dimanche 26 avril 2009

Dananananaykroyd - Hey Everyone!


À intervalles réguliers, arrive un groupe qui nous fait replonger 5/15/30 ans en arrière (biffez la mention inutile suivant votre age). Pas spécialement en relation avec le genre de musique de l'époque, mais juste parce que le groupe est fun. Ca ne dure généralement pas longtemps : le groupe fun devient très vite trop sérieux (Idlewild) ou implose (Be Your Own Pet). Donc, profitons ici et maintenant de ce concentré d'énergie aussi futile qu'orgasmique : Danananaykroyd.

Douze morceaux, 45 minutes, un bordel total et généralisé, des morceaux qui partent dans tout les sens, et apparemment un live show à la hauteur, Dana (plus simple) est une fameuse curiosité. Ils ne se refusent rien, quand ils poussent la disto à fond, c'est vraiment à fond, genre Sonic Youth/Dinosaur Jr. À FOND. L'album ne comprend pas vraiment de temps mort, mais le début est terriblement impressionnant, l'intro instrumentale titre, suivie de Watch This (comment caser deux chanteurs atteints de logorrhée aigüe) et du morceau qui les ai fait connaître, The Greater Than Symbol And The Hash (>#, donc).

Ce morceau explique bien ce que Dana représente : une certaine mélodie, des paroles over-the-top, une instrumentation assez, disons, improvisée avant, après 1"20, de partir dans UN PUTAIN DU MUR DU SON DE MALADE. Ces gens sont dingues. Ca joue fort, ça joue vite, et c'est très très bon. Puis, forcément, ça ralentit, et ça devient carrément doom, une basse profonde, un feedback assourdissant et un type qui hurle on ne sait pas quoi. Il faut aimer le désordre et les mannes d'influences disparates, mais si c'est le cas, alors...

Black Wax, c'est un peu leur côté pop. Problème : personne ne sait vraiment chanter, et comme l'instrumentation chaotique laisse ici la place à une structure classique, c'est déjà moins réussi. On imagine qu'ils voulaient un morceau accessible, et le voilà. Maintenant, chassez le naturel, etc etc, après 2"30 ça castagne sérieux, mais ça reste trop contenu par rapport au reste. Le calme relatif n'est forcément là que pour préparer le maelstrom cinglé qu'est Totally Bone, dont l'intro est sans doute jouée aussi vite qu'humainement possible. Le reste est à l'avenant, alliant parties rapides, parties violentes et parties rapides et violentes. Non, vraiment, ça ne s'arrête quasi pas, prenant ses influences dans le punk, le hardcore, le grunge et surtout le postcoren'importequoietons'enfout. Donc, je laisse tomber, et je repasse l'album une fois de plus.

Essayer de décrire ce qui se passe dans cet album est inutile (surtout en l'écoutant en même temps), Hey Everyone est l'album le plus rock n roll de l'année, au sens propre du terme. Et en live, ça doit, je pense, être plus fun qu'Oasis. Fuckin' kids.

Dananananaykroyd - Hey Everyone!


À intervalles réguliers, arrive un groupe qui nous fait replonger 5/15/30 ans en arrière (biffez la mention inutile suivant votre age). Pas spécialement en relation avec le genre de musique de l'époque, mais juste parce que le groupe est fun. Ca ne dure généralement pas longtemps : le groupe fun devient très vite trop sérieux (Idlewild) ou implose (Be Your Own Pet). Donc, profitons ici et maintenant de ce concentré d'énergie aussi futile qu'orgasmique : Danananaykroyd.

Douze morceaux, 45 minutes, un bordel total et généralisé, des morceaux qui partent dans tout les sens, et apparemment un live show à la hauteur, Dana (plus simple) est une fameuse curiosité. Ils ne se refusent rien, quand ils poussent la disto à fond, c'est vraiment à fond, genre Sonic Youth/Dinosaur Jr. À FOND. L'album ne comprend pas vraiment de temps mort, mais le début est terriblement impressionnant, l'intro instrumentale titre, suivie de Watch This (comment caser deux chanteurs atteints de logorrhée aigüe) et du morceau qui les ai fait connaître, The Greater Than Symbol And The Hash (>#, donc).

Ce morceau explique bien ce que Dana représente : une certaine mélodie, des paroles over-the-top, une instrumentation assez, disons, improvisée avant, après 1"20, de partir dans UN PUTAIN DU MUR DU SON DE MALADE. Ces gens sont dingues. Ca joue fort, ça joue vite, et c'est très très bon. Puis, forcément, ça ralentit, et ça devient carrément doom, une basse profonde, un feedback assourdissant et un type qui hurle on ne sait pas quoi. Il faut aimer le désordre et les mannes d'influences disparates, mais si c'est le cas, alors...

Black Wax, c'est un peu leur côté pop. Problème : personne ne sait vraiment chanter, et comme l'instrumentation chaotique laisse ici la place à une structure classique, c'est déjà moins réussi. On imagine qu'ils voulaient un morceau accessible, et le voilà. Maintenant, chassez le naturel, etc etc, après 2"30 ça castagne sérieux, mais ça reste trop contenu par rapport au reste. Le calme relatif n'est forcément là que pour préparer le maelstrom cinglé qu'est Totally Bone, dont l'intro est sans doute jouée aussi vite qu'humainement possible. Le reste est à l'avenant, alliant parties rapides, parties violentes et parties rapides et violentes. Non, vraiment, ça ne s'arrête quasi pas, prenant ses influences dans le punk, le hardcore, le grunge et surtout le postcoren'importequoietons'enfout. Donc, je laisse tomber, et je repasse l'album une fois de plus.

Essayer de décrire ce qui se passe dans cet album est inutile (surtout en l'écoutant en même temps), Hey Everyone est l'album le plus rock n roll de l'année, au sens propre du terme. Et en live, ça doit, je pense, être plus fun qu'Oasis. Fuckin' kids.

jeudi 23 avril 2009

Noel Gallagher – The Dreams We Have As Children


Avant la déchéance d'Oasis, deux choses étaient coulées dans le béton : 1) Noel Gallagher était le seul compositeur du groupe et 2) les faces B de single étaient souvent les meilleurs morceaux. C'est à cette époque où nous emmène cet album live, uniquement disponible sous forme digitale (pour sa version complète) et qui reprend un concert de 2007 au Royal Albert Hall de Londres, où Noel était accompagné de son guitariste Gem Archer ainsi que d'un batteur.

Pour ceux qui n'ont pas suivi le Oasis pré-2000, voire les nouveaux fans (???), la setlist est intrigante. Un seul morceau date d'après 2000, on n'y retrouve au total que trois singles (dont une réinterprétation radicale) mais sept faces B et trois nouvelles reprises. Bref, un set list pour fans des débuts, particulièrement choyés. Le fait que ce sont de loin les meilleurs morceaux d'Oasis, et qu'en fait, il n'y manque pas grand chose est encore plus intéressant.

Noel commence donc par trois excellentes faces B ((It's Good) To Be Free, Talk Tonight et Fade Away, qui ressemble toujours autant au Freedom de George Michael), suivi d'un Cast No Shadow bien sombre, avec cordes, et d'une nouvelle Bside, Half The World Away, repris en choeur par toute la salle. Quel autre artiste pourrait en dire autant? De manière assez amusante, The Importance of Being Idle (seul morceau récent) fait méchamment retomber l'ambiance, mais l'invité qui suit va inverser la tendance : Paul Weller, fidèle mentor de Gallagher, avec qui il reprendra All You Need Is Love et son propre Butterfly Collector. Rien de bien étonnant, mais c'est toujours chouette à entendre, à avoir tous ces morceaux au même endroit. Don't Go Away et Listen Up sont réarrangés, de manière plus sombre, pour ressembler à un Masterplan étonnamment absent. Sad Song, bizarrement, est nettement moins sombre que la version orginale.

Déjà tout à fait honorable, le show va prendre de la hauteur avec le toujours émouvant Slide Away, la version "Ryan Adams" de Wonderwall et bien sûr, l'inévitable mega hit de Noel, Don't Look Back In Anger. Seul faux pas du concert, sa reprise des Smiths, There Is A Light That Never Goes Out. Noel n'est pas Morrissey, l'intention était bonne, mais l'exécution déjà moins. Enfin, Married with Children complète le set comme il terminait Definitely Maybe, toujours aussi doucement stupide.

Cet album live est une bonne initiative (surtout que les bénéfices vont au Teenage Cancer Trust), et à le mérite de constituer une sorte de best of des non-hits d'Oasis, chantés par un type qui ne chante pas trop mal et qui est surtout nettement moins irritant. Sympa, donc.

Noel Gallagher - The Dreams We Have As Children


Avant la déchéance d'Oasis, deux choses étaient coulées dans le béton : 1) Noel Gallagher était le seul compositeur du groupe et 2) les faces B de single étaient souvent les meilleurs morceaux. C'est à cette époque où nous emmène cet album live, uniquement disponible sous forme digitale (pour sa version complète) et qui reprend un concert de 2007 au Royal Albert Hall de Londres, où Noel était accompagné de son guitariste Gem Archer ainsi que d'un batteur.

Pour ceux qui n'ont pas suivi le Oasis pré-2000, voire les nouveaux fans (???), la setlist est intrigante. Un seul morceau date d'après 2000, on n'y retrouve au total que trois singles (dont une réinterprétation radicale) mais sept faces B et trois nouvelles reprises. Bref, un set list pour fans des débuts, particulièrement choyés. Le fait que ce sont de loin les meilleurs morceaux d'Oasis, et qu'en fait, il n'y manque pas grand chose est encore plus intéressant.

Noel commence donc par trois excellentes faces B ((It's Good) To Be Free, Talk Tonight et Fade Away, qui ressemble toujours autant au Freedom de George Michael), suivi d'un Cast No Shadow bien sombre, avec cordes, et d'une nouvelle Bside, Half The World Away, repris en choeur par toute la salle. Quel autre artiste pourrait en dire autant? De manière assez amusante, The Importance of Being Idle (seul morceau récent) fait méchamment retomber l'ambiance, mais l'invité qui suit va inverser la tendance : Paul Weller, fidèle mentor de Gallagher, avec qui il reprendra All You Need Is Love et son propre Butterfly Collector. Rien de bien étonnant, mais c'est toujours chouette à entendre, à avoir tous ces morceaux au même endroit. Don't Go Away et Listen Up sont réarrangés, de manière plus sombre, pour ressembler à un Masterplan étonnamment absent. Sad Song, bizarrement, est nettement moins sombre que la version orginale.

Déjà tout à fait honorable, le show va prendre de la hauteur avec le toujours émouvant Slide Away, la version "Ryan Adams" de Wonderwall et bien sûr, l'inévitable mega hit de Noel, Don't Look Back In Anger. Seul faux pas du concert, sa reprise des Smiths, There Is A Light That Never Goes Out. Noel n'est pas Morrissey, l'intention était bonne, mais l'exécution déjà moins. Enfin, Married with Children complète le set comme il terminait Definitely Maybe, toujours aussi doucement stupide.

Cet album live est une bonne initiative (surtout que les bénéfices vont au Teenage Cancer Trust), et à le mérite de constituer une sorte de best of des non-hits d'Oasis, chantés par un type qui ne chante pas trop mal et qui est surtout nettement moins irritant. Sympa, donc.

vendredi 17 avril 2009

Peter Doherty - Grace/Wastelands

Que dire sur Pete(r) Doherty que les tabloids n'ont pas encore dit? Évidemment, énormément de choses. D'abord, que les Libertines étaient le dernier groupe anglais auxquels on pouvait croire, s'identifier. Oh, il y en aura sûrement d'autres, mais de ce genre, on en a quelques uns par siècle. Ensuite, que Doherty, malgré les frasques, est un poète et un compositeur de talent, même s'il ne sera jamais un grand chanteur. Enfin, que son premier album solo, Grace/Wastelands, comprend sans aucun doute ses meilleurs morceaux depuis le premier Libertines.

Babyshambles, il faut bien le reconnaître, c'était pas terrible du tout. Un premier album calamiteux, un second juste meilleur. On ne ressortira de cette période que le magnifique Albion, mais le morceau était aussi vieux que What a Waster. Doherty devait donc s'en sortir, au risque de - littéralement - disparaître. Et il a trouvé une aide précieuse, auprès de quelqu'un à qui on ne le fait plus : Graham Coxon.

Coxon, aussi Londonien que Doherty, est passé par l'immense succès, l'adulation, et les abus de substances (plutôt alcool pour lui). Il pouvait donc aider Doherty, qu'il a vite qualifié de "scumbag magnet", à sortir du trou, tant musicalement qu'humainement. On ne saura jamais ce que Graham Coxon - l'être humain - a fait pour Peter, mais par contre, il a prêté ses talents de guitariste à onze morceaux sur douze. Et il a bien fait.

Doherty, comme dit plus haut, ne sera jamais un grand chanteur, il se complait d'ailleurs encore parfois dans cet espèce de murmure de sdf alcoolo dans un couloir de gare. Dommage, parce que quand on écoute ce qu'il dit, on se rend compte qu'il ne reste plus beaucoup d'auteurs de talent. Vous connaissez encore beaucoup de monde qui écrit des rimes enchâssées comme "my rival the sun / who ripens the plum", vous? Contrairement à ce qu'on pourrait croire, les guitares de Coxon sont quasi toutes acoustiques (comme son prochain - et excellent - album solo, on en reparlera), ce qui accentue l'aspect "chanson".

La majeure partie des morceaux sont assez simples d'accès, des chansons acoustico-romantiques, mais bien écrites et parfois vraiment touchantes : Salome, I Am The Rain comptent parmi les meilleurs morceaux écrits par Doherty. Mais il tente de surprendre, avec un Last of The English Roses formaté pour ressembler fort bizarrement à Gorillaz, ce qui ne marche pas trop bien. De même, l'obsession maladive de Doherty avec le classicisme british le pousse parfois à faire un peu n'importe quoi, comme le music hall douteux de Sweet By and By. Mais ces influences arrivent à pénétrer l'essence même d'autres morceaux, comme Arcady ou un poème de guerre appliqué en 2009, 1939 Returning.

Ce qui surprend surtout, c'est la solidité de l'album. On avait l'habitude d'avoir 3-4 morceaux valables par album de Babyshambles, ici tout se tient presque, on a même de très bons morceaux pour finir, dont Sheepskin Tearaway (encore un vieux morceau) avec Dot Allison, ou Broken Love Song, coécrit avec Wolfman (remember For Lovers?). Coxon se laisse parfois aller dans des paysages sonores parfois Sonic Youthiens (Palace of Bone, New Love Grows On Tree), mais l'ensemble reste étonnamment discret et d'autant plus impressionnant.

Il faut toutefois garder une certaine objectivité, ce n'est pas l'album du siècle non plus. Mais si Doherty continue à se ressaisir, à se montrer en concert (on ne parle plus de ses retards et annulations, maintenant qu'il n'y en a plus...) et à bien choisir ceux qui l'entourent, alors, il reste de l'espoir. Surtout que les Libertines vont probablement se reformer l'an prochain...

Peter Doherty - Grace/Wastelands

Que dire sur Pete(r) Doherty que les tabloids n'ont pas encore dit? Évidemment, énormément de choses. D'abord, que les Libertines étaient le dernier groupe anglais auxquels on pouvait croire, s'identifier. Oh, il y en aura sûrement d'autres, mais de ce genre, on en a quelques uns par siècle. Ensuite, que Doherty, malgré les frasques, est un poète et un compositeur de talent, même s'il ne sera jamais un grand chanteur. Enfin, que son premier album solo, Grace/Wastelands, comprend sans aucun doute ses meilleurs morceaux depuis le premier Libertines.

Babyshambles, il faut bien le reconnaître, c'était pas terrible du tout. Un premier album calamiteux, un second juste meilleur. On ne ressortira de cette période que le magnifique Albion, mais le morceau était aussi vieux que What a Waster. Doherty devait donc s'en sortir, au risque de - littéralement - disparaître. Et il a trouvé une aide précieuse, auprès de quelqu'un à qui on ne le fait plus : Graham Coxon.

Coxon, aussi Londonien que Doherty, est passé par l'immense succès, l'adulation, et les abus de substances (plutôt alcool pour lui). Il pouvait donc aider Doherty, qu'il a vite qualifié de "scumbag magnet", à sortir du trou, tant musicalement qu'humainement. On ne saura jamais ce que Graham Coxon - l'être humain - a fait pour Peter, mais par contre, il a prêté ses talents de guitariste à onze morceaux sur douze. Et il a bien fait.

Doherty, comme dit plus haut, ne sera jamais un grand chanteur, il se complait d'ailleurs encore parfois dans cet espèce de murmure de sdf alcoolo dans un couloir de gare. Dommage, parce que quand on écoute ce qu'il dit, on se rend compte qu'il ne reste plus beaucoup d'auteurs de talent. Vous connaissez encore beaucoup de monde qui écrit des rimes enchâssées comme "my rival the sun / who ripens the plum", vous? Contrairement à ce qu'on pourrait croire, les guitares de Coxon sont quasi toutes acoustiques (comme son prochain - et excellent - album solo, on en reparlera), ce qui accentue l'aspect "chanson".

La majeure partie des morceaux sont assez simples d'accès, des chansons acoustico-romantiques, mais bien écrites et parfois vraiment touchantes : Salome, I Am The Rain comptent parmi les meilleurs morceaux écrits par Doherty. Mais il tente de surprendre, avec un Last of The English Roses formaté pour ressembler fort bizarrement à Gorillaz, ce qui ne marche pas trop bien. De même, l'obsession maladive de Doherty avec le classicisme british le pousse parfois à faire un peu n'importe quoi, comme le music hall douteux de Sweet By and By. Mais ces influences arrivent à pénétrer l'essence même d'autres morceaux, comme Arcady ou un poème de guerre appliqué en 2009, 1939 Returning.

Ce qui surprend surtout, c'est la solidité de l'album. On avait l'habitude d'avoir 3-4 morceaux valables par album de Babyshambles, ici tout se tient presque, on a même de très bons morceaux pour finir, dont Sheepskin Tearaway (encore un vieux morceau) avec Dot Allison, ou Broken Love Song, coécrit avec Wolfman (remember For Lovers?). Coxon se laisse parfois aller dans des paysages sonores parfois Sonic Youthiens (Palace of Bone, New Love Grows On Tree), mais l'ensemble reste étonnamment discret et d'autant plus impressionnant.

Il faut toutefois garder une certaine objectivité, ce n'est pas l'album du siècle non plus. Mais si Doherty continue à se ressaisir, à se montrer en concert (on ne parle plus de ses retards et annulations, maintenant qu'il n'y en a plus...) et à bien choisir ceux qui l'entourent, alors, il reste de l'espoir. Surtout que les Libertines vont probablement se reformer l'an prochain...

lundi 13 avril 2009

Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!

Voici un parfait exemple d'évolution musicale. Apparu dans le paysage rock en même temps que les Strokes et compagnie, les YYY ont systématiquement pris la tangente et sorti des albums diamétralement différents. It's Blitz!, le troisième, sera sans doute connu comme l'album "dance". Non, ce n'est pas une mauvais chose.

Le single d'intro Zero est un punch parfait, fait de la voix sexy de Karen O, de guitares disco et de synthés festifs. Franchement bon, et de bon augure pour la suite. Heads Will Roll et Softshock continuent cette tendance disco-dancey, mais sans jamais tomber dans le facile ou le vulgaire, grâce aux talents des musiciens, car on est loin d'un album électro : la batterie de Brian Chase est énorme de précision (Skeletons, Shame And Fortune) et Nick Zinner est toujours capable d'envoyer des tons de guitares spectaculaires (Dull Life).

Karen O est plus discrète que d'habitude, passant sans problème d'un registre à l'autre, de la déesse post-punk que l'on connaît à ... Debbie Harry. On arrive difficilement à s'ennuyer au cours des 41 minutes qui composent l'album, grâce à la variété des morceaux et des rythmes. Runaway, "ballade", fait évidemment penser à Maps, avec Karen en mode superémotif, mais c'est l'exception dans un album expansif, qui se termine pourtant de manière posée.

Difficile de cerner les Yeah Yeah Yeahs, mais une chose est sûre : ils font exactement ce qu'ils ont envie de faire à l'heure actuelle. It's Blitz! est vraiment excellent, fonctionnant aussi bien sur les pistes de danse que dans un casque, dans le noir. Contrairement à nombre de ses condisciples de la new rock revolution (copyright NME), ils évoluent très bien, et deviennent carrément meilleurs.

Oh, et dans un monde radio dominé par Timbaland et Kanye West, Dragon Queen devrait être un hit immense. Le fait qu'il ne le sera pas est encore plus rafraichissant.

Yeah Yeah Yeahs - It's Blitz!

Voici un parfait exemple d'évolution musicale. Apparu dans le paysage rock en même temps que les Strokes et compagnie, les YYY ont systématiquement pris la tangente et sorti des albums diamétralement différents. It's Blitz!, le troisième, sera sans doute connu comme l'album "dance". Non, ce n'est pas une mauvais chose.

Le single d'intro Zero est un punch parfait, fait de la voix sexy de Karen O, de guitares disco et de synthés festifs. Franchement bon, et de bon augure pour la suite. Heads Will Roll et Softshock continuent cette tendance disco-dancey, mais sans jamais tomber dans le facile ou le vulgaire, grâce aux talents des musiciens, car on est loin d'un album électro : la batterie de Brian Chase est énorme de précision (Skeletons, Shame And Fortune) et Nick Zinner est toujours capable d'envoyer des tons de guitares spectaculaires (Dull Life).

Karen O est plus discrète que d'habitude, passant sans problème d'un registre à l'autre, de la déesse post-punk que l'on connaît à ... Debbie Harry. On arrive difficilement à s'ennuyer au cours des 41 minutes qui composent l'album, grâce à la variété des morceaux et des rythmes. Runaway, "ballade", fait évidemment penser à Maps, avec Karen en mode superémotif, mais c'est l'exception dans un album expansif, qui se termine pourtant de manière posée.

Difficile de cerner les Yeah Yeah Yeahs, mais une chose est sûre : ils font exactement ce qu'ils ont envie de faire à l'heure actuelle. It's Blitz! est vraiment excellent, fonctionnant aussi bien sur les pistes de danse que dans un casque, dans le noir. Contrairement à nombre de ses condisciples de la new rock revolution (copyright NME), ils évoluent très bien, et deviennent carrément meilleurs.

Oh, et dans un monde radio dominé par Timbaland et Kanye West, Dragon Queen devrait être un hit immense. Le fait qu'il ne le sera pas est encore plus rafraichissant.

samedi 11 avril 2009

Pearl Jam – 1990-1992 (Ten Collectors Edition)


Il y a de ça presque deux ans, j'ai écrit une rétrospective de Pearl Jam en commençant, forcément, par le premier album : Ten. Dans l'article, j'ai mis en évidence une production souvent critiquée. Le groupe lui même s'en est rendu compte, à tel point que presque vingt ans après, l'album ressort en version évidemment spéciale et remasterisée, mais surtout accompagnée d'une toute nouvelle version de Ten, remixée par Brendan O'Brien.

Dans cet article, je ne vais pas revenir sur l'album en tant que tel, mais sur la valeur ajoutée du coffret collector, qui vaut largement qu'on lui dévoue quelques lignes. D'abord, sa composition : l'album original, produit par le très zeitgeist Rick Parashar et remasterisé en 2009 et la nouvelle version, remixée par O'Brien en forment la pierre angulaire. La version que tout le monde connaît ne change pas, même si le son est fatalement plus puissant, triste conséquence de la loudness war. La version O'Brien, par contre, est stupéfiante. On retrouve des guitares dont on ignorait l'existence, le son est plus clair, plus proche de ce que le groupe fait en concert. C'est surtout les morceaux plus lents qui bénéficient le mieux du traitement de BOB : Oceans (sans l'infâme reverb), Garden, Release et évidemment Black sont intenses de pureté et totalement captivantes. Les emblématiques Alive, Even Flow et Jeremy changent moins (même si le final de ce dernier est étonnament modifié) mais c'est surtout Porch qui impressionne par sa force et la rage d'un jeune Eddie Vedder.

La question à 110€ (le prix minimum du box) est la suivante : est-ce pertinent de vouloir réécrire l'histoire? Est-ce une bonne idée de décontextualiser un album qui est, par définition, un produit de son époque? J'imagine que c'est pour ne pas devoir répondre à cette question que les deux versions de l'album sont comprises dans le coffret. Personnellement, je détestais écouter Ten, justement à cause de cette production. Je préfère la nouvelle version, même si on ne peut pas, pour des raisons historiques, la substituer à la première et seule version légitime. Mais ce n'est pas la seule nouveauté, car le "nouveau" Ten (appelé Ten Redux) ajoute six morceaux bonus.

2,000 Mile Blues est, comme son nom le laisse penser, une impro blues en studio, pendant que le guitariste Stone Gossard était chez le dentiste. Anecdotique, mais comprenant un très bon solo de Mike McCready. Evil Little Goat est plus une blague qu'autre chose, un morceau qui aurait sans doute gagné à etre caché quelque part. On retrouve aussi deux versions alternatives de State Of Love And Trust et Breath (de la BO de Singles). Les versions sont assez brutes et primitives, on ne doit donc pas s'attendre à des versions aussi abouties que celles qu'on connaît. Enfin,les deux morceaux restants sont les plus intéressants. Brother et Just A Girl sont deux morceaux mythiques du groupe, ayant été joués en concert au début de leur carrière, mais ne s'étant jamais retrouvé sur disque (sauf la version instru de Brother sur Lost Dogs). Des versions studio pouvaient être trouvées sur le web, mais c'est ici la première fois qu'ils sont disponibles officiellement. Just A Girl est mon préféré, d'ailleurs un de mes morceaux préférés de cette période, alors que Brother m'a étonné, car les paroles ne sont pas les mêmes que les versions connues. De toute façon, ces deux morceaux sont clairement un des points positifs principaux du coffret, mais représentent aussi la porte d'entrée à ce qui est peut-être sa principale critique.

Comme on peut le remarquer, le nom officiel du coffret est "Pearl Jam 1990-1992". Le groupe a aussi annoncé son intention de ressortir chaque album de son catalogue, pour en faire une sorte d'anthologie jusqu'en 2011 et son 20ème anniversaire. Bonne idée, mais le problème, c'est qu'une anthologie, par définition, est censée contenir les meilleurs morceaux. Pour que la boîte soit complète, il eut fallu inclure les faces B, qui sont certes connues, soit via les singles correspondants ou la compile Lost Dogs, mais qui sont absolument cruciaux pour cerner ce qu'était PJ entre 90 et 92. Yellow Ledbetter, pour ne prendre qu'un exemple, est un morceau qui finit traditionnellement les concerts du groupe, et est donc un de leurs morceaux-clés. Forcément, n'importe qui pourrait le graver, ce disque manquant, mais je ne peux m'empêcher de penser que l'occasion était bonne. Tout comme je ne peux m'empêcher de croire qu'il devait bien y avoir autre chose de plus intéressant que deux faux inédits, deux démos et deux morceaux boîteux comme "inédits".

On peut ensuite continuer l'exploration de la boîte, avec les deux mêmes albums (sans les morceaux bonus, pour une question de place) en vinyl 180 grammes. Forcément, il faut avoir le matériel (une bête platine fait déjà la différence), mais quand c'est le cas, les versions cd deviennent superflues : comme c'est souvent le cas avec de bons vinyls, le son est nettement meilleur, sans volume assourdissant. Le marché étant bien plus réduit, pas de loudness war pour le vinyl, qui est donc préférable au cd.

Ce n'est pas fini, loin de là. Le coffret comprend aussi le DVD de la mythique session MTV Unplugged, qui montre un Eddie Vedder compètement habité et surtout la mode de l'époque, sacré Jeff Ament. Je n'ai jamais été un fan de leur Unplugged, parce qu'il est arrivé trop tôt dans leur carrière : ils n'avaient pas encore assez de morceaux qui pouvaient se prêter au concept, contrairement à Nirvana ou Alice in Chains dont l'Unplugged est phénoménal. Il reste toutefois intéressant de le regarder, même si le Rockin' in a Free World final manque à l'appel, probablement pour des raisons légales.

Suit encore un double vinyl (mais avec un code permettant de télécharger les mp3 en 256 kb/s) d'un concert légendaire, "Drop In The Park", à Seattle. Une fois de plus, c'est encore Porch qui vole la vedette, avec une reinterprétation passionnée de Tearing, du Rollins Band. Malheureusement, deux morceaux manquent encore à l'appel (Sonic Reducer et Rockin' In The Free World), de plus, le concert est tronqué par la suppression des interventions parlées du groupe, remplacées par de très vilains fade outs.

On terminera la partie audio/video du box avec une véritable curiosité cette fois véritablement inédite : la reproduction de la cassette comprenant les tous premiers enregistrements d'Eddie Vedder comme chanteur de Pearl Jam. Stone Gossard et Jeff Ament avaient envoyé trois instrumentaux à Vedder, qui a écrit ses paroles et ajouté sa voix sur ce qui allait devenir Alive, Once et Footsteps, trois morceaux connus sous le nom de Momma-Son - ou Mamasan - Trilogy (voir l'article original pour explication). Les trois morceaux sont intéressants, surtout quand on les compare aux versions définitives : Alive est nettement plus lent, Footsteps comprend l'harmonica virée de la version du single de Jeremy mais rajoutée sur Lost Dogs ; quant à Once, c'est la version la plus différente, avec des couplets carrément funk. Note amusante : Pearl Jam n'ayant pas encore de batteur à l'époque, c'est Matt Cameron, alors batteur de Soundgarden, qui joue sur les trois morceaux. Une dizaine d'années après, il allait rejoindre le groupe pour de bon.

On l'aura compris, ce coffret est rempli à ras bord de musique. Mais le côté graphique a aussi été soigné, car on y retrouve des cartes postales, des répliques de ticket de concert, de pass backstage entre autres, mais aussi et surtout un carnet de 80 pages rempli de photos et souvenirs en tout genre.

Malgré les quelques points négatifs relevés ci-dessus, Pearl Jam 1990-1992 est un objet assez extraordinaire, digne témoignage de son époque. Beaucoup de soin et d'efforts ont été fournis pour arriver à un résultat fantastique, qui peut expliquer son prix relativement élevé. Il reste maintenant à voir comment le groupe va suivre ce coffret, vu que la même chose est attendue pour les autres albums, à commencer par Vs. La barre est placée très haut.

samedi 4 avril 2009

The Prodigy - Invaders Must Die


Le temps passe, et je continue à suivre des groupes qui m'intéressaient quand j'étais ado. Prodigy est l'un de ceux-là, j'ai vécu leurs premiers succès avec le bourrin mais sympa Music for the Jilted Generation et leur méga domination mondiale (enfin, européenne) avec Fat of the Land. Puis, je n'ai plus jeté qu'une oreille à ce qu'ils font, de manière plutôt nostalgique. Je trouvais Always Outnumbered, Never Outgunned assez moyen en 2004, cet Invaders Must Die est fort différent, notamment grâce au retour des vocalistes Maxim et Keith Flint, exclus du précédent.

De manière assez positive, ils ont (ou plutôt il a, vu que Liam Howlett reste seul maître à bord) réussi à renouveler leur son, il est vrai fort daté (allez y, écoutez Firestarter maintenant. Oui, c'était mieux avant). Plus de claviers rave, moins d'attitude subpunk, l'album peut se laisser apprécier, s'il n'avait pas la subtilité de Wayne Rooney une nuit de weekend. Omen, le premier single est assez dingue, mais les voix reggae de Thunder irritent vite. Keith Flint fait un comeback rageur avec Colours et surtout Take Me to the Hospital ("along came a spiderrrrr") alors que la voix féminine de Warrior's Dance est plus Jilted que Jilted.

Les influences punk refont leur apparition sur Run With The Wolves, qui nous gratifie d'une performance de Dave Grohl très Songs For The Deaf. Très agressif et efficace. Malheureusement, la suite est nettemenrt moins heureuse, Worlds On Fire fait penser à un mauvais tube eurodance alors que le final Stand Up rappelle les pires chansons à boire d'Oasis (All Around The World en pire, même pas drôle).

Malgré quelques bons moments, Invaders Must Die ne se laissera pas réécouter souvent. The Prodigy est un autre groupe qui appartient aux années 90 et qui n'a plus vraiment sa place aujourd'hui. Par chance, ils arrivent encore à sortir de la médiocrité, même s'ils n'ont absolument plus aucune relevance. Better to burn out than fade away, etc etc...

The Prodigy - Invaders Must Die


Le temps passe, et je continue à suivre des groupes qui m'intéressaient quand j'étais ado. Prodigy est l'un de ceux-là, j'ai vécu leurs premiers succès avec le bourrin mais sympa Music for the Jilted Generation et leur méga domination mondiale (enfin, européenne) avec Fat of the Land. Puis, je n'ai plus jeté qu'une oreille à ce qu'ils font, de manière plutôt nostalgique. Je trouvais Always Outnumbered, Never Outgunned assez moyen en 2004, cet Invaders Must Die est fort différent, notamment grâce au retour des vocalistes Maxim et Keith Flint, exclus du précédent.

De manière assez positive, ils ont (ou plutôt il a, vu que Liam Howlett reste seul maître à bord) réussi à renouveler leur son, il est vrai fort daté (allez y, écoutez Firestarter maintenant. Oui, c'était mieux avant). Plus de claviers rave, moins d'attitude subpunk, l'album peut se laisser apprécier, s'il n'avait pas la subtilité de Wayne Rooney une nuit de weekend. Omen, le premier single est assez dingue, mais les voix reggae de Thunder irritent vite. Keith Flint fait un comeback rageur avec Colours et surtout Take Me to the Hospital ("along came a spiderrrrr") alors que la voix féminine de Warrior's Dance est plus Jilted que Jilted.

Les influences punk refont leur apparition sur Run With The Wolves, qui nous gratifie d'une performance de Dave Grohl très Songs For The Deaf. Très agressif et efficace. Malheureusement, la suite est nettemenrt moins heureuse, Worlds On Fire fait penser à un mauvais tube eurodance alors que le final Stand Up rappelle les pires chansons à boire d'Oasis (All Around The World en pire, même pas drôle).

Malgré quelques bons moments, Invaders Must Die ne se laissera pas réécouter souvent. The Prodigy est un autre groupe qui appartient aux années 90 et qui n'a plus vraiment sa place aujourd'hui. Par chance, ils arrivent encore à sortir de la médiocrité, même s'ils n'ont absolument plus aucune relevance. Better to burn out than fade away, etc etc...