inimitable, de Holiday Song, Debaser, etc etc. Contre-pied immédiat, Lovesick a une base acoustique et une voix calme et gentille de Violet Clark, alors que Fort Wayne est limite twee, avant de tourner fuzzy rock, quiet LOUD quiet, quoi...

L'album surprend pendant 5-6 morceaux, car on a encore une Violet Clark dans un registre carrément punk, ou pop à la Cardigans. Bizarre, bizarre, et légèrement schizophrène. Black Suit, situé en plein milieu est peut-être le meilleur morceau, avec une rage dans la voix de Black (plus simple) qu'on croyait vraiment disparue. Hélas, la fin de l'album ne tient pas trop la route (malgré la basse de Break The Angels, autoplagiée), car une certaine habitude lassante s'installe. Il reste que la dynamique entre les deux époux est franchement intéressante, et on peut se demander si Grand Duchy est juste une aventure sans lendemain, ou un véritable projet majeur. Difficile à dire, surtout que la nouvelle tournée des Pixies va nécessairement reposer les sempiternelles questions sur un nouvel album dont, finalement, personne ne veut vraiment.

Lamb of God - Wrath

2009-03-12T21:40:00.001+01:00

Longtemps considéré comme le plus probable successeur de Pantera au titre de groupe metal de référence, Lamb Of God a maintenant sorti un album de plus que leurs collègues sudistes (du moins si on ne compte que la période Anselmo), et n'est donc plus le jeune groupe qui a autrefois cassé la baraque avec New American Gospel et As The Palaces Burn. Lamb of God est donc arrivé dans la comfort zone, où ils n'ont plus qu'à sortir un album médiocre tous les trois ans, un Ozzfest et une tournée sponsorisée par Jägermeister pour finir le mois. WRONG.

Wrath est un album solide, puissant, convaincant qui cimente la place de Lamb of God pas seulement comme fer de lance du New Wave of American Metal or whatever it's called, mais comme artiste majeur de l'histoire du metal. D'ailleurs, pour mieux coller à cette histoire, ils n'hésitent pas à commencer par quelques accords de guitare acoustique, comme dans les deux bons albums de Metallica. Heureusement, ça s'arrête net quand la batterie de Chris Adler envoie une série de blast beats dont il a le secret, 40 minutes de rage sonore quasi ininterrompue peut alors commencer. Innovateur, Lamb of ne l'est plus vraiment : ils sont tranquillement installés dans leur subgenre, en essayant de le faire le mieux possible et de varier légèrement l'album en album, parfois en envoyant plus de solos, ou alors, comme ici, en se focalisant sur l'aspect très roots des morceaux : là où Metallica a réussi à sortir deux albums totalement pourris d'un point de vue qualité sonore, LoG réussit, sans production glossy, a sonner très vrai, à commencer par Randy Blythe, qui, lui, est certainement le meilleur vocaliste metal depuis Phil Anselmo, compensant une gamme moins large par une agressivité sans faille.

Roots, c'est un terme qui leur correspond bien. Contrairement à d'autres groupes metal contemporains comme Trivium ou (gasp) Dragonforce, Lamb of God ne fait jamais dans la démesure ou la prétention, ce qui crée une certaine austérité ressentie tout au long de l'album. Passé les quelques premiers morceaux, on peut rester admiratif devant les morceaux et parfois, la technique employée (Chris Adler est un excellent batteur), mais force est de constater que tout cela semble se répéter au fur et à mesure que les morceaux s'égrènent. Blythe (qui semble ne pas vouloir rentrezrr dans une période ramollie à la Corey Taylor) et Mike Morton (guitare) font en sorte qu'on ne s'ennuie pas, l'un grâce à ses voix passionnées, l'autres par des riffs secs et bien sentis. Les tempos sont généralement assez élevés et tournent parfois à la folie pure (Contractor, Grace).

Lamb of God est le groupe metal des groupes metal contemporains. Modèle pour la nouvelle génération, ils ont le bon goût de ne pas totalement changer leur style en continuant à évoluer. Enfermés dans un genre limité par essence, ils réussissent à en tirer le meilleur, et ce depuis dix ans. Il reste à espérer que leur carrière se passera mieux que celle du groupe à qui on les a trop souvent comparé.

Hot Leg - Red Light Fever

2009-02-20T14:36:00.001+01:00

Quel terrible destin que celui de Justin Hawkins. Il y a à peine cinq ans, son groupe The Darkness vendait des camions de Permission To Land, et headlinaient les plus gros festivals anglais, grâce à leur retrometal invraisemblablement ironique, un sens du show inouï, et surtout, des morceaux quand même vraiment bons. Forcément, ça ne pouvait pas durer : l'album n°2, pourtant pas si mauvais, floppe, Justin rentre en désintox, se fait virer (le reste du groupe formant le bien moyen Stone Gods) et rate sa qualification pour représenter le Royaume-Uni à l'Eurovision. Oui, ça fait mal.

Quelques années plus tard, il semble que Justin s'est remis de ses émotions, et, en attendant un gros chèque pour reformer Darkness, refait plus ou moins la même chose avec Hot Leg. Formule : on prend les morceaux de Darkness en ajoutant encore plus de kitsch, d'acrobaties vocales, de synthés (qui ressemblent à des guitares) pas possibles et de solos de guitare (qui ressemblent à des synthés) forcément interminables. C'est toujours aussi con, mais nettement moins bon (ouais, je me mets au niveau) : Chickens parle effectivement de poulets, mais est bien loin d'un Get Your Hands Of My Woman. En fait, c'est une sorte de Darkness light, 5 ans trop tard et donc, même pas marrant : "oh the eighties / it was the gayties / it was the straighties". Sans rire. Simplement médiocre, l'album pose une question embarrassante : mais qui a vraiment écrit Permission To Land?

The Von Bondies - Love, Hate and Then There's You

2009-02-10T15:06:00.001+01:00

Certains groupes l'ont plus facile que d'autres. Les Von Bondies commencent à connaître un succès underground notamment grâce au producteur de leur premier album, Jack White? Ce dernier knock-oute Jason Stollsteimer, leader des VB, à un concert (d'un autre groupe de Detroit, Blanche). C'Mon C'Mon leur apporte reconnaissance et airplay? L'album ne connaît pas la même réussite que le single, et le groupe allait commencer une traversée du désert de cinq ans, faite de départs de deux des quatre membres fondateurs et évidemment, un coup de pied au cul de leur label.

Les 2 VB restants (Stollsteimer et le terrible batteur Don Blum) ont tout repris de zéro : deux nouveaux membres, et les classiques tournées/myspace pour se faire re-remarquer. Après un prometteur EP l'an dernier, le nouvel album marque la fin de cette période probablement pas très fun, mais qui a permis au groupe de se retrouver.

Ce qui permet à Love ... (titre choisi par leurs "amis" myspace, ce qui explique peut-être cela) d'être un album franchement bon, qui n'inversera pas le réchauffement climatique (au contraire, vu l'effet de serre produit par leurs concerts intenses), mais qui compte quelques très bonnes chansons. This Is Our Perfect Crime entame l'album comme une justification de leur nouveau souffle ("we are the spark ... we are the underground"), démontré par la voix abrasive de Stollsteimer. Shut Your Mouth, Pale Bride et la majorité de l'album gardent la même formule de morceaux rapides, entraînants et assez bien fichus. She's Dead To Me commence même comme quelque chose sorti des sessions de Nevermind.

Brut et direct, l'album renvoie plutôt au rock n' roll basique de Lack Of Communication qu'au glampop de Pawn Shoppe Heart, mais avec une plus grande sophistication d'écriture (enfin, sophistication, tout est relatif) et un sens conservé du fun, même si le trentenaire Stollsteimer devrait parfois arrêter de penser qu'il a 21 ans. Accidents Will Happen, et plus généralement les backing vocals des nouvelles bassiste et guitariste (on a quand même conservé la touche de glamour après le départ de Carrie et Marcie) font penser à la dynamique des girl bands des 50s, tout en conservant une certaine authenticité de la part d'un groupe trop vite considéré comme bandwagon jumper. Love, Hate and Then There's You est une très bonne surprise, et il ne reste plus qu'attendre leur passage dans une petite salle étouffante près de chez vous.

Franz Ferdinand - Tonight : Franz Ferdinand

2009-02-05T17:32:00.001+01:00

Quatre ans après un controversé second album, le retour des quatre écossais est discret : Ulysses commence par un beat calme et des murmures d'Alex Kapranos, loin des exubérances qui ont leur réputation. Mais sur un cri de "let's get high", le morceau prend une tournure définitivement FF après une minute : festif, dansant, mais avec les guitares abrasives cette fois aidées par un synthé qui joue les premiers rôles. Pas le single le plus impressionnant possible, mais un choix intrigant, surtout que le morceau se retourne après 2"20 ("you're never coming home", ben oui, Ulysse et tout). Ulysses est symptomatique de FF en 2009 : incertain, différent mais pas trop.

Il est vrai qu'il n'est pas facile de suivre un album très hype mais au demeurant excellent par un second pas mauvais, mais trop "facile". Les Strokes ont d'ailleurs toujours à se remettre de First Impressions of Earth. FF tente la différence dans la continuité, ou vice versa : impossible de ne pas les reconnaître, mais Kapranos & co rajoutent des éléments électro (parfois limite kitsch, voir Live Alone) pour varier des plaisirs somme toute agréables mais assez dispensables. Même si les quatre minutes rave Korg de Lucid Dreams sont, hmmm, mal placées?

Tonight : Franz Ferdinand n'est pas mauvais, mais pas trop convaincant non plus : No You Girls suit la formule habituelle, mais manque de punch, et les ballades clôturant l'album, même si bien jolies, ne laissent pas d'impression inoubliable, contrairement au premier album, voire au second. Can't Stop Feeling est un monstre de dancefloor, ceci dit.

On ne pourra pas dire que FF se plante : l'album compte quelques bons moments (Twilight Omens, Bite Hard notamment), mais en terme d'impact, rien n'aura l'impact de leur production précédente, et en termes de relevance, c'est assez dangereux, surtout pour une scène à la mémoire courte.

Fucked Up - The Chemistry Of Common Life

2009-01-18T14:44:00.001+01:00

En 1998, le groupe suédois Refused sortait The Shape Of Punk To Come, qui deviendra un des albums les plus importants des années 90, mais plutôt hardcore que punk, si l'on veut vraiment catégoriser. Cet album de Fucked Up mériterait encore plus ce titre. Simplement, The Chemistry of Common Life est fantastique, extrêmement original et inventif pour le genre. Vous connaissez beaucoup d'albums punk/hxc qui commencent par une flûte? Son The Father le fait, ajoute instrument sur instrument avant que le chant violent et passionné de Pink Eyes (les autres membres s'appellent 10 000 Marbles, Concentration Camp ou encore Mustard Gas) ne laisse rien debout sur son passage.

Fucked Up pourraît très facilement être un très bon groupe punk hardcore, mais ce n'est clairement pas suffisant pour eux. Non, ils font des morceaux de plus de six minutes (Son The Father mais aussi et surtout le morceau titre, climax fabuleux de l'album), ajoutent des instruments étonnants et des passages atmosphériques. Golden Seal est un morceau ambient (et seulement la troisième piste de l'album!) dominé par les effets électro, mais Days Of Last et Crooked Head doivent être un vrai massacre sur scène. Alors, un peu schizo, Fucked Up? A voir leur comportement sur scène, disons, peu retenu, sans doute. Mais les meilleurs artistes ont toujours eu une félure quelque part.

Fucked Up pense, aussi. Les paroles sont loin des clichés du genre, mais le moment le plus admirable de l'album est Looking For God : pas besoin de paroles, juste du bruit ambient, collant parfaitement à ce qu'ils voulaient dire. Et même si on les voit difficilement passer à la radio, Black Albino Bones pourrait etre repris dans un playlist (assez) alternatif, grâce à un refrain chanté plutôt qu'hurlé. Royal Swan, lui, fait dans le registre electro de fête foraine (pas nécessairement une insulte) avant de dégénérer dans une sorte de chanson à boire irlandaise, animée par les backing vocals des Vivian Girls. Enfin, il faut encore mentionner Twice Born et ses refrains sarcastiques, amplifiant le rôle de commentateur social joué par le groupe.

On l'aura compris, The Chemistry of Common Life est un album inestimable, pour ses qualités intrinsèques, mais aussi et surtout pour l'influence qu'il aura par la suite. Fucked Up a fait comprendre qu'on pouvait faire du punk intelligent (oui, je sais, évidemment ce n'est pas le premier, mais jamais à ce point) et rester relativement accessible. De plus, ils se transforment en monstre inarrêtable et passionné en concert, ce qui n'arrive pas toujours non plus.

Même si j'en parle beaucoup trop tard, The Chemistry Of Common Life est un des meilleurs albums de 2008, et peut-être le plus important.

Vivian Girls - Vivian Girls

2009-01-09T20:50:00.002+01:00

Comme prévu, voici un coup d'oeil sur l'album des Vivian Girls, potes de la sensation hardcore de l'année (passée) Fucked Up, et qui partage avec Times New Roman un goût prononcé pour la production, disons, minimale. Les filles reprennent un songwriting directement emprunté des années 50-60 (des girl groups à la Ronettes) avec paroles simples et mélodies répétées, et enfouissent tout cela dans un bon gros bordel, mi-shoegaze mi grunge bruyant et bruitiste, sans aucune gêne ni honte.

Le défaut potentiel de l'album tient en cette formule, nécessairement limitée. Mais c'était évidemment prévu : les morceaux ne dépassent souvent pas les deux minutes et l'album tient en une demi-heure (j'ai l'impression de réécrire l'article précédent), ce qui empêche une trop gros sentiment de déjà entendu. Reste que ce mélange de Pixies (basse ronflante), Raveonettes (popnoise) et Mudhoney (garage) est très efficace, et doit être totalement dévastateur en concert. Mais je persiste à croire que trop de lo-fi tue la lo-fi. Vivian Girls est à écouter pour ceux qui ont été bien déçus de 2008.

Times New Viking - Rip It Off

2008-12-25T14:45:00.001+01:00

2009, l'année de la production pourrie. Les crimes contre l'humanité commis par Rick Rubin et Metallica (victimes consentantes et confirmées en interview) ont fait beaucoup parler d'eux dans le mauvais sens, alors que les très lo-fi No Age et Times New Viking se retrouvent dans toutes les listes indie de fin d'année. Avec quelques semaines/mois de retard, je m'attaque donc à Times New Viking qui allient mélodies assez catchy à un mur sonore totalement radio-unfriendly.

Le shoegaze, Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, Raveonettes, Vivian Girls (bientôt sur MB) c'est bien, mais parfois, point trop n'en faut. Ici, ce n'est même plus de la lo-fi, mais de la no-fi. Tout a été fait pour pourrir l'enregistrement le plus possible, surtout sur les voix, souvent ultradéformées au point d'être totalement incompréhensibles. Ce n'est pas mauvais pour autant : un groupe sans concession mérite le respect, surtout quand, finalement, les morceaux sont bien foutus, mélodies classiques dans une esthétique grungy à mort. TNV connaît les limites de son oeuvre, et un seul morceau dépasse les trois minutes, tandis que dix autres ne font pas plus de deux minutes. Grâce à cela, Rip It Off le bien nommé reste appréciable, mais Times New Viking devra faire attention, et commencer un jour à regarder autre chose que leur propre nombril, pour être poli.

Rip It Off reste intéressant, mais assez loin de la dithyrambe pitchforkiste de cette fin 2009. Mais on a entendu bien pire aussi.

Kanye West - 808s & Heartbreak

2008-12-12T18:59:00.001+01:00

Ce n'est pas vraiment dans mes habitudes de parler de "musique urbaine", pour diverses raisons dont, clairement, un certain manque d'intérêt. Mais Kanye West, c'est un personnage. Je n'ai quasi jamais entendu son oeuvre (le manque d'intérêt mentionné plus le fait que je n'écoute jamais la radio, et encore moins les chaînes musicales qui, d'ailleurs, ne diffusent plus vraiment de musique), mais il me fait marrer, quand il insulte George Bush en live, et qu'il monte sur scène aux MTV Awards réclamant un prix qu'il n'a pas gagné. Bref, le type même de tête à claque qu'on adore démonter. Et quand j'apprends que le roi du bling bling sort un album minimaliste, inspiré par une rupture sentimentale et la mort accidentelle de sa mère (dont Kanye se dit responsable, c'est sa vie clinquaillante qui l'aurait poussée à faire une opération de chirurgie esthétique qui lui fut fatale), et sur lequel Kanye ne rappe pas mais chante à travers un auto-tune, je ne pouvais décemment pas passer à côté.

L'auto-tune, tiens, parlons-en. Vous vous rappelez peut-être de Roger Troutman, qui avait popularisé l'usage du vocoder, "instrument" déformant de manière marrante les voix. Troutman avait été repris dans le tube mondial de Tupac Shakur, California Love. L'auto-tune part sur les mêmes bases, mais est en fait (d'où son nom) un programme permettant aux chanteurs de chanter juste, moyennant quelques modifications légères de la voix. Le chasseur d'ours de Metallica, James Hetfield, en a usé et abusé pour Death Magnetic : sans cela, Lars Ulrich arait sans doute du chanter. Mais l'auto-tune a surtout été détourné par quelques rappeurs/RnBistes US, dont le plus fameux est T-Pain. Trafiquer les réglages de l'auto-tune permet d'obtenir un effet semblable au vocoder, et donc un élement de novelty dans certains morceaux. Eh bien, West fait ça durant tout l'album. Tout l'album. Déjà, le type chante mal, et pourquoi pas, ce n'est pas trop son job. Mais là, non seulement ça n'arrange rien, mais c'est en plus totalement ridicule. Il aurait chanté gonflé à l'hélium, ça n'aurait pas été pire. Et comme en plus, il écrit très mal, alignant les rimes faciles comme un Tim Wheeler prépubère, on ne demande qu'à le voir retourner au rap, ou à prendre plus de guests.

Et à part ça? 808s and Heartbreak est très minimaliste niveau production, avec beaucoup de morceaux midtempo. Kanye semble sincère, quand il se rend compte que ses amis ont des gosses, alors qu'il n'a que des grosses bagnoles (Welcome to Heartbreak). Mais il retombe dans l'excès lors de plusieurs morceaux imbécilement sexistes (Robocop, ou Love Lockdown :"I can't keep myself and still keep you too", pas changé tant que ça, hmm, Kanye?) et une longueur lassante : une heure de logorrhée auto-tunée, non, quoi. Le pire est pour la fin, un freestyle live à Singapour qui devait être une pause pipi parfaite. Heureusement on peut en ressortir quelques beats ravageurs (Paranoid), et une production froide et efficace, hélas dominée par un grand sentiment d'ennui.

Certains critiques US, toujours premiers sur la balle, ont parlé de cet album comme le Kid A de Kanye : un album difficile, mais reconnu comme terriblement novateur. Certaines personnes n'ont pas aimé Kid A, c'est vrai, mais je ne sais pas comment il pourrait être possible de ne pas trouver 808s chiantissime. Alors, s'il s'agit vraiment d'un album catarthique (et pas seulement un gros caprice de gosse pourri), Kanye aurait sans doute du le garder privé. Hélas, la "voix de sa génération" pense que le monde est sa vie privée, ou inversément. Pendant ce temps, le monde soupire, et pense à autre chose.

The Raveonettes - 4 EPs

2008-12-07T08:15:00.001+01:00

J'aime bien les Extended Plays, ces « disques » d'entre deux albums, mais qui ne sont pas nécessairement construits autour d'un morceau. Et j'aime bien The Raveonettes, dont Lust Lust Lust était un de mes préférés de 2007. J''ai donc été ravi d'apprendre que le duo danois allait en sortir quatre en autant de mois, fin 2008. Le premier est une collection de quatre remixes de Lust Lust Lust, mais je ne m'intéresserai ici qu'aux trois EP d'originaux, même si on peut y trouver quelques sons intéressants.

Sometimes They Drop By est présenté comme étant uniquement électro, et s'ouvre effectivement sur un déluge sonore synthétique. La guitare de Sune Rose Wagner a tellement l'habitude d'être maltraitée par des pédales d'effets elles-même martyrisées qu'il n'y a pas tant de différence, même si certains morceaux, comme Blood Red Leis sont nettement plus dansants que d'habitude. On le ferait volontiers passer dans une soirée new/no/postwave, son beat entêtant ferait des ravages, avant, évidemment, que le feedback ne fasse son entrée. Les voix, par contre, sont toujours aussi posées et deadpan. Ce virage électro est une chouette déviation de leur norme parfois un peu contraignante, et s'applique parfaitement au concept EP, ni trop court, ni trop long. On pourrait quand même regretter qu'ils n'ont pas vraiment été au bout de leurs idées, Sometimes They Drop By est simplement Raveonettes + synthés, alors que Vintage Future comporte quand même une guitare.

Beauty Dies, le numéro trois, a un titre typiquement Raveonettes et revient à une logique plus basique, même si on retrouve quand même un peu d'electro. Tant mieux, rien de plus emmerdant que les étiquettes contraignantes. Young And Beautiful est carrément un des meilleurs morceaux du groupe. Gardant les influences shoegaze qu'on leur connaît, il s'en affranchit notamment en accélérant le tempo. Sharin Foo fait sa Sharin Foo, et c'est fantastique comme ça. Black/White est emmené par une basse motown, prouvant une fois de plus que Wagner et Foo mélangent les influences, les époques pour en faire leur propre genre. The Thief commence par un déferlement de percussion et de piano, montrant que le duo n'a pas de limites dans son imagination, contrairement à ce qu'on aurait pu croire. La prochaine fois, ils sont capable de sortir un album entièrement acoustique, et encore le réussir.

Enfin, le quatrième et dernier EP est de saison, puisque Wishing You A Rave Christmas est évidemment composé de quatre morceaux de Noël, à la sauce Raveonettes. On parle donc de neige et de sapin mais aussi de sous-entendus (on parle quand même d'un groupe qui chantait, il y a quelques années, « My girl is a little animal, she always wants to fuck »). Sympa, parfois dispensable mais ça fera un excellent effet lors de votre repas en famille. Et une bonne idée de soundtrack si le prochain Sofia Coppola se passe en hiver.

Après quatre albums et autant d'EPs, le duo danois n'est plus une surprise, mais simplement un des meilleurs groupes de pop avant-gardiste contemporaine. Il faut parfois faire des efforts et passer outre l'exercice de style, mais le jeu en vaut largement la chandelle.

Scott Weiland - Happy In Galoshes

2008-12-05T07:15:00.001+01:00

C'est peut-être une coïncidence, mais elle est amusante. Deux personnes ne s'appréciant guère, Scott Weiland et Axl Rose, sortent leur album solo en même temps ou presque (oui, je sais, mais non). Pour rappel, Scott Weiland est le chanteur des Stone Temple Pilots, groupe sympathique ayant passé les années 90 dans l'ombre de Pearl Jam et l'ex de Velvet Revolver, où les musiciens étaient en majorité issus de Guns 'N Roses. Mais Scott Weiland est surtout quelqu'un qui n'est pas fort pote avec la vie, et inversément. Ses problèmes d'addictions variées sont légendaires, et ne semblent jamais s'arranger. Il a récemment perdu son frère (accident), sa femme (divorce), son groupe (le reste de VR l'a viré) pour retrouver STP le temps d'une lucrative tournée de réunion qui sera peut-être éphémère.

Malgré tout, Weiland est toujours là, contrairement à ses anciens collègues Cobain, Staley et Cornell (oui, je sais, mais non). Happy In Galoshes est son second album solo mais arrive dix ans après le premier. Quel est son but? Probablement de gagner un peu de fric, même si les 10 000 ventes de la première semaine sont particulièrement cruelles. On gardera donc l'impression que Weiland, comme la majorité des artistes qui s'émancipent de leur groupe, voulait faire autre chose.

Malgré tout, Happy In Galoshes commence avec un morceau qui pourrait facilement se retrouver dans les derniers STP, Missing Cleveland. Morceau rock assez simple, il nous rappelle que Scott Weiland peut toujours réussir à faire passer une grande émotion avec sa voix. C'est juste dommage qu'il y arrive une fois sur quatre, et que son exceptionnelle voix ne tient plus la distance, les excès se payant cash, à son âge. Initialement, l'album se laisse écouter : sans être exceptionnel, il ne semble pas être la catastrophe prévue. Même l'influence Killers de Blind Confusion ne gâche pas la fête.

Parce que Scott Weiland, la fête, il la gâche bien tout seul. Notamment par des expérimentations électro foireuses, un morceau grandiloquant sans queue ni tête, un autre où il se prend pour Jeff Buckley ou pire, une horrible reprise du Fame de Bowie (déjà pas terrible pour commencer) avec Paul Oakenfold. Tout n'est pas à jeter, on retiendra, outre le début de l'album, l'ambitieux Beautiful Day et ses harmonies Beach Boysiennes, mais sinon, trop de ballades, trop de n'importe quoi qui part dans tous les sens, et une voix qui n'est plus ce qu'elle était. Ce qui me rappelle quelque chose sorti il n'y a pas bien longtemps...

MGMT - Oracular Spectacular

2008-12-03T20:54:00.002+01:00

C'est l'évidence même : je ne saurais jamais chroniquer tous les albums (que je juge) intéressants, par manque de temps, simplement. L'album de MGMT est sorti depuis déjà quelques mois, mais j'en parle seulement maintenant, pour je ne sais plus quelle raison. Au moment où les (web)zines vont commencer à publier leurs traditionnellement emmerdantes listes de fin d'année, il est probable qu'Oracular Spectacular s'y retrouvera, donc, pourquoi ne pas en parler. Surtout qu'il possède son lot de fulgurances.

Sous leurs apparats branchouilles, vetêments débiles et nom très zeitgeist (MGMT est la contraction de leur ancien nom, The Management - une référence à Carnivale?), MGMT cache deux gars clairement influencés par une décade (les 70s du prog, des Bee Gees, d'Elton et des claviers Korg) durant laquelle ils n'étaient peut-être même pas nés. Mais heureusement, ils ne sont pas uniquement passéistes. Time To Pretend entame l'album d'une bien belle manière. C'est d'abord une profession de foi semi-ironique ("Let's make some music, make some money, find some models for wives"... "We were fated to pretend") mais surtout un morceau vraiment très bon, propulsé par une basse monstrueuse et des synthés étranges (étrange dans le genre "faut oser ressortir ces vieux trucs"). Cheesy, cliché, mais aussi efficace et étonnant : rien de tout cela n'est original en soi, mais un mélange glam-electro réussi, ça fait plaisir à entendre, et ça fait bouger. On pouvait dès lors s'attendre à ce qu'Oracular Spectacular soit une succession de tubes, tous calqués sur le modèle. Ce qui ne sera pas le cas, fort heureusement.

Le truc de MGMT, c'est de tout enfouir sous des couches de guitare, de synthés, de basse vrombissante (sans doute la plus puissante lead bass depuis Death From Above 1979). Ce qui n'est pas une mauvaise chose, mais montre assez vite les limites du chant, assez faible, et qui plombe certains morceaux (Weekend Wars, The Youth). Mais le one-two punch dévastateur Electric Feel (le morceau disco de l'année, sans aucun doute)/Kids (le second Time To Pretend) fait de la première partie de l'album une réussite, surtout pour un premier album (même si le groupe n'est pas si récent). L'important, c'est que MGMT ose. Même si cela ne marche pas toujours (le solo de synthé "flûte de Pan" d'Electric Feel est vraiment too much), ils essaient. Malheureusement, comme on pouvait le craindre, l'album ne tient pas trop sur la durée. On retrouve les mêmes ingrédients, mais le produit fini devient lourdingue, et parfois vraiment dispensable, tout en restant parfois complètement cinglé.

Oracular Spectacular n'est pas Is This It, mais il est prometteur. Et même là où il échoue, il vaut toujours la peine d'y jeter une oreille, tant les idées lancées un peu partout par le duo Goldwasser/VanWyngarden sont intéressantes. il faudra juste un peu organiser tout cela, y ajouter un peu de substance et de constance, et on risque d'avoir un bien bon album dans le futur.

Guns N' Roses - Chinese Democracy

2008-11-24T20:00:00.001+01:00

Non, je ne reviendrai pas sur la genèse de l'album, les treize ans et treize millions de dollars nécessaires à sa production : tout le monde en a parlé, et l'info est disponible partout. Je vais uniquement m'intéresser à Chinese Democracy, sixième album de Guns 'N Roses (dont Axl Rose est le seul membre fondateur restant), qui sort ce 23 novembre. Oui, c'est tout à fait incroyable, mais franchement, on s'en fiche : ce qu'on veut savoir, c'est ce qu'il vaut, et si Axl Rose nous a donné le bâton ultime avec lequel il adore se faire frapper.

Une bonne partie des morceaux sont connus de longue date, pour avoir été joués en concert ou pour s'être retrouvés « par hasard » sur internet. Maintenant, on a enfin entre les mains le produit fini, et il commence par un choc, un avertissement. Chinese Democracy, le morceau, débute lentement, par un bruit de fond, puis par quelques accords de Buckethead et un megariff industrieux avant qu'Axl ne pousse un cri primal, qui rappelle immanquablement le premier morceau d'Appetite For Destruction, Welcome To The Jungle. Shackler's Revenge revendique aussi ces influences industrielles, et lorgne bizaremment vers le Tanzmetall, avec un Axl enfouissant sa voix sous des couches d'effets. So far, peut-être pas so good, mais en tout cas, ça va.

Comme si. Better commence à inverser la tendance, avec deux refrains débordant de saccharine mais une vraie mélodie. Probablement le hit de l'album, il nous ramène à l'époque du rock FM, dans laquelle Axl Rose vit sans doute toujours. Mais il manquait un élément majeur du rock FM, le piano. Ouaip, un piano qui ficherait la honte à Elton John, et qui est responsable de l'intro du déjà légendaire Street of Dreams. Si jamais (et c'est pas gagné) des terroristes se trouvent vraiment à Guantanamo, alors je conseille à Barack Obama de faire passer ce morceau (et les suivants) en boucle avant de fermer la prison, Ben Laden, Al Zawahiri, tout le monde serait retrouvé en trois minutes. C'est pire que Nothing Else Matters.

Il semble qu'en treize ans, Axl n'a écouté personne qui aurait pu donner un avis critique. A la place, Rose compile et empile les excès et le mauvais goût manifeste, comme If The World qui commence sympathiquement avant de devenir une mauvaise ballade des derniers jours de Faith No More, ou encore There Was A Time (dont l'abréviation est ô combien adéquate) qui dure au moins cinq minutes de trop (« it was a long time for me / it was a long time for you / it was a long time for anyone », on a attendu treize ans pour ça?)

Bien sûr, la voix d'Axl occupe toujours le premeir plan. Elle est trafiquée une fois sur trois, et quand elle ne l'est pas, on est parfois surpris du fait qu'elle a relativement bien passé les années. Ceci dit, le multitrack systématique fait qu'on se sent vite agressé par une vingtaine d'Axl prépubères qui nous hurlent dans les oreilles. Pas toujours une bonne idée. Musicalement, malgré le fait qu'il se soit entouré d'excellents musiciens, on ne peut pas dire que cela vole très haut. Rose a payé Bryan « Brain » Mantia à prix d'or, tout ça pour qu'il rejoue à l'identique les parties de Josh Freese (!), ou pire, pour le remplacer par une boîte à rythmes. Niveau guitares, Axl en a engagé cinq, qui jouent d'ailleurs sur quasi tous les morceaux. Oui, ça veut donc dire que parfois, on a trois lead guitaristes (Buckethead, Ron "Bumblefoot" Thal et Robin Finck) et deux rythmiques (Richard Fortus et Paul Tobias) en même temps. Même chose pour la batterie, ou Brain et Frank Ferrer sont crédités simultanément.

Cette longue liste de dramatis personae (et encore, je passe les claviers) est symptomatique : Chinese Democracy a été tellement difficile à enregistrer qu'il ressemble plus à un énorme patchwork de copiés/collés de studios (sept personnes sont crédités pour Pro-Tools) qu'à un album cohérent de vrai groupe. Mais on le sait, le "Guns 'N Roses" actuel, c'est juste Axl Rose. Encore pire : l'album est tellement produit qu'il est parfois difficile d'entendre qui joue quoi. En d'autres termes, Axl a réussi à faire jouer Buckethead comme n'importe quel autre guitariste, ce qui est vraiment dommage. Les passages où il est vraiment reconnaissable sont trop peu nombreux, mais se retrouvent facilement parmi les meilleurs de l'album.

Chinese Democracy est aussi bien trop long. OK, il a fallu treize ans blah blah mais quand même, les morceaux de six minutes, les albums de 71, c'est limite. Surtout quand certains passages sont étendus inutilement, comme l'intro de Riad N' The Bedouins, pourtant un des meilleurs morceaux ici (compte tenu de la chute vertigineuse des espérances). Et quand on se demande ce que Rose peut encore sortir de son chapeau pour nous faire marrer/pleurer, il ne trouve rien de mieux qu'une collaboration avec un autre vieux type semi-oublié, Sebastian Bach. Ce dernier avait décrit Sorry comme un morceau doom metal avec un beat grind, il est donc encore plus cinglé que Rose. Même si le refrain a effectivement une certaine puissance. Dans le même ordre d'idées, l'album est souvent surproduit et bourrés d'artifices divers et variés. Exemple, There Was A Time. On a un orchestre, un choeur, des percussions tribales, des cordes de BO ciné, un break hip-hop, une backing track à l'envers (sans doute pour Charlie Manson), un solo de guitare et Axl. Et ce, durant les vingt premières secondes : après c'est moins sobre. Rose a sans doute voulu caler le plus de trucs possible, mais c'est très vite fatigant, comme l'est aussi la sur-représentation des ballades.

Si l'album a un point positif, c'est de nous rappeller ce que c'était, les fameuses ballades « de l'époque ». « And III will loooooove you babyyyyy aaalwayyyyys », de ces braves gens de Bon Jovi, remember? Messieurs K. Cobain et L. Staley y ont donné leur vie, mais ce putain de cadavre est toujours en train de frétiller, et Dr Axl Frankenstein a tenté de le faire marcher. Catcher In The Rye (quelle insulte) y réussit peut-être, je ne veux pas me prononcer, ignorant totalement ce qu'est une bonne ballade rock FM, si seulement ça existe. Mais en tout cas, c'est loin d'être un bon morceau. La tendance ne se démentira pas, avec une grande partie des morceaux comprenant au moins un passage lent, souvent au piano, avec un Axl vraiment triste (peut-être n'aime-t-il pas le Dr. Pepper). This I Love serait ridicule, s'il ne venait pas d'un vieux type paranoïaque et psychopathe. Là, c'est juste pathétique.

Dommage, car la fin de l'album comprend son lot de passages sympathiques à aller chercher, comme dans IRS, Scraped, Madagascar ou Prostitute. Mais la folie mégalo mal placée de Rose ne permet jamais à un seul morceau, à une seule simple mélodie de se développer tranquillement. Ok, Axl Rose n'a jamais voulu être calme, et cela lui a réussi dans le passé. Chinese Democracy, malgré tout, déçoit (forcément) mais montre une image sans doute fidèle de son géniteur. Si seulement l'album portait son seul nom, je suis sur que les choses seraient très différentes. Malheureusement, Chinese Democracy est un album de Guns N' Roses, doit être jugé comme tel, et se plante. Avec panache, certes, mais il se plante.